lunes, 9 de diciembre de 2019

El ataque de los muertos sin ojos (1973)

Sigamos con otra española.

En Bouzano están celebrando la vez en que quemaron a unos caballeros de Oriente por sus prácticas barbáricas, pero de noche los caballeros se alzan de las tumbas y empiezan a matar a todos los habitantes.

El título inglés fue "Return of the Evil Dead", fue el que popularizó el término "evil dead" para referirse a los no muertos malvados. Por supuesto no está relacionada con las películas de Sam Raimi.

Según Amando de Ossorio la financiación fue muy complicada de conseguir, de hecho afirmó que el distribuidor nunca llegó a pagarle.

La mejor versión es la española ya que en algunas de las que se distribuyeron fuera de nuestro país recibieron algunos cortes, especialmente las escenas más gore.

Del reparto destacan los nombres de Fernando Sancho (Mayor Duncan) y Esperanza Roy (Vivian).

Se pasan un poco por la entrepierna algunas de las cosas establecidas en la primera película. No entiendo muy bien la razón porque es del mismo director y salió poco después.

Por ejemplo nada más empezar vemos que han cambiado el nombre del pueblo medieval de Berzano a Bouzano y lo sitúan en Portugal, antes estaba en un lugar perdido de España cerca de la frontera. Otra diferencia es que antes de matarlos les queman los ojos y no los dejan colgados para que sean los cuervos los que se los coman.

Otra diferencia es que el pueblo estaba abandonado en la película anterior y en esta vive gente. De hecho no tiene sentido que celebren una fiesta en honor a cuando quemaron a los caballeros cuando no eran ni siquiera capaces de mencionarles.

Vemos también otra escena de tortura medieval, aunque es más bien una ejecución a sangre fría para beberse la sangre de la pobre elegida.

Sí que mantienen las manera de vestir, el maquillaje y los caballos cabalgando a cámara lenta.

El tipo al que llama el alcalde en busca de ayuda es el mayor gilipollas de la historia.

La escena en la que el alcalde usa a una niña como distracción es quizás la mejor de toda la película. Especialmente por como termina.

La cantidad de muertes es incluso sorprendente. Cuando crees que ya se ha terminado siempre aparece alguien más dispuesto a ser atravesado por las espadas de los caballeros. Es genial.

De la manera en la que se desarrolla la historia bien podría ser una precuela de la anterior, lo cual explicaría por qué no quieren hablar de los templarios y porque no vive nadie en dicho pueblo. Es la única cosa que tendría un cierto sentido.

En fin, dos secuelas más quedan y no tengo muy claro como las habrán enfocado. Habrá que verlas.

La noche del terror ciego (1972)

Hora de algo de terror español.

Virginia decide saltar a mitad trayecto de un viaje en tren y termina llegando a un pueblo medieval abandonado llamado Berzano. Por la noche los muertos de un cementerio cercano se despiertan y le atacan. Sus amigos acuden allí al día siguiente en su búsqueda.

El cine de Amando de Ossorio es una de mis asignaturas pendientes desde siempre. No fue demasiado prolífico (unas 17 películas hizo en total) pero dejó su huella en el panorama del cine de terror español de los años 70. He hecho una pequeña selección de sus títulos, quizás los más conocidos.

El director citó como influencias la historia de Gustavo Adolfo Bécquer "El monte de las ánimas" y la película "Night of the Living Dead" (1968).

Es la primera de la saga de los muertos sin ojos, las otras son "El ataque de los muertos sin ojos" (1973), "El buque maldito" (1974) y "La noche de las gaviotas" (1975), curiosamente serán mis próximas entradas.

De manera no oficial han salido en "La cruz del diablo" (1975) de John Gilling, "La mansión de los muertos vivientes" (1982) de Jesús Franco, "El Retorno de los Templarios" (2007), "Don't Wake the Dead" (2008), "Unrated: The Movie" (2009) y el corto "Island of the Blind Dead" (2015). Creo que sólo dispongo de una de ellas y la veré mucho más adelante.

Cuando la estrenaron en EEUU decidieron titularla "Revenge from Planet Ape" para tratar de aprovechar el tirón de "Planet of the Apes" (1968), pero claro tuvieron que modificarla para que tuviera un cierto sentido así que añadieron un prólogo que explicaba que durante 3000 años los simios han luchado por mantener el control del planeta pero al final el hombre se impuso. Los simios fueron asesinados clavándoles hierros calientes en los ojos (wow) y dijeron que regresarían de la muerte para vengarse.

En inglés llaman a los muertos ciegos "Templar Knights" (caballeros templarios) aunque en la VO son "los guerreros de Oriente".

Los muertos vivientes no son simples cadáveres, llevan unas capuchas y tienen un aspecto esquelético muy diferente de los zombies habituales. Además son de un color oscuro e incluso montan a caballo. Así a bote pronto no recuerdo haber visto algo similar en otras películas.

De hecho me recuerdan un poco a los Nazgul de los libros/películas de "El señor de los anillos".

Hacen un uso excesivo de cámara lenta en la parte en la que van a caballo.

He de decir que de todas las torturas medievales la de los dos tipos a caballo pegando espadazos a una mujer atada es la más original que he visto.

Me resulta incluso gracioso que la forma de evitar a los resucitados sea no haciendo ruido.

No sabía muy bien qué esperarme y al final la he disfrutado bastante. Los efectos especiales están bien, las partes de los no muertos atacando también y la historia es bastante sencilla pero correcta. La primera secuela será mi próxima entrada.

domingo, 8 de diciembre de 2019

Fool's Gold (2008)

Aquí la titulamos "Como locos... a por el oro".

Finn es un buscatesoros en el mar quien acaba de perder su barco, casi es asesinado y encima justo se ha divorciado de Tess, quien se ha quedado con todo. Pero poco antes de suceder todas esas calamidades da con una pieza que pertenece a uno de los tesoros más importantes.

Un reparto cargado de nombres conocidos como Matthew McConaughey (Finn), Kate Hudson (Tess), Donald Sutherland (Nigel Honeycutt), Ewen Bremner (Alfonz) y Kevin Hart (Bigg Bunny).

La acción está situada en el Caribe pero la película fue rodada en Australia.

No es muy diferente a otras películas de parejas que se separan pero tienen que hacer algo juntos por obligación, en este caso encontrar un tesoro.

Me recuerda vagamente a "Into the Blue" (2005) y también guarda muchos paralelismos con "Sahara" (2005) también protagonizada por Matthew McConaughey.

La verdad es que tiene ratos entretenidos, aunque creo que es muy básica. El desarrollo de la historia tiene poco de sorprendente, más allá de las diferentes pistas que van siguiendo para dar con el tesoro (algunas de las cuales son bastante convenientes).

El hecho de que no la viese en su día (ni siquiera la recuerdo) es un claro indicativo que pasó sin pena ni gloria y es que al final resulta un producto que no destaca especialmente en ninguno de sus aspectos. La definiría como la típica película para ver un domingo cualquiera tras haber comido.

E poi lo chiamarono il magnifico (1972)

Aquí la titulamos "Y después le llamaron el Magnífico".

Thomas Moore es el hijo de un bandolero conocido como "el inglés" que ha muerto recientemente. La banda de su padre le espera en su casa y termina uniéndose a ellos, aunque él es muy inocente y no sabe prácticamente nada de la vida en el salvaje oeste.

En realidad buena parte de la razón por la que la considero la tercera película de Trinidad es el título que le pusieron tanto en VO como en España. También el hecho de que salió un año después de la primera secuela.

Además da la impresión de que Trinidad sea un apodo en las películas previas, de igual manera que lo es Bambino ya que procuran no decir sus nombres reales en la segunda película de manera muy obvia en varias ocasiones.

Pero bueno, partamos con el hecho de que está protagonizada únicamente por Terence Hill (Sir Thomas Fitzpatrick Phillip Moore). De sus películas en solitario destacan también "Lucky Luke" (1991), "Don Camillo" (1984) y "Il mio nome è Nessuno" (1973).

El personaje que interpreta no tiene nada que ver, de hecho es tan diferente que cuesta encontrar paralelismos con las anteriores películas.

Se trata de un joven inglés que trae consigo un montón de ideas progresistas como por ejemplo la manera de vestir o una bicicleta.

Aunque sí tiene similitudes en cuanto a la forma. Obviamente también se trata de una comedia/western y hacen apariciones recurrentes unos personajes con un resultado siempre gracioso. Además el protagonista se enamora de una chica.

En mi opinión le falta un poco más de intensidad. El mejor ejemplo de ello está en la pelea final donde van frenando cada poco y cambiando ligeramente el escenario, aparte que sólo está protagonizada por dos personas. En general sabe a poco, aunque no la considero mala.

Continuavano a chiamarlo Trinità (1971)

Aquí la titulamos "Le seguían llamando Trinidad".

Bambino y Trinità visitan a su madre y al hombre que les crió y como él se encuentra muy mal les pide que a partir de ese momento trabajen juntos como hermanos que son.

Lo primero interesante es que los títulos en los carteles en versión original están conectados, el primero termina con puntos suspensivos y este empieza con ellos.

En la versión doblada al castellano establecen que el nombre de la "hamaca" donde va tumbado Trinità es "parigüela".

La escena en la que los protagonistas comen en un restaurante fue escrita e improvisada por los actores protagonistas.

La escena en la que Trinidad abofetea al tahúr fue usada en un anuncio de la marca estadounidense Sprint Mobile en el año 2006.

Aunque guarda algunas similitudes con la primera película, como por ejemplo la pelea final o la aparición de unos mexicanos es una historia que se sostiene por sí misma y eso hace que funcione como una película independiente.

Esta vez tiene más comedia y meten a unos personajes recurrentes como la familia a la que van ayudando cada vez que se los encuentran o el tipo al que Bambino deja alelado desde que le dio un mamporrazo al principio.

Personalmente son dos películas que me gusta volver a ver cada cierto tiempo porque aún siendo comedias mantienen el espíritu de los western de toda la vida, aparte que las escenas de las peleas siguen siendo de lo más entretenido.

Como dije en la anterior entrada hay una tercera película que está abierta a discusión si forma parte de esta historia, pero vamos oficialmente salvo la secuela que sacaron en 1995 protagonizada por otros actores no hay más.

sábado, 7 de diciembre de 2019

Lo chiamavano Trinità... (1970)

Aquí la titulamos "Le llamaban Trinidad".

Bambino se hace pasar por un sheriff cuando de repente hace aparición su hermano Trinità. Son conocidos como la mano izquierda y la mano derecha del diablo debido a lo rápidos que son con el revólver. Además Bambino da unos mamporros de aúpa.

Llevaba mucho tiempo queriendo revisitar el cine de Bud Spencer (Bambino) y Terence Hill (Trinità). Su lista de títulos es bastante extensa y no siempre aparecen juntos. De hecho el título es el primero de una trilogía cuyo tercer título "E poi lo chiamarono il magnifico" (1972) (lo explicaré un poco mejor en la entrada que le toca) sólo tiene a Terence Hill como protagonista.

Vale, acabo de descubrir que existe una película más titulada "Trinità & Bambino... e adesso tocca a noi!" (1995) cuyos protagonistas son los hijos de los personajes de esta. Y como tiene una pinta horrenda de momento la voy a dejar pasar.

Sus nombres reales son Mario Girotti (Terence Hill) y Carlo Pedersoli (Bud Spencer).

Fue la película que les situó en un lugar privilegiado como pareja cómica, aunque habían hecho algún que otro título juntos previamente.

La grabación tuvo cabo en Camerata Nuova, una pequeña ciudad italiana, y en Almería.

La escena de la "camilla" en la que va durmiendo Trinidad se ha convertido en la imagen más icónica de la película.

Terence Hill estuvo un día sin comer antes de filmar la escena en la que se come toda la sartén de las judías. Aunque lo interesante no es que se coma las judías sino que las acompaña con un pedazo de pan bastante grande.

Una de las peculiaridades del protagonista es la cantidad de mierda que lleva encima. Exagerado es poco decir.

Y otra que los une como hermanos es lo mucho que les gusta comer. No sólo tenemos la primera escena, es que durante toda la película comen de lo lindo siempre que tienen ocasión.

Una última curiosidad, la versión española dura menos que la italiana. Por lo que he podido comprobar la parte que sufre más recortes es la pelea final, cosa que no tiene ningún sentido.

Una de las mejores comedias/western, quizás la mejor porque en su día tuvo mejor taquilla que las películas que trataba de parodiar. Tanto fue así que tuvo una secuela al año siguiente, pasemos a ella.

viernes, 6 de diciembre de 2019

Valerie a týden divů (1970)

Aquí la titulamos "Valerie y su semana de las maravillas".

Valerie vive con su abuela, una vampiresa que quiere lograr la vida eterna. Orlic, el hijo del alguacil, es su único amigo y tratará de darle objetos que la protejan. Pero las mentiras de unos y otros le pondrán las cosas muy difíciles a la niña.

Es una película de la que se ofrecen pases como si fuese muda. Lo cual me fascina porque por error los primeros 10 minutos los he visto sin audio (cosas que pasan) y no acababa de entender la razón por la que no se oyera lo que dicen los personajes (que tampoco es mucho).

Me fascina lo mucho que se parece la protagonista a Malina Weissman, la actriz que salió en la serie "A series of unfortunate events".

Me recuerda al cine de Alejando Jodorowsky aunque diría que sin llegar a los impactos visuales típicos del director chileno. De hecho es casi inocente todo lo que sale.

Entre las temáticas que tocan tenemos la religión, el primer amor, el vampirismo, el lesbianismo, las quema de brujas... me atrevería a decir que incluso la pedofilia en el ámbito clerical, lo cual sí me ha sorprendido (atentos al año en que fue hecha).

He de decir que les cuesta muy poquito quemar a una niña.

El aspecto del vampiro líder está claramente inspirado en Nosferatu. Le apodan "la comadreja" y es capaz de cambiar su aspecto.

No acabo de entender algunas de las opiniones que he leído, o igual es que la he interpretado mal (no lo descartemos porque hay mucha metáfora visual, es fácil que se me haya escapado alguna cosa). Lo digo porque se supone que trata sobre la primera menstruación de la protagonista, ni de lejos me lo ha parecido (vamos, igual siendo MUY rebuscado).

De hecho lo que yo he visto es que todo es como un sueño (o una pesadilla) de la protagonista quien coge elementos de la vida real (algunos los predice) y los interpreta a su manera.

Creo que comprendo el por qué de la existencia de una versión muda, la narrativa visual es más que suficiente para entender qué está sucediendo, quizás con el apoyo de algún texto puntual.

Casino Royale (1967)

Bienvenidos al caos.

EEUU, el Reino Unido, la Unión Soviética y Francia deciden unir fuerzas contra un enemigo común llamado Smersh que está acabando con sus espías y piden ayuda a Sir James Bond.

Para rematar esta pequeña selección de títulos de Bond he elegido uno de sus títulos más raros. Creo que la he visto sólo un par de veces y soy del todo incapaz de recordarla. Sé que es una película no oficial de James Bond pero yo creo que es necesario incluirla para que nadie se olvide de su existencia.

El reparto es fascinante, incluye nombres como Peter Sellers (Evelyn Tremble, James Bond - 007), Ursula Andress (Vesper Lynd - 007), David Niven (Sir James Bond), Orson Welles (Le Chiffre), Joanna Pettet (Mata Bond), Daliah Lavi (The Detainer - 007), Woody Allen (Jimmy Bond - Dr. Noah), Deborah Kerr (Agent Mimi alias Lady Fiona), William Holden (Ransome), Charles Boyer (Le Grand), John Huston (McTarry - M), Jean-Paul Belmondo (Legionario Francés), Jacqueline Bisset (Miss Goodthighs)...

Es uno de las producciones desastrosas más famosas de todos los tiempos. De hecho yo me pierdo bastante con todo lo sucedido porque es un lío enorme.

Para empezar la mayoría de los actores no sabían que se trataba de una parodia de James Bond y no una película seria.

Según contó el director Val Guest trabajar con Peter Sellers era tan problemático que decidieron despedirle antes de terminar de rodar sus escenas y por ello hubo que alterar el guión. Parte de los problemas con el actor es que de repente se iba del plató y no regresaba durante varios días.

Es difícil saber quién es el director porque hubieron unos cuantos. En los créditos salen Val Guest (las escenas con Woody Allen y algunas con David Niven), Ken Hughes (las escenas de Berlín), John Huston (las escenas en casa de Sir James Bond y el castillo de Escocia), Joseph McGrath (las escenas con Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles), Robert Parrish (algunas escenas con Peter Sellers y Orson Welles) y Richard Talmadge (la parte final).

Aunque no se sabe a ciencia cierta hasta qué punto contribuyeron en el guión, en algún momento Woody Allen, Peter Sellers, Val Guest, Ben Hecht, Joseph Heller, Terry Southern y Billy Wilder formaron parte de ello sin recibir crédito.

El primero en aparecer es Sir James Bond (David Niven) cuya primera aportación al personaje es la tartamudez. Aunque eventualmente bromean con ello.

Llevan el "chiste" de que Sean Connery es escocés hasta un límite en el que carece de sentido. Lo que no acabo de entender en esa parte es que de repente las chicas se pongan a hablar en francés.

Jimmy Bond (Woody Allen) es el sobrino de Sir James Bond. Woody Allen grabó sus escenas en Londres, los productores retrasaron su último día de grabación tantas veces que el actor se acabó enfadando tanto que sin cambiarse de ropa cogió y se montó en un vuelo de vuelta a Nueva York. Fue la película que le inspiró para hacerse cargo de sus propias producciones.

Aunque sea una parodia es donde dan una explicación a lo que sucederá en posteriores películas con el cambio de actores para interpretar al personaje, básicamente que tanto el nombre James Bond como 007 son "títulos".

Pasados 45 minutos hace aparición Evelyn Tremble (Peter Sellers) quien será otro James Bond. El actor se tomó en serio el papel que trató de improvisar para que sus partes no tuvieran un tono cómico y fuesen más fieles al libro.

Cuando Mata Bond (Joanna Pettet) llega a Berlín la casa en la que entra es una parodia del expresionismo alemán.

Le Chiffre (Orson Welles) aparece por primera vez pasada una hora y 20 minutos más o menos.

En la primera escena de Jacqueline Bisset (Miss Goodthighs) ella creía que sólo tenía que seducir a Bond, pero de repente Peter Sellers le disparó en la cara con una bala de fogueo lo cual le causó algunas quemaduras y heridas. Por supuesto desde ese momento la actriz tenía miedo de rodar junto a Sellers.

Peter Sellers y Orson Welles se odiaban tanto que la escena en la que están sentados jugando en la misma mesa fue rodada en dos días diferentes con cada uno de ellos encarado a un doble.

Se nota mucho que no pudieron rodar todas las escenas necesarias con Peter Sellers, el mejor ejemplo lo tenemos cuando coge el coche de carreras para perseguir a Le Chiffre y de repente aparece sentado en una silla a punto de ser torturado. En mi opinión no debería ser tan difícil grabar una escena de persecución con un doble, más aún teniendo en cuenta que se pone incluso un casco antes de montarse en el coche.

Pero vamos, dado que esto es un despropósito monumental poco importa una escena absurda más o menos. Resulta incluso complicado tratar de seguir la historia a ratos.

Guess Who's Coming to Dinner (1967)

Aquí la titulamos "Adivina quién viene esta noche".

Joey Drayton ha llegado a San Francisco para visitar a sus padres Christina y Matt, pero no ha venido sola, con ella va su prometido el Dr.John Prentice a quien conoce desde hace apenas diez días.

Es una de esas películas de las que he oído hablar tanto que prácticamente me siento como si la hubiera visto.

Protagonizada por Spencer Tracy (Matt Drayton) quien murió durante la grabación, concretamente cuando faltaban 17 días para terminarla. Su penúltima película fue "It's a Mad Mad Mad Mad World" (1963).

También tenemos a Sidney Poitier (Dr.John Prentice), ese mismo año hizo "In the Heat of the Night" (1967), salió también en "The Jackal" (1997). Katharine Hepburn (Christina Drayton), conocida por "The African Queen" (1951). Y Katharine Houghton (Joey Drayton), quien debutó con esta película.

Katharine Houghton es la sobrina de Katharine Hepburn.

Debido al mal estado físico de Spencer Tracy decidieron escribir dos guiones, en uno de ellos su personaje moría. Tenían que hacer frecuentes pausas porque no podía seguir el ritmo de rodaje normal.

Tengo la impresión de que tratan el tema del racismo con mucha cautela. Si el matrimonio Drayton estuviesen en contra de los negros (o cualquier otra raza) se expresarían usando términos más directos, creo yo.

La frase sobre Martin Luther King fue cortada debido a su asesinato al poco de ser estrenada. Curiosamente en la copia que he visto la han incluido. De hecho hay un par más de escenas cortas extra aunque de esas no acabo de entender la razón por las que fueron cortadas.

Cuando empezaron a grabar la película el matrimonio entre caucásicos y afro-americanos estaba prohibido aún en 14 estados y no en 16 o 17 como dicen en la película. De hecho para cuando fue estrenada ya habían empezado a cambiar las cosas.

Es una temática que merecía una película ya que trata de algo que supuso un cambio significativo en los EEUU aunque el racismo siga latente al menos poco a poco han ido mejorando las cosas. También es verdad que en los últimos 50 años podrían haber habido muchos más avances en ese sentido, pero no se le puede pedir demasiado a un país lleno de descerebrados.

jueves, 5 de diciembre de 2019

Persona (1966)

Regresemos al cine de Bergman.

Una enfermera llamada Alma es la nueva encargada de cuidar a una actriz llamada Sra. Vogler quien de repente ha decidido dejar de hablar y moverse. Tras no ver ningún tipo de avance la doctora les envía a su casa de verano en la isla de Fårö.

Se barajaron los títulos "Sonat för två kvinnor" (Sonata para dos mujeres), "Ett stycke kinematografi" (Una pieza de cinematografía), "Opus 27" y "Kinematografi".

Ingmar Bergman escribió el guión mientras estaba en un hospital recuperándose de una neumonía. Se trata de la primera vez en la que en vez de terminarlo antes de empezar el rodaje lo fue desarrollando junto con la producción

Está compuesta por unos pocos planos amplios, unos pocos medios y muchos planos cercanos.

El reparto está compuesto sólo por Bibi Andersson (Sor Alma), Liv Ullmann (Elisabet Vogler), Margaretha Krook (La Doctora) y Gunnar Björnstrand (Sr. Vogler).

La película arranca con una serie de imágenes sin ningún sentido ni lógica, al más puro estilo experimental. Pronto llegamos a la parte narrativa donde el minimalismo es lo que prima centrándose especialmente en las dos protagonistas.

En Fårö vemos los raukar, una formación geológica en forma de pilares que se ha ido formando por el desgaste de las rocas sedimentarias.

No sabría decir la razón exacta pero es algo que he visto suceder en más de una ocasión. Cuando callas y dejas que otra persona hable termina por abrirse, a veces quizás demasiado. En la película lo plasman de una manera perfecta.

Pasados unos 45 minutos volvemos brevemente al estilo experimental del principio. Empieza cuando la cinta se rompe.

El final es diferente al del guión original donde un doctor indica que Elisabet ha vuelto a hablar, regresa con su familia y vuelve al mundo de la actuación mientras Alma se queda en la isla a punto de escribir una carta a Elisabet pero ve una fotografía del holocausto y lo deja estar.

En mi opinión debería considerarse como algo experimental. Juega con temas un tanto polémicos pero no creo que el director buscase esa reacción en el público, tengo la impresión de que lo más importante es la dualidad que presentan las dos protagonistas llegando incluso a confundirse quien es quien en un momento dado. Y la evolución de Alma quien a medida que pasa más tiempo con Elisabet va cayendo en un pozo cada vez más profundo.

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