The Stepford Wives (2004)

Aquí la titulamos "Las mujeres perfectas".

Joanna Eberhart, la presidente de una cadena televisiva sufre un shock nervioso y junto a su marido Walter se trasladan a vivir de Manhattan a una tranquila comunidad de vecinos en Stepfrod, Connecticut. Allí se hace amiga de Bobbie Markowitz, una ex-alcohólica y juntas descubren que las esposas de sus vecinos son demasiado perfectas.

Aunque es una adaptación de una novela con el mismo título, escrita en 1972 por Ira Levin, se la podría considerar un remake de "The Stepford Wives" (1975).

En el reparto principal tenemos a Nicole Kidman (Joanna Eberhart), Matthew Broderick (Walter Kresby), Bette Midler (Bobbie Markowitz), Jon Lovitz (Dave Markowitz), Glenn Close (Claire Wellington) y Christopher Walken (Mike Wellington).

Llama la atención también la cantante Faith Hill (Sarah Sunderson), es una de las dos películas donde ha aparecido, la otra fue "Dixieland" (2015).

El director Frank Oz no quedó nada satisfecho con el resultado porque no trató de seguir sus instintos. Cometió demasiados errores cuando se preocupó demasiado por lo que querían el estudio, los espectadores y los productores.

Hay una sutil referencia a "WarGames" (1983) cuando Matthew Broderick discute con Nicole Kidman. Concretamente las frases "no pueden seguir peleando por todo" y "game over" al referirse al fin del matrimonio.

Algunos de los cambios que hizo el director tras los pases de prueba demuestran que podría haber sido un poco mejor. Por ejemplo:
- Walter se planteaba si debía someter a su esposa al cambio y los otros maridos le convencían. En la película parece muy decidido.
- Joanna le clavaba un cuchillo de carnicero en el pecho a Bobbie al descubrir que la habían robotizado. Bobbie entonces se ponía a limpiar moviéndose como un dibujo animado, demostraba qué era un orgasmo para una esposa de Stepford culminando con una explosión en su cabeza. Finalmente Bobbie abría sus pechos y le ofrecía una cerveza a Joanna. Posiblemente hubiera sido lo mejor de la película.
- Cuando Walter se dedica a desactivar los chips descubría que en realidad los cerebros de las esposas habían sido trasplantados a cuerpos de robots. En la película da la impresión de que sean ellas con unos pocos chips y por eso al desactivarlos se vuelven normales, pero también parece que sean robots... con tantos cambios no queda demasiado claro.
- El beso de Glenn Close y la cabeza robótica provocaba que se moviera como un dibujo animado.

Salen otras escenas cortadas en el tráiler que le dan más sentido a las cosas. Creo que los cambios en esta ocasión fueron la peor decisión.

Y es que aunque no es una película mala se queda en un quiero y no puedo. Personalmente no me gustan muchas de las cosas que aparecen pero no la he encontrado aburrida.

Per qualche dollaro in più (1965)

Aquí la titulamos "La muerte tenía un precio".

Estamos en 1872. Dos cazarrecompensas van tras "El Indio", un peligroso pistolero que se dedica a aterrorizar junto con su banda. Su nuevo plan es atracar el banco de El Paso así que los cazarrecompensas deciden pactar para tenderles una trampa.

Con este título completo la conocida como "trilogía del dólar" de Sergio Leone que ya iba siendo hora.

La BSO está compuesta por Ennio Morricone. La curiosidad es que Leone le pidió que la tuviera lista antes de empezar el rodaje. Esto es porque le gustaba grabar con la música en vivo.

Protagonizada, de nuevo, por Clint Eastwood (Manco). Lee Van Cleef (Coronel Douglas Mortimer), su primer papel importante. Klaus Kinski (Juan Wild - El Jorobado), ese mismo año apareció en "Doctor Zhivago" (1965).

Aparte de Eastwood los actores que aparecen en las tres películas son Mario Brega (Nino), Benito Stefanelli (Luke "Hughie"), Aldo Sambrell (Cuchillo), Lorenzo Robledo (Tomaso) y Antonio Molino Rojo (Frisco). También Frank Brana aunque no recibió crédito.

La trilogía se caracteriza porque el personaje de Eastwood no tiene nombre e incluso algunos afirman que es el mismo por detalles como que usa el mismo poncho (literalmente). En realidad no tendría la más mínima relevancia de no ser porque hubo un conflicto con los productores de la primera película que reclamaron a Leone que no podía usar el mismo personaje, y por eso surgió lo de llamarle Manco.

Por cierto, el apodo de Manco proviene del hecho que sólo usa la mano izquierda (para pelear, disparar...). Así que técnicamente no es un nombre.

La ciudad de "El Paso" fue diseñada por Carlo Simi en Almería. Se trata del plató más grande que usó Sergio Leone hasta aquel momento. Posteriormente lo reusó para la película "Il buono, il brutto, il cattivo" (1966) para recrear varias ciudades usando diferentes partes. Hoy en día sigue en pie y es conocida como "Mini Hollywood".

Hollywood se había vuelto muy estricta en aquella época y habían ciertas cosas que no se podían mostrar en pantalla. Pero Sergio Leone usó varias de ellas debido a que ignoraba que estuvieran prohibidas. Por ejemplo mostrar al que dispara y su víctima en el mismo plano, disparar a un caballo, tomar marihuana o la escena de la violación.

En realidad Eastwood no tenía intención de volver a trabajar con Leone. De hecho ni siquiera había visto "Per un pugno di dollari" (1964) así que los creadores prepararon un pase en italiano (porque aún no había sido doblada al inglés) y la vio. Quedó tan impresionado que al terminar les llamó y les dijo que volvería a trabajar con el director.

Además Sergio Leone no quería hacer una secuela pero se vio forzado cuando la productora de la primera película se negó a pagarle hasta que la rodase.

Lee Van Cleef estaba pasando un mal momento en su carrera que le llevó al consumo de alcohol. En realidad Leone le llamó porque los otros tres actores a los que se lo pidió (Henry Fonda, Charles Bronson y Lee Marvin) rechazaron su oferta. Cuando aceptó el papel creía que sería un secundario más y se sorprendió al ver que era el coprotagonista.

El tal Indio tiene una política curiosa con sus hombres. En la parte final se pone a matarlos y me cuesta un poco seguir sus razonamientos. Pero vamos cumple con el tópico de que es tan malo que mata a los suyos.

Resulta gracioso que Lee llame a Clint "boy" y que el responda "old man" cuando apenas se llevan 5 años.

En fin, tal y como me esperaba no me ha defraudado. Veo claramente como algunas de las escenas fueron luego recreadas aunque de una manera muy diferente en la tercera película. Y no sabría decir a ciencia cierta si son los mismos personajes, el de Clint Eastwood quizás pero el de Lee Van Cleef seguro que no, o al menos no tiene sentido su relación de la manera en que terminan aquí.

Flashdance (1983)

Hora de menear el esqueleto.

Alex trabaja como soldadora aunque su pasión es el baile. Su jefe la ve bailar un día y se enamora de ella, pero Alex rechaza una y otra vez las ofertas que le hace de salir juntos a comer algo.

Basada en la historia real de Maureen Marder. La Paramount le pagó 2300 dólares por los derechos. En taquilla hicieron más de 150 millones.

Jennifer Beals puso de moda las camisas sin cuello debido a la que lleva en esta película. Aunque fue algo totalmente accidental. La camisa que se había traído para el rodaje encogió debido a un lavado y tuvo que cortar el cuello para que el entrase.

Entre los cambios que hicieron a medida que la rodaban está que Alex tenía como amigo a un hombre gay, lo desestimaron porque era una relación muy rara en aquel momento. También que Alex fue agredida sexualmente siendo niña, el guionista Joe Eszterhas se opuso por completo a la idea y la desecharon.

Se trata de la primera película que fue un éxito en buena parte gracias a la MTV. Cuando se dieron cuenta de que la BSO estaba siendo una de las más vendidas decidieron hacer un par de videoclips de las canciones "What a feeling" y "Maniac" que fueron emitidos durante meses y consiguieron atraer a mucho público joven.

Otra BSO compuesta por Giorgio Moroder. Desde que escuché el último disco de Daft Punk donde le dedican un tema no paro de encontrármelo en todo tipo de producciones ochenteras y he de decir que no me sorprende su fama, es realmente bueno.

Contiene muchas escenas de baile con diferentes estilos musicales. Incluso un par de patinaje sobre hielo y un ballet. Se dice pronto.

Su escena más icónica sucede nada más empezar. La del baile de la chica que se sienta en una silla y tira de una cadena que le arroja un chorro de agua por encima. Otra escena muy famosa es la de la audición que tiene lugar en la parte final.

La historia en sí es la típica de persecución de las metas personales y de relaciones de pareja con todas las complicaciones que conllevan, que no son pocas.

Por lo demás creo que la parte más interesante son los bailes y las canciones. Me ha hecho gracia una escena en la que las dos amigas se paran en la calle a mirar como unos se ponen a bailar breakdance, especialmente porque la música que suena no es lo que están bailando.

Fire and Ice (1983)

Aquí la titulamos "Tygra: Hielo y fuego".

En el mundo prehistórico los hombres se dividen entre los que luchan del lado de Nekron y su castillo de hielo y los que lo hacen del Rey Jarol y su castillo de fuego.

Aunque se trata de una película de animación usaron actores reales que fueron grabados en blanco y negro y luego animados usando la técnica del rotoscopio.

Fueron creadas más de 1000 pinturas para los fondos, osea unas 8-10 al día. Uno de los artistas fue Thomas Kinkade, aunque se basaron en las instrucciones que les dio Frank Frazetta.

Los del fuego usan pterodáctilos aunque los llaman "dragon hawks".

Tygra, la hija del Rey Jarol es secuestrada aunque pronto consigue zafarse de sus captores. Lo llamativo es que va en una especie de bikini, el atuendo ideal para moverse por una jungla llena de bestias salvajes. Claro que los hombres van todos en taparrabos, no sé qué es peor.

Algunos personajes aparecen fugazmente, como por ejemplo una bruja que vive en el bosque.

El tal Nekron es demasiado poderoso y aún así no parece tener muy claras sus ambiciones. O al menos no parece querer nada más que matar a todos los que le viene en gana, que no son pocos.

La animación con rotoscopio que había visto hasta el momento era bastante sencilla y se notaba mucho que era un dibujo sobre una persona real. En esta ocasión está muy lograda, según he entendido es porque insertaban fotogramas animados, o algo así.

Por otra parte tenemos la historia, una guerra abierta entre unos bárbaros que sólo quieren asesinar y lo que podríamos considerar hombres primitivos dotados de cierta inteligencia.

Desconocía este título por completo y, de hecho, ni siquiera era consciente de que se trataba de una película de animación. Al final ha sido una experiencia agradable y sorprendentemente de calidad.

Tau (2018)

Pasemos a algo de ciencia ficción.

Una mujer es secuestrada por un científico que se dedica a torturarla para un experimento. Está encerrada en una jaula junto a otras dos personas y llevan puesto un bozal. Pero ella es una ladrona experta e ingenia un plan de huida a la mínima ocasión, aunque no le será nada fácil salir del lugar donde se encuentran.

La película la he elegido al azar navegando por Netflix y lo cierto es que no está nada mal.

Dejando a un lado que lo de que el tal Alex vive en una casa controlada por una IA superavanzada asesina ya lo habíamos visto en "Demon Seed" (1977), la película en sí trata sobre la relación entre la chica y la máquina, y precisamente esa parte es lo mejor.

El reparto está encabezado por Maika Monroe (Julia), salió en "The 5th Wave" (2016). Y Ed Skrein (Alex) a quien hemos visto en "Alita: Battle Angel" (2019) y en "Deadpool" (2016). Aunque destaca especialmente Gary Oldman como la voz de Tau.

El nombre de Tau es probablemente el acrónimo del nombre completo de Alex, se ve en algunos planos donde muestran portadas de revistas donde aparece, es Thomas Alexander Upton.

Es una historia bastante simple que se desarrolla en un espacio cerrado en casi todo momento y aún así comprobamos lo mucho que puede dar de sí un escenario bien usado. Además el ambiente de claustrofobia es total pues la casa no dispone de ventanas y la única puerta que tiene no vemos a donde lleva.

Por otra parte Alex es un auténtico psicópata. Carece de empatía y aunque sus experimentos son para "el bien de la humanidad" la manera de obtener resultados es cruel e innecesariamente dolorosa. Lo digo porque eventualmente descubre que a base de unos simples tests puede obtener mejores resultados, aunque ni eso hace que despierte en él el más mínimo signo de alegría.

Aunque aquí el personaje interesante es Julia quien consigue doblegar a la máquina asesina a base de intentar entablar una serie de charlas y pese a ser la típica ignorante media consigue conquistarle a base de conocimientos que obtiene en la librería de la casa.

Me ha gustado, especialmente las diferentes maneras en las que trata de escapar Julia y sus fatales consecuencias. Además llegado un cierto punto se le coge cierto cariño a Tau.

Farinelli (1994)

También conocida como "Farinelli: Il Castrato".

Carlo "Farinelli" Broschi es un castrado y un cantante excepcional. Él y su hermano Riccardo, un compositor, tratan de triunfar en el mundo del canto. Sin embargo su relación se irá deteriorando con el paso del tiempo hasta terminar por separarse.

Para crear el sonido de la voz de Farinelli cuando canta combinaron las voces de un hombre y una mujer. Más concretamente las del británico Derek Lee Ragin (un contratenor) y la polaca Ewa Malas-Godlewska (una mezzo-soprano).

La película empieza con el suicidio de un castrato. Es la forma perfecta de ejemplificar lo jodido que lo tenían en aquel momento, básicamente si eras uno de los elegidos ya podías despedirte de tus gónadas.

Claro que al protagonista eso le supuso una voz única que le hizo famoso en toda Europa y no tuvo demasiados problemas a la hora de satisfacer a las mujeres con quienes yacía.

Aunque está basada en hechos reales se aleja bastante de lo que sucedió. Tanto la relación de los hermanos como la manera en la que usaban su sexualidad, la rivalidad con Handel y su fama al más puro estilo estrella de rock son datos totalmente espurios.

Por supuesto lo que más destaca es su apartado musical cargado de temas operísticos, aunque he de decir que sólo he reconocido uno de Handel. Por sorprendente que parezca no es un estilo por el que sienta predilección.

Por otra parte es llamativo ver una película tan rica en idiomas. Aunque principalmente hablan en francés también hacen acto de presencia el inglés, el italiano y el español (este muy poco).

Creo que es una película que deberían ver los estudiantes de música. Más allá de la historia dramática del protagonista el proceso creativo de los compositores y sus disputas (aunque no fuesen así en la vida real) son de lo más interesantes.

Taking Lives (2004)

Aquí la titulamos "Vidas Ajenas".

Un asesino en serie anda suelto y por ello la policía de una localidad de Canadá decide pedir ayuda a una agente del FBI. Eventualmente descubren que el modus operandi del sujeto es que se hace pasar por sus víctimas una vez las mata y sospechan que se encuentra cerca.

Basada en la novela homónima de Michael Pye publicada en 1999. Aunque tiene más diferencias que semejanzas.

En el reparto tenemos a Angelina Jolie (Illeana Scott), ese mismo año salió en "Sky Captain and the World of Tomorrow" (2004). Ethan Hawke (Costa), conocido por "Training Day" (2001). Kiefer Sutherland (Hart), su papel es bastante pequeño. Gena Rowlands (Sra. Asher), salió en "The Skeleton Key" (2005).

Es la primera vez que la veo y aún así sólo me ha sorprendido la aparición de Kiefer Shuterland, aparte su personaje no acaba de encajar en la trama hasta que explican quien es.

Y es que todo es muy básico, aunque no me malinterpretéis, la premisa está muy bien y tiene mucho potencial pero es que se parece tanto a otras películas de asesinos en serie que casi puedes anticipar cada escena clave. De hecho salvo la de la cama en el sótano yo las he anticipado todas (incluso la del hospital), porque era la única manera que tuviera algo de sentido.

Lo que me ha resultado más curioso es que Angelina muestre sus pechos en un momento dado. No parece una película de gran presupuesto y dudo mucho que fuese un éxito en su día con lo cual no acabo de ver qué la motivaría.

El arranque es la mejor parte, al menos ahí no logré anticipar qué sucedería porque aún no sabía nada de la trama (es lo bueno de no mirar el tráiler antes de ver una película y en este caso en particular aún más pues te cuentan demasiado, en mi opinión).

Creo que algunas cosas que mencionan a lo largo de la película hubieran ayudado a mejorarla. Por ejemplo la madre dice que Martin tiene un tick en el que se toca la oreja, salvo por la parte del tren creo que el personaje no lo hace en ningún momento (o no se aprecia), también dice que lleva gafas, sin embargo no le vemos con ellas casi nunca (aunque eso hubiera sido demasiado revelador). O lo de los muñequitos que encuentra la detective, que luego no lo usan.

En fin, no es lo mejor que ha hecho la Jolie pero tampoco es horrible. Para pasar el rato y poco más.

Plan de fuga (2016)

Hey, una española.

Un experto en perforaciones es reclutado por unos rusos para un atraco, pero primero tendrá que hacerles una demostración de sus aptitudes, la cual pasa sobradamente. Mientras tanto la policía está al acecho de la banda, esperando a que cometan un error para atraparles.

Es una película cargada de elementos típicos de películas hollywoodienses, como los rusos malos o el poli y su complicada relación con su esposa. Sin embargo de la manera en la que se desarrolla la historia es algo totalmente diferente.

De hecho incluso hacen acto de aparición los de asuntos internos, en una parte bastante cargada de tópicos como la eventual suspensión del policía al que investigan sin demasiados motivos en realidad.

En el reparto destacan los nombres de Alain Hernández (Víctor), salió también en "El fotógrafo de Mathausen" (2018). Javier Gutiérrez (Rápido), conocido por "La isla mínima" (2014). Y Luis Tosar (Teniente), famoso por "Celda 211" (2009).

El principal problema que le veo es que intentan jugar un poco con el hecho de que Víctor es un ladrón, pero demasiadas cosas patinan en lo poco que nos muestran del personaje en los primeros minutos y además el arranque de la película anticipa demasiadas cosas.

Pero en líneas generales no es una mala película. De hecho me ha gustado mucho las partes de la no-redada en el puticlub y especialmente la del robo en la que vemos como la sutilidad y simpleza de un plan a veces son más que suficientes para entrar en la caja acorazada más segura.

Por ello la considero una película bastante interesante, más tratándose de una producción española. A veces hacemos las cosas bien.

Fando y Lis (1968)

Es surrealismo puro. Por ello resulta muy difícil hacer una apreciación o resumen sobre lo que está sucediendo.

Aunque empieza hablando de la ciudad de Tar, la cual es descrita como la única que no fue destruida en la gran guerra.

Dirigida por el único e inigualable Alejandro Jodorowsky. También suyas son "El Topo" (1970) y "Santa Sangre" (1989).

Cuando fue estrenada en el Festival de Acapulco en 1968 el primer pase terminó en disturbios y el director tuvo que salir a escondidas por la parte trasera donde le esperaba una limusina, pero le reconocieron y empezaron a tirarle piedras.

A la semana siguiente la estrenaron en México llenando el cine pero de nuevo volvieron a haber peleas entre el público asistente y el gobierno mexicano terminó por prohibir la película. Jodorowsky estuvo a punto de ser deportado.

Prácticamente todos están doblados. Intuyo que es debido a que no pudieron usar el sonido en vivo debido a que son exteriores en buena parte.

Entre las múltiples cosas que suceden tenemos a una banda de jazz tocando en medio de la nada cuyo piano está en llamas, también hay gente que baila a su alrededor.

Me imagino que parte de la polémica vino por la parte donde suena la canción "qué bonito es un entierro" donde los protagonistas hacen tonterías sobre unas tumbas. O cuando una mujer mayor se besa con un joven. O cuando salen los travestís. Incluso para los locos años 60 debieron ser cosas a las que no estaban acostumbrados.

Aparecen algunos desnudos, de hecho hay una escena en la que vemos a bastantes personas en cueros rebozándose en barro.

Como es habitual en las obras de Jodorowsky busca el impacto visual por encima de la narración per se. De hecho aún no tengo claro de qué va la película más allá de la extraña relación que hay entre los dos protagonistas.

En fin, tanto como para provocar peleas no sabría decir pero desde luego no es una película fácil de ver ni es accesible para todos los públicos. No digo que no me guste pero prefiero las metáforas visuales de "The Holy Mountain" (1973), por ejemplo. Pero bueno, es una película en la que el director ya empezó a mostrar su estilo tan particular.

The Pacifier (2005)

Aquí la titulamos "Un canguro superduro". El título original se traduce como "El chupete".

Shane Wolfe es un Navy Seal a quien asignan la misión de proteger a los hijos de los Plummer. Tras la muerte del padre, un científico, sus secretos quedaron ocultos en su casa y Shane tendrá que evitar que unos espías internacionales se hagan con ellos.

Protagonizada por Vin Diesel (Shane Wolfe) quien tras hacer "The Chronicles of Riddick" (2004) y "A Man Apart" (2003) creyó que sería una gran idea copiar a Arnold Schwarzenegger en "Kindergarten Cop" (1990) y enfrentarse a un grupo de niños.

Originalmente iba a estar protagonizada por Jackie Chan (lo cual explica muchas cosas). De hecho los actores que hacen de ninjas pertenecen al grupo de especialistas de Jackie.

De hecho Jackie es la razón por la que los Plummer tienen un pato como mascota. En un momento dado él iba a tratar de cocinarlo y los niños se espantaban con la idea y eventualmente se convertiría en su mascota. Al quitar ese "chiste" lo tuvieron que reconvertir en el "perro guardián" de la familia, cosa que no tiene ningún sentido.

Para la escena en la que el pato muerde la oreja de Vin usaron un láser rojo.

Cuando Lulu le dice a Shane que le parece mono y él se ruboriza respondiendo "gracias" fue algo improvisado por la pequeña. Al director le hizo gracia y decidió dejarlo.

En la parte final la escena en la que el bebé se queda dormido les costó 4 horas de grabación mientras esperaban a que sucediera.

Sin haberla visto se intuye bastante pronto qué está sucediendo si te fijas un poco. Salvo por un personaje, que es el giro final, lo demás sólo puede tener una explicación.

En fin, muy Disney todo, quizás demasiado. Con Jackie Chan hubiera quedado prácticamente igual, sólo que más graciosa, pero vamos para el tipo de película que es tampoco se le puede exigir demasiado.