Barry Lyndon (1975)

Y otro título relevante más.

Barry Lyndon ha crecido en la casa de su tío y allí se enamoró de su prima Nora y por ello decide batirse en duelo con el primer pretendiente que tiene, un capitán. Tras ello huye a Dublín para que no le apresen. Sin embargo tras perder todas sus posesiones en un atraco se ve obligado a ingresar en el ejército. Allí se encuentra con un tipo que conocía al que le disparó y le cuenta que no sólo no murió sino que se casó con su prima.

Es la única película de Stanley Kubrick (de sus más conocidas) que nunca he llegado a ver, así que habrá que solucionarlo. Tras ella me quedarán sólo sus tres primeros trabajos, titulados "The Killing" (1956), "Killer's Kiss" (1955) y "Fear and Desire" (1953), pero eso será para más adelante.

Muchos planos tratan de emular pinturas del siglo XVIII, especialmente de Thomas Gainsborough.

Usaron una cámara que tiene el récord de mayor apertura para poder rodar las escenas iluminadas con velas (las cuales eran especiales, se consumían muy rápido pero hacían más luz de lo normal). De hecho hay un mito sobre esta película según el cual no usaron luz artificial en ninguna escena, pero es falso.

Hay más leyendas, como por ejemplo la de que sólo usaron ropa echa en la época en la que transcurre la historia. Lo cierto es que sí compraron algunas ropas antiguas pero también fabricaron otras para que se pareciesen más a las que se ven en los cuadros que mencioné antes.

O que aunque originalmente tenía en mente rodar una película sobre Napoleón, el hecho de que "Waterloo" (1970) fuese un fracaso no le condicionó para abandonar dicha idea. La verdad es que me hubiera gustado ver una versión de la vida de Napoleón plasmada por Kubrick para poder compararla con la de Abel Gance.

Lo que sí es cierto es que Kubrick hizo repitir a los actores algunas escenas decenas de veces, como era su costumbre, para encontrar diferentes matices.

Está dividida en dos partes más un epílogo, debido a su larga duración.

La película arranca con una escena de un duelo a muerte con pistolas y por algún motivo nunca los había asociado a los del salvaje oeste.

Lo siguiente que vemos es al protagonista mostrándonos el dicho popular "cuanto más primo más me arrimo".

En la escena de la pelea vemos como el protagonista finta y se mueve muy bien. El actor no tuvo que entrenar pues había practicado boxeo previamente.

El primero entrentamiento armado resulta un tanto estúpido. Los soldados ingleses marchan hacia sus rivales quienes no cesan de dispararles.

Tiene un intermedio a la hora y 40 minutos, poco más o menos. Tras ello pasamos a la segunda parte.

Un detalle peculiar es que no nos cuentan toda la historia porque hay partes en las que no se saben a ciencia cierta qué sucedió. Me hace gracia en cierta manera, debido a ello no sabemos cómo terminó el protagonista aunque nos dan una vaga idea.

Es una película que si conoces un poco más sobre los detalles de su grabación creo que la disfrutas más. He visto varios detalles que han sido repetidos en títulos posteriores y por ello no me ha sorprendido en exceso lo que es la trama en sí, pero visualmente hablando se nota que han cuidado mucho los detalles, en varios momentos parece que estemos viendo cuadros que han cobrado vida, es fascinante.

Además Kubrick echa mano en varias ocasiones de un recurso que hace que parezca un cuadro, el de empezar encuadrando un detalle y poco a poco ir alejando la cámara mientras los personajes apenas se mueven.

Definitivamente me tengo que animar a ver el resto de sus títulos, por mera curiosidad.

Chinatown (1974)

Otro clásico más.

Jake J. Gittes es un investigador privado. Ha recibido el encargo de averiguar si el esposo de una mujer está viéndose con otra pero en mitad de la investigación aparece la verdadera esposa, cosa que le trastoca bastante, más aún cuando aparece el cadáver del esposo.

Dirigida por Roman Polanski. Hace un pequeño papel como "el hombre con un cuchillo", me acabo de dar cuenta que tien gracia decirlo así porque no es demasiado alto.

El reparto está encabezado por Jack Nicholson (J.J. Gittes), es considerado como su mejor papel, en mi opinión encaja perfectamente en él, pero no creo que haya que desmerece el resto que ha interpretado. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray), poco después saldría en "Network" (1976), su película más destacable. John Huston (Noah Cross), al año siguiente rodaría "The Man Who Would Be King" (1975). John Hillerman (Yelburton), conocido por "Magnum, P.I.". James Hong (el mayordomo), conocido por "Big Trouble in Little China" (1986). Y Burt Young (Curly), conocido por la saga "Rocky" (1976).

La escena en la que Nicholson abofetea repetidamente a Dunaway tuvo que ser repetida en varias ocasiones, finalmente ella, cansada, le dijo que le golpease realmente, cosa que hizo. Él se sintió culpable por ello, pero es la toma que dejaron en la película.

Originalmente el guión tenía las frases de la voz en off del protagonista pero Polanski las eliminó para que la audiencia descubriese cada pista a medida que lo hiciera el detective.

La Chinatown original de Los Angeles estuvo desde el año 1933 a 1936 cuando fue demolida. En 1938 crearon una nueva, a unos pocos bloques de distancia. Con lo cual hubo un espacio de tiempo en el que no existía, se supone que es cuando transcurre la película, pero eso no tiene demasiado sentido viendo su final.

No tiene una secuela per se, pero sí hubo una segunda película basada en el mismo personaje titulada "The Two Jakes" (1990), dirigida por Jack Nicholson, y había pensada una tercera cuya historia terminó siendo parte de "Who Framed Roger Rabbit" (1988).

De hecho la escena con la que arranca es una de las que homenajean en la película del conejo, concretamente cuando se pone a mirar las fotos de Jessica haciendo manitas.

Pero pero pero... ¿qué es ese final? no me esperaba para nada. Menuda brutalidad. No voy a contar nada porque recomiendo mucho que la veáis.

Por cierto, es cierto que Jack Nicholson aparece en todas las escenas de la película.

Entraría dentro del género detectivesco y no se deja ninguno de los tópicos, salvo como mencioné antes lo de la voz en off. Y personalmente lo agradezco, la eché de menos pero eso hace que te inmersas más en lo que va sucediendo y trates de encontrar las pistas. Dicho lo cual hay un par de cosas que parece que el protagonista se las saque de la manga, como lo de la residencia de ancianos, pero bueno.

Es una de esas películas que no sabía muy bien por donde iban a ir los tiros y lo cierto es que si lees sobre los temas que hablan (como lo de la presa que se rompió y mató a 400 personas) resulta fascinante.

Ultimo tango a Parigi (1972)

Otra película polémica.

Jeanne es una joven que busca alquilar un piso en París. En el primero que visita se encuentra con Paul y acaban practicando el sexo. Desde entonces usan el piso para encontrarse, aunque sin intercambiar sus nombres. Él huye de su tristeza tras haber perdido a su esposa, ella tiene pareja y están grabando un documental sobre la infancia de ella.

Dirigida por Bernardo Bertolucci. De él he visto "Novecento" (1976), "The Last Emperor" (1987) y "Little Buddha" (1993). Era lógico que lo siguiente fuese uno de sus títulos más conocidos.

Protagonizada por Marlon Brando (Paul) y Maria Schneider (Jeanne). Según ambos al rodarla "se sintieron violados por el director" y por ello no volvieron a dirigirle la palabra. Claro que años más tarde Brando dijo en su autobiografía que Bertolucci fue uno de los mejores directores con los que había trabajado.

Y en realidad tiene bastante sentido (al menos por parte de la actriz) que le acusasen de conducta poco decorosa pues la escena en la que Paul usa mantequilla para lubricar a Jeanne fue improvisada por Brando y luego defendida por el director aludiendo que quería captar la reacción real de ella como mujer y no la del personaje. Ella posteriormente confesó que las lágrimas fueron reales, lo cual cobra mucho más sentido si tenemos en cuenta que era virgen cuando rodó la película. Tuvo que ser una experiencia traumante.

Brando ponía cintas con frases escritas en el cuerpo de la actriz por su dislexia, aparte que se le olvidaban. Además improvisó bastante porque no le gustaban algunas de las cosas que decía su personaje originalmente.

Marlon Brando desmintió que se negase a mostrar su desnudo frontal porque "su pene se había encogido como una nuez en el plató".

Fue prohibida en Chile durante 30 años y en Italia hasta 1987. En España también fue prohibida, eso hizo que la ciudad de Perpiñán fuera invadida por curiosos españoles que querían verla (fue bastante sonado en su momento).

La versión original duraba más de 4 horas, la que voy a ver yo dura 2.

La famosa escena de la mantequilla no me ha parecido nada del otro mundo, aunque en parte es porque mientras veía esta película no podía dejar de pensar en lo mucho que se parece a "9½ Weeks" (1986).

Sin embargo sí hay una parte que me ha resultado la mar de peculiar, cuando él le dice "quiero que te folles un cerdo y que te vomite y te lo tragues" y ella dice "sí, sí" mientras le mete los dedos por el culo a él.

En esencia es un encuentro sexual que sucede casualmente y que se convierte en algo habitual entre ambos, independientemente de lo que les sucede en su vida. Es su escape, su manera de desconectar y de estar alejados de todos y de todo. Su secreto, su forma de vivir una fantasía y llevarla hasta puntos que jamás harían con otra persona.

Entiendo hasta un cierto punto que causase polémica en su momento, pero creo que han habido directores posteriormente que han ido bastante más allá. Sin pensar demasiado me viene a la mente Lars von Trier.

The Last House on the Left (1972)

Aquí la titulamos "La última casa a la izquierda".

Mari Collingwood es una chica muy popular que tiene sólo 17 años.ella y su amiga Phyllis Stone van a un concierto. Antes de entrar deciden comprar algo de hierba pero el tipo que se la quiere vender las lleva a su casa y allí caen en manos de un grupo de delincuentes recién fugados de la cárcel. Al día siguiente las meten en su coche y se las llevan pero se quedan tirados y las llevan a un bosque cercano.

Una de las primeras cosas que he descubierto es que se trata de un remake de "The Virgin Spring" (1960), de Ingmar Bergman. Así que me la apunto para ver más adelante.

El debut en la silla de director de Wes Craven. Cuando fue a que la valorasen la MPAA le quiso poner una calificación X, así que quitó parte del metraje y volvió y de nuevo le pusieron una X. Así que cogió, volver a poner el metraje original y fue a un amigo suyo que formaba parte del comité y le puso una R, que era lo que él quería.

Además fue una colaboración son Sean S.Cunningham, quien aún no era conocido.

Curiosamente originalmente fue planteada como una película pornográfica y de hecho los actores estaban dispuestos a ello, pero luego el director cambió de idea cuando un actor le convenció. En aquella época Craven se dedicaba únicamente a la edición de películas pornográficas y poco tiempo después dirigió una titulada "The Fireworks Woman" (1975).

Era habitual que en los cines cortasen escenas, así que Craven terminó estableciendo una oficina especial dedicada a restaurar las copias.

Cuando fue estrenada en vídeo agregaron un texto al final en el que decían que habría una secuela dirigida por Danny Steinmann, pero nunca la hicieron.

Del reparto destaca el nombre de Martin Kove (oficial de policía), salió en "The Karate Kid" (1984) y "Death Race 2000" (1975). Las dos actrices que interpretan a las protagonistas hicieron películas porno poco después.

Lo primero que me llama la atención al verla es la manera tan casual con la que se toman cosas como las violaciones y asesinatos al oír hablar de ello por la radio o al leer el periódico. De hecho describen a uno de los tipos como un violador de niñas como si fuera lo más normal.

Sabiendo que originalmente era una porno se nota bastante que algunas escenas eran el preludio de sexo. Un gran ejemplo es la parte de los padres preparando la tarta de cumpleaños.

No queda muy claro si Phyllis se mea realmente o si fue un efecto especial porque hay dos versiones de la historia. Personalmente apostaría por la de los efectos especiales.

Hay que ponerse en situación para entender por qué causó tanta polémica en su día. Hay un par de escenas bastante fuertes en las que llegamos a ver como le sacan las tripas a una de las chicas o la manera en la que asesinan salvajemente.

De todo lo que sucede lo más absurdo es la inutilidad de la pareja de policías. Exagerada es poco decir.

Además está grabada de una manera muy cruda, con algunas posiciones de cámara un tanto peculiares.

Tras verla tengo claro que fue la inspiración principal de "Day of the Woman" (1978) y con la parte de la motosierra también me viene a la mente la saga "The Evil Dead" (1981). Tiene también cierto aroma a John Waters.

Pero bueno, fue solo un paso más en las películas slasher/gore que empezaron a aparecer pocos años más tarde, uno de los más importantes sin duda.

Ben (1972)

Nada que ver con Kenobi.

La policía encuentra el cadáver de Willard en su ático, pero no ven ninguna rata. Esto es porque Ben las tiene controladas mientras observa lo que sucede. Pero se ve obligada a actuar cuando un policía encuentra uno de sus escondrijos y entonces el inspector jefe ordena que fumiguen la casa. Ellas escapan y van a la casa de un niño llamado Danny.

En cierta manera me quedé con ganas de echarle un ojo cuando vi "Willard" (1971), la primera parte, pero lo dejé estar en su momento y sólo la dejé apuntada para más adelante. Me alegro de haber dado con ella, además he dado con una edición sin censura.

Empecemos por el significativo detalle de que el tema musical lo puso Michael Jackson. De hecho fue un éxito en su momento.

En la primera película usaron unas 500 ratas entrenadas, en esta 4000. Tenían intención de hacer una tercera película con 10.000 ratas, pero nunca llegó a suceder.

La historia es completamente nueva, a diferencia de la primera parte que estaba basada en una novela.

Durante los créditos de inicio vemos el final de la primera película, pero no oímos el sonido original sino una canción. En dichas imágenes vemos como Ben y sus ratas matan a Willard.

Muestran varias veces escenas de personas mirando con miedo hacia los diferentes lugares en los que van sucediendo los asesinatos de las ratas. Es un poco el sentimiento que quieren transmitir a los espectadores. Y si las ratas te provocan alguna aversión creo que lo lograrán si la ves.

No sabría asegurar con certeza qué escenas fueron cortadas pero tengo la impresión de que una fue la de las ratas colándose en un supermercado para comer.

El trabajo policial es constante pero no parece ser eficaz, de hecho tengo la impresión de que no capturan una sola rata a pesar de todo el veneno y trampas que ponen en el vecindario.

Danny tiene un póster que pone Tomorrowland en su habitación. No sabía que le gustase tanto la música electrónica. Porque dudo mucho que sea por Disneyland, no tendría ningún sentido.

Es una película que ha sido influencia de títulos posteriores, no me cabe la menor duda. Aquello del niño que se hace amigo del "bicho" y que se preocupa más por él que por el resto de personas. También lo de que es débil, o está enfermo, y por ello se refugia en su mundo sin apenas tener contacto con los demás.

Me ha gustado. Ahora me queda por ver el remake de la primera película, pero eso lo dejo para más adelante.

Wake In Fright (1971)

También conocida como "Outback". Aquí la titulamos "Despertar en el infierno".

Estamos en Tiboonda. John Grant es el profesor del colegio se dispone a viajar a Sidney para visitar a su novia durante 6 semanas. Primero toma un tren a un pueblo llamado Bundanyabba donde ha de pasar una noche antes de continuar.

Durante muchos años estuvo perdida debido a que las dos compañías productoras se disolvieron tras el fracaso que supuso su estreno. En 1999 la CBS compró lo que habían dejado pero hasta el 2002 no dieron con una copia parcial de la película cuando estaba a punto de ser destruida. En el 2004 encontraron una íntegra (con algunos de los negativos originales) que es la que restauraron digitalmente.

Aparte en el 2017 hicieron un remake en forma de miniserie para televisión titulado "Wake in fright".

Dirigida por Ted Kotcheff. Es el mismo que ha dirigido tanto "First Blood" (1982) como "Weekend at Bernie's" (1989), cosa que me rompe un poco la mente.

El actor Chips Rafferty (Jock Crawford) exigió que le pusieran pintas de cerveza real en las escenas del bar. Llegó a beberse unas 30 por día.

Según que versión veas tiene un mensaje de advertencia ligeramente diferente. En la australiana decía que las escenas de caza de los canguros son reales y que fueron grabadas por unos profesionales. En la estadounidense incluían el detalle de que no fueron grabadas adrede para la película.

Los billetes falsos estaban tan bien hechos que dos extras intentaron pagar con ellos pero terminaron arrestados.

Al principio Charlie, el barman, menciona a Ned Kelly, de quien ya he visto una película. Concretamente "The Story of the Kelly Gang" (1906).

En las películas australianas una de las cosas que siempre me gusta ver son los paisajes y esta no es una excepción. Vemos amplias zonas de terreno despejadas.

Alguien se ha molestado en contar cuantas veces vemos a alguien bebiendo cerveza o whiskey. Son 107 en total.

El "ritual" de bajar las luces y quedarse en silencio en un momento dado en los bares australianos se sigue haciendo hoy en día. Es para recordar a los caídos.

Donald Pleasence (Doc Tydon) hace su primera aparición a los 24 minutos. Es un actor conocido por la saga "Halloween" (1978), ha salido en "You Only Live Twice" (1967), "The Great Escape" (1963) y "Nosferatu a Venezia" (1988).

La constante en esta película es que todos hacen beber cerveza al protagonista.

En la parte de la caza nocturna de canguros vemos bastantes detalles interesantes. Como las "peleas" con los animales una vez están heridos. O como el protagonista pasa definitivamente a formar parte del grupo (o del pueblo).

Es un lugar en el que uno podría esta viviendo eternamente a base de beber cerveza, cazar canguros y acostarse con alguna de las mujeres de forma casual, sin compromisos. Sin embargo el protagonista prefiere volver a su rutina.

Había leído que es una película demasiado realista, yo en cambio lo veo como algo utópico. Por ejemplo no tiene sentido que dispongan de tanto dinero como para poder pagar la cantidad de cerveza que llegan a beber sin pegar un palo al agua.

The Zodiac Killer (1971)

Otra película sobre uno de los asesinos en serie más famosos de la historia.

Jerry trabaja como cartero y en su tiempo libre se dedica a cuidar conejos, en realidad se trata del asesino conocido como Zodiac, pero nadie sospecha sobre él. Porque el principal sospechoso para la policía es Grover, un camionero con problemas maritales que trata de ligar con mujeres usando un peluquín. Y parece que tienen razón pues en un momento dado decide gritar que él es el asesino, justo antes de ser abatido, pero entonces el verdadero asesino se pone en contacto con la policía.

Aunque de todas esta es la más importante pues fue grabada cuando Zodiac seguía en activo.

El director Tom Hanson aparece interpretando a Paul. Es una de las dos películas que dirigió, la otra se titula "A Ton of Grass Goes to Pot" (1972).

En el estreno de la película el director tenía intención de hacer que el verdadero asesino acudiera y atraparlo analizando la escritura de los que allí acudían. Para ello hizo un concurso, promocionado por Kawasaki, en el que darían una moto al ganador de los que respondieran unas tarjetas que decía "creo que Zodiac asesina porque...". Evidentemente era un montaje, de hecho la moto se la llevó un amigo del director. No consiguió su objetivo, aunque hubo un tipo que se parecía mucho a los retratos robot que se tenían del asesino.

Hay un montón de teorías sobre la identidad del asesino, a cuál más rocambolesca. Por ejemplo hay una que afirma que es el actor que lo interpreta en esta película.

La película arranca con dos de sus asesinatos más famosos, el de la mujer que iba andando por la calle y el del taxista.

La parte del ex-marido con la hija que terminan tiroteándole está basado en hechos reales.

No deja de ser gracioso que el asesino de esta versión sea un amante de los animales y que haga rituales que casi podríamos definir como satánicos en los que dice cosas como que Atlantis ha de resurgir de nuevo.

A diferencia de la versión de David Fincher aquí le vemos cometer numerosos asesinatos. Esto es porque en dicha versión se basaron sólo en los que fueron verificados, en su momento se le atribuyeron muchos más.

Esta película retrata al asesino como alguien sin motivos que escoge a sus víctimas aleatoriamente. Su única razón para hacer lo que hace es porque puede. Además no tiene ninguna preferencia respecto a la edad o el sexo, mata tanto a jóvenes como mayores bien sean hombres o mujeres. Ni tampoco un método favorito, le vemos golpear a algunos hasta la muerte, dispararlos varias veces (o sólo una si está acertado), usar lo primero que pilla (como una rueda de recambio)... Y lo hace a cualquier hora, da igual si es de día o de noche. En mi opinión son demasiadas variantes.

Por otra parte es un tipo muy social, tiene amigos y va de vez en cuando a beber a un bar donde le conocen. Incluso le vemos ligar con chicas e ir a visitar a su padre al hospital.

Me gusta porque retrata la manera de pensar que podría tener una persona que no tiene ni idea sobre asesinos en serie y ya que es una película que toca el tema tan temprano no se la puede achacar como un error, más bien lo contrario.

Patton (1970)

Hora de un clasicazo del género bélico.

Tras sufrir una derrota en Túnez contra el ejército alemán los estadounidenses deciden recurrir a su mejor experto en tanques, George S. Patton, para preparar a sus hombres. Su rival será Rommel, quien apenas le conoce.

Quizás llegue a sorprender pero es una de esas películas que nunca he tenido la oportunidad de ver. Y no será por lo bien que he oído hablar de ella, simplemente no se ha dado la ocasión. Por eso le tengo muchas ganas, aunque apenas sé nada de ella a priori en realidad.

Dirigida por Franklin J. Schaffner aunque se basó en un guión que co-escribió Francis Ford Coppola (el cual quiso dirigirla en 1966 pero la Fox se negó, objetando especialmente en el discurso inicial). En todo caso es el mismo que hizo "Planet of the Apes" (1968), "Papillon" (1973) y "The Boys from Brazil" (1978).

La expresión "Ten-hut!" con la que se inicia la película (no hay ni siquiera logos de inicio ni nada) es bien conocida. Su origen es bastante simple, es una abreviación de la palabra "attention", la cual se pronuncia también como "ten-shun" en el ámbito militar. Aunque algunos militares defienden que nunca han usado dicha forma en la vida real y que es algo que se originó en las películas de Hollywood (por alguna razón estoy más inclinado a creer esta versión).

Las pistolas nacaradas que lleva el protagonista en el discurso inicial son los revólveres reales que usó George S. Patton. En realidad a George C. Scott no le gustaba la idea de estar frente a una bandera enorme de los EEUU durante el discurso, el director le engañó haciéndole creer que la escena sería la que cerraría la película, no la que la abriría.

El discurso está compuesto por muchas frases que dijo realmente Patton, pero en diferentes momentos de su vida. Fueron suavizadas porque decía muchos tacos.

Originalmente tenían pensado ponerlo tras el intermedio (sucede a la hora y media de película), de ahí que el grado de Patton no se corresponda con el que se autoimpone al principio. Y por cierto, las medallas y distinciones que lleva son las mismas que obtuvo el militar, aunque sólo se las puso todas para una fotografía en su casa (es la que usaron para darle más realismo). En todo caso no deja de ser uno de los comienzos más icónicos de la historia del cine.

Algunas de los vídeos reales de las tropas francesas marchando por París tras recuperarla fueron grabadas por Russ Meyer. En 1944 era un cámara estadounidense del ejército y sirvió en la 3er ejército de Patton.

Cuando el General Lucien K. Truscott le recuerda a Patton que había sido un deportista se refiere a que fue a las olimpiadas de 1912 en Estocolmo participando en el pentatlón moderno, quedando en 5º puesto. Curiosamente le bajaron mucho los puntos en la prueba de tiro porque el arma que usaron no era una de las que estaba acostumbrado a usar. Sus conocimientos en esgrima hicieron que eventualmente desarrollase el último sable que se usó como arma en el ejercito estadounidense.

Buena parte del presupuesto se gastó en el alquiler de los soldados y equipamiento militar, que curiosamente eran españoles. La razón es que grabar en España era ideal por la variedad de escenarios que ofrecía y porque los militares aún usaban tanques y equipación de la Segunda Guerra Mundial.

Las letras WTF en la matrícula del Jeep que lleva Patton quieren decir "Western Task Force".

En realidad hay varias escenas que resultan casi cómicas, quizás por la manera tan exagerada en la que retratan al protagonista, todo un héroe de guerra que no le teme a nada.

No creí que el tema sería tan interesante antes de leer sobre ello. Resulta que a Patton no le parecía bien que EEUU se involucrase en la guerra contra los nazis (porque deberían haber ido contra la Unión Soviética), ni estaba a favor de que los nazis fueran juzgados. Es más, él sentía una antipatía hacia los judíos (cosa que la película prefiere ignorar).

De hecho hay algunos errores como que Patton nunca se encaró a Rommel en batalla o que se deja algunas de las derrotas más tristes que tuvo.

Cuesta un poco entrever el mensaje antibélico que se supone que tiene esta película. De hecho comprendo muy bien como es malinterpretada por algunos porque parece que enfatiza la figura de un general muy estricto que incluso llega a usar un castigo físico con un soldado (una bofetada, ojo).

Tuvo una secuela estrenada directamente en televisión titulada "The Last Days of Patton" (1986).

Солярис (1968)

Una película para televisión.

Kris Kelvin se dirige hacia la estación espacial estacionada en Solaris, donde se encuentran su amigo Gibaryan, el doctor Snout y el doctor Sartorius. El Doctor Snout es el primero con el que habla, pero desvaría y parece que algo ha pasado con Gibaryan. Eventualmente le dice que se ha suicidado. Por otra parte el doctor Sartorius no abandona su laboratorio pero al ir a visitarle parece que haya alguien más con él. Esa misma noche Kelvin recibe la visita de Harrie, su esposa fallecida 10 años atrás. Pronto entiende lo que sucede, es la manera de comunicarse de unos alienígenas.

Evidentemente lo primero que viene a la mente al oir este título es el nombre de Andrei Tarkovsky. Así que si bien su versión se podría considerar un remake no deja de ser otra adaptación de la novela de Stanisław Lem. Y en realidad no me parece bien compararlas, ésta versión se adelantó varios años y contaba con un presupuesto ridículo en comparación, aún así no deja de ser una gran adaptación.

Sus directores son Lidia Ishimbaeva y Boris Nirenburg. Los soviéticos haciendo gala una vez más de la igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres.

Destaca que esté dividida en dos partes debido a su larga duración, son casi dos horas y media en total. La primera dura una hora.

Las primeras conversaciones de Kelvin al llegar a la estación son con el ordenador que ha controlado su aterrizaje. Ya entonces se siente decepcionado porque nadie más ha ido a recibirle.

Hacen uso en numerosas ocasiones del zoom dramático televisivo, llegando a primerísimos planos de las caras. Además es todo muy teatral, de hecho hay momentos en los que me han hecho dudar si fue grabada en una sola toma.

Es una de esas películas a las que el blanco y negro les hace un gran favor pues hacen que los escenarios no distraigan al espectador y se centre en los protagonistas. Por otra parte juegan muy bien con las luces y las sombras, en ese sentido destacan especialmente las primeras escenas en las que hace aparición la mujer.

Según tengo entendido es más fiel a la novela original pues ahonda mucho más en las cuestiones filosóficas, las cuales son planteadas mediante los abundantes diálogos.

Otros detalles que me gustan son las llamadas que hacen usando pantallas e incluso una conferencia a 3 usando dos de ellas.

Definitivamente hay que verla como lo que es y no darle demasiadas vueltas. Criticarla no conduce a ninguna parte, más que nada porque las versiones posteriores tuvieron medios y grandes directores y actores, aparte que cada uno supo darle su toque personal. Y en esta ocasión es un poco lo que sucede, las producciones televisivas soviéticas de los años 60 no dan demasiado de sí y aún así yo la he disfrutado bastante, más que nada porque es la misma historia que había visto pero narrada de otra manera.

Mary Poppins (1964)

Pues sí, el clásico.

Estamos en Abril de 1910. Los Banks se acaban de quedar sin niñera y el padre decide hacerse cargo. Pero los niños escriben su propia carta para pedir lo que necesitan, la cual rompe su padre sin pensárselo. Aún así al día siguiente aparece sólo una niñera llamada Mary Poppins que ha leído la carta de los niños.

Basada en la serie de novelas escritas por P.L. Travers. A la autora no le hizo ninguna gracia esta adaptación, de hecho puso muchas trabas en la versión teatral que querían hacer en 1993 y sólo les dio permiso cuando le dijeron que la Disney no estaría involucrada en ella. Lo realmente peculiar es que al morir ella en 1996 la compañía Walt Disney sí metió mano y pasó a ser coproductora.

Dirigida por Robert Stevenson. Suyas son "King Solomon's Mines" (1937), "Darby O'Gill and the Little People" (1959), "Son of Flubber" (1963), "The Love Bug" (1968)...

Es la película más exitosa de las que estuvo involucrado directamente Walt Disney cuando vivía. Aún a día de hoy sigue siendo una de las más vendidas.

Protagonizada por Julie Andrews (Mary Poppins), su película más conocida junto con "The Sound of Music" (1965). Con Dick Van Dyke (Bert / Mr. Dawes Sr.), le vimos también en "Chitty Chitty Bang Bang" (1968). Pidió hacer del segundo personaje con bastante intensidad.

Durante los créditos de inicio vemos una recopilación musical de las canciones que sonarán posteriormente en la película.

En realidad Bert es una amalgama de varios personajes de las novelas.

Curiosamente la he visto en versión doblada y me ha llamado mucho la atención que hayan doblado también las canciones.

La Sra.Banks es una sufragista y pro-feminista aunque está casada con un hombre que no comparte sus ideas.

Muchas de las niñeras que hacen cola al principio de la película con hombres disfrazados.

Los niños no sabían algunas de las cosas que iban a suceder, como cuando Mary Poppins saca un perchero del bolso o la botella de medicina que vería líquidos de diferentes colores. Las caras de asombro son reales.

La propia Julie Andrews es quien hizo el silbido del petirrojo durante la canción "A Spoonful of Sugar". Es una parte que me llama la atención pues usan un animatrónico cuando poco después viajan al mundo de los dibujos animados.

La leyenda cuenta que la palabra "supercalifragilisticexpialidocious" tiene algo que ver con prostitutas irlandesas o escocesas. Lo más probable es que provenga de la canción "Supercalafajalistickespeealadojus" de Gloria Parker y Barney Young, la cual data de 1949.

Es un musical y como tal contiene abundantes canciones, de las cuales algunas han transcendido y han pasado a formar parte de la cultura popular.

El tío Albert está interpretado por Ed Wynn, puso también la voz a Mad Hatter en "Alice in Wonderland" (1951).

La tradición de pasar la buena suerte de un deshollinador cuando le das la mano viene de que sus vidas eran cortas debido a la inhalación de carbón y por ello tenían que dejar el trabajo terminando en la pobreza. Dicho de otra manera, su suerte era siempre mala y al dar la mano transferían toda su buena suerte a otra persona.

La parte de "Step in time" tuvo que ser regrabada por completo porque el celuloide resultó dañado. Les costó una semana rehacerla.

La voz del paraguas la pone el actor que hace de padre.

Hace poco hicieron una secuela titulada "Mary Poppins Returns" (2018). No la he visto y no tengo intención de verla próximamente. Pero no tiene nada que ver el hecho de que la Disney decidiera ignorar lo que opinaba la autora, simplemente con esta tengo más que suficiente.

Personalmente me parece una película que está penasada para un público infantil pero que no trata a los niños como si fueran imbéciles, lo cual la hace entretenida incluso para un adulto. Dicho lo cual, no es el tipo de película que disfruto. Me han gustado algunas partes, como la de los deshollinadores (cuya coreografía es impresionante), pero poco más.