jueves, 23 de abril de 2020

Red River (1948)

Aquí la titulamos "Río rojo".

Thomas Dunson llega con un vaca y un toro a unos pastos ricos y en 14 años consigue juntar un número de cabezas inmenso pero no hay negocio en la zona así que se dispone a llevarlas a 1000 millas de distancia para venderlas.

Dirigida por Howard Hawks, aunque tuvo la colaboración de Arthur Rosson esta vez. Fue su primer western.

Protagonizada por John Wayne (Thomas Dunson), ya sólo me faltará por ver "Rio Bravo" (1959) para completar sus películas sobre ríos. Y Montgomery Clift (Matt Garth), salió en "Judgment at Nuremberg" (1961), fue su debut en el cine.

Como curiosidad es la única película en la que coincidieron Harry Carey (Sr.Melville) y Harry Carey, Jr. (Dan Latimer), osea su hijo, pero no comparten escenas.

Hay que aclarar que fue estrenada tras "The Search" (1948) pero en realidad la película estaba terminada dos años antes y se vio inmersa en unos problemas legales.

Es la película que convenció a John Ford de que John Wayne sabía actuar lo cual hizo que le diese papeles más complejos y dramáticos en sus siguientes películas juntos.

En el guión original no ponía nada de lluvias pero de repente se vieron inmersos en un temporal y John Wayne convenció a Howard Hawks para que rodase igualmente adaptando la historia a la situación.

Lo primero que me llama la atención es que lo llaman "Red River D". La D es por el nombre del rancho del protagonista. Como curiosidad al terminar el rodaje el director le regaló a John Wayne una hebilla con el logo la cual tiene mucha historia, os dejo una página en inglés donde la explican.

Es una historia típica de vaqueros (además literalmente, son criadores de vacas), pero no por ello deja de ser curioso como el tal Dunson por sus santos cojones se apropia de una tierra, matando a quienes se le oponen y aún así no es ni un asesino ni ha ido en contra de la ley. Estas son las cosas que más me chirrían de las películas del oeste, la ley es tan relativa...

El viaje es una calamidad tras otra, además de ser muy muy largo. Los que van con el protagonista van tramando cosas por su cuenta desde bien temprano pero hasta que las cosas no se ponen realmente mal no hacen nada.

Double Indemnity (1944)

Aquí la titulamos "Perdición".

Estamos en Julio de 1938 en Los Angeles. Un agente de seguros confiesa un asesinato. Todo fue porque se enamoró de la esposa de uno de sus aseguradores y planearon juntos la manera de matarlo para quedarse con el dinero.

Dirigida por Billy Wilder quien también fue coguionista. Basada en la obra de James M. Cain quien quedó realmente impresionado por los cambios que hicieron Wilder y Raymond Chandler. Aunque en realidad ambos terminaron odiándose.

El autor James M. Cain trató de luchar contra los que se dedicaron a realizar adaptaciones de su obra sin su permiso e intentó crear la "Screen Writers Guild" pero resulta que Hollywood estaba inmersa en la famosa caza de brujas y no tuvo apoyo.

Del reparto destaca Barbara Stanwyck (Phyllis Dietrichson), probablemente sea su película más famosa, salió también en "Titanic" (1953). Y Edward G. Robinson (Barton Keyes), salió en "Soylent Green" (1973) y "The Ten Commandments" (1956).

Ya hay unas cuantas películas del género noir en el blog pero creo que no he hablado demasiado sobre él en concreto. Algunos ponen a "The Maltese Falcon" (1941) como la película que inició el género sin embargo ya hay muestras de él a finales de los años 20. Destaca principalmente porque juegan con el contraste de luces y sombras, similar a lo que pasaba con el expresionismo alemán y porque todo transcurre en ambientes sombríos, lo cual incluye al protagonista que suele ser un antihéroe (casi siempre un detective o similares).

Dicho lo cual, esta película encaja a la perfección en el género. De hecho es interesante que el protagonista sea un agente de seguros pues su trabajo tiene mucho de detectivesco. Además ya desde el primer momento vemos el tono deprimente propio de este estilo con un hombre que se ve forzado a confesar un crimen porque le remuerde la conciencia.

La escena en que no pueden arrancar el coche fue añadida por el director cuando se dieron cuenta de que realmente el coche no quería arrancar tras el día de rodaje.

He de decir que el todo el asesinato me ha parecido muy original. En su simpleza radica lo genial que es.

Tuvo un remake árabe titulado "Min ajal emraa" (1959) que me apunto para más adelante por mera curiosidad (y porque sale Omar Shariff).

Juegan con un factor en la historia del que sabemos más bien poco hasta que de repente se convierte en una figura clave, es un detalle que me ha gustado.

miércoles, 22 de abril de 2020

Olympia 2. Teil - Fest der Schönheit (1938)

Aquí la titulamos "Olimpiada, parte 2".

En el póster aparece una mujer desnuda. Se trata de la directora Leni Riefenstahl quien decidió posar como "símbolo de la belleza aria".

Esta segunda parte empieza con unas imágenes de un bosque donde ha llovido. De repente aparece un grupo de hombres desnudos corriendo (intuyo que son alemanes). Luego se meten en una sauna y seguidamente vemos a deportistas de diversos países entrenando a todo tipo de deportes.

Seguidamente pasamos a otro pase de atletas y empieza los números gimnásticos. Primero vemos a algunas mujeres en el salto de potro, la barra fija y las paralelas. Luego hombres haciendo ejercicios de suelo, potro con aros, anillos, barras paralelas y barra fija. Esta parte no tiene narración, con lo cual no sabemos ni las puntuaciones ni quién participa ni cómo quedaron. Pero vamos, los alemanes coparon con casi todas las medallas de oro y de ellos destaca especialmente Konrad Frey que se llevó 3 oros, una plata y 2 bronces.

Lo siguiente es un grupo enorme de mujeres haciendo una demostración gimnástica al unísono.

Y en el minuto 21 oímos por fin al narrador comentando la carrera de regatas en la bahía de Kiel. De forma casual los veleros pasan por delante de un barco de guerra nada amenazante en el que se encuentra Hitler.

La primera es la competición O-Jolle (ganó el equipo de Países Bajos), clase internacional Star (ganaron los alemanes) y la clase 6 metros (ganaron los del Reino Unido). No vemos la clase 8 metros (ganaron los italianos).

Lo siguiente es esgrima, cuyas medallas se las repartieron los italianos y los húngaros (aunque sólo vemos un enfrentamiento de las 7 categorías que hubo). Pasamos al boxeo con el combate de pesos pesados en el que ganó Herbert Runge (hubieron en total 8 categorías por peso).

Pasamos al pentatlón moderno (tiro con pistola, esgrima, natación, carrera a pie de 4 km y salto ecuestre) en el que ganó el alemán Gotthard Handrick. Curiosamente esto sí lo muestran en detalle.

Vemos las finales de hockey sobre hierba (ganó el equipo de la India), polo (ganó el equipo argentino) y fútbol (ganó Italia).

Le toca el turno a la equitación (Alemania ganó en las 6 categorías). Es una prueba que nos muestran en gran detalle. Luego vemos el ciclismo, concretamente 100 km en ruta (ganaron los franceses) y remo (los alemanes se llevaron 5 de los 7 oros).

Llegamos al decathlon (ganó Glenn Morris, de EEUU). Está compuesto por 100 metros lisos, salto de longitud, lanzamiento de peso, salto de altura, 400 metros lisos, 110 metros vallas, lanzamiento de disco, salto con pértiga, lanzamiento de jabalina y 1500 metros lisos. Nos muestran cada una de las pruebas.

Pasamos a la piscina olímpica con los saltos de trampolín de 3m y plataforma de 10m donde coparon los estadonidenses tanto en categoría masculina como femenina. Es la segunda vez en la que aparece Hitler, está entre el público.

Vemos algunos saltos femeninos, luego los 200 m. braza (ganó el japonés Tetsuo Hamuro), 100 m. libre (ganó el húngaro Ferenc Csik), 100 m. libre femeninos (ganó Hendrika Mastenbroek de los Países Bajos) y algunos saltos masculinos (en los que se recrean muchísimo pero no hay narración).

Tuvieron que "fabricar" una cámara subacuática para estas pruebas, de hecho en el interior de la piscina tenían una especie de ascensor.

Con ello llegamos al final. Se han dejado en el tintero el baloncesto, el ciclismo, la halterofilia, la lucha, el tiro y el waterpolo.

Y al igual que dije en la anterior entrada no veo la propaganda nazi por ninguna parte. De hecho aunque los alemanes ganaron muchas medallas al centrarse sólo en algunas de las pruebas ni siquiera da esa impresión.

Lo que sí veo es un resumen de las olimpiadas de casi 4 horas de duración (si juntamos las dos partes) en el que se han olvidado de darnos muchos de los datos pero que visualmente es muy atractivo.

Olympia 1. Teil - Fest der Völker (1938)

Aquí la titulamos "Olimpiada, parte 1".

Dirigida por Leni Riefenstahl. Hace tiempo hablé de "Triumph des Willens" (1935) y siempre quise explorar un poco más su filmografía. Esta es una de sus obras más prominentes.

La autora quiso estrenarla en EEUU y tuvo muchos problemas. Tras un pase privado decidió editarla severamente quitando todas las escenas donde aparecía Hitler y las esvásticas.

Originalmente Goebbels puso mucha presión sobre ella porque quería que saliese lo más pronto posible y así usarla para la propaganda pero ella acudió a Hitler y le proporcionó todo el tiempo que necesitara, lo cual fueron varios años que culminaron en una obra dividida en dos partes.

La película arranca con una serie de edificios y estatuas de la Grecia clásica para dar paso a unos atletas desnudos, tanto hombres como mujeres ejercitando algunas de las disciplinas olímpicas. Y luego pasamos a la ceremonia de la antorcha. Que por cierto no es la real. A la directora no le gustó así que hizo su propia versión recreando una carrera que va desde Atenas hasta el estadio de Berlín.

Esta introducción dura 17 minutos, tras ello aparece Hitler por vez primera saludando una vez dentro del estadio olímpico.

A pesar de la aparente igualdad en la introducción en lo que respecta a ambos géneros en realidad los atletas que participaron fueron 3632 hombres y 331 mujeres.

Llama la atención que cuando entran en el estadio todos hacen el saludo con la mano levantada a Hitler.

Hasta pasados 22 minutos no oímos una sola palabra y se trata de la frase que inaugura los juegos, dicha por el propio Hitler cómo no. Tras ello hace entrada en el estadio la antorcha.

Y empiezan las pruebas con el lanzamiento de disco. Vemos unos cuantos lanzamientos a cámara lenta. Primero participan los hombres (ganó Kenneth Carpenter de EEUU) y luego las mujeres (ganó la alemana Gisela Mauermayer).

Pasamos a la jabalina femenina (ganó la alemana Tilly Fleischer), 110 metros vallas masculinos (ganó Forrest Towns de EEUU), 80 metros vallas femeninos (ganó la italiana Trebisonda Valla) y seguidamente vemos una entrega de medallas.

Lo siguiente es el lanzamiento de martillo masculino (ganó el alemán Karl Hein), es una de las pruebas más emocionantes porque hubo mucho nivel.

Luego van las clasificatorias de los 100 metros lisos masculinos y la famosa final que ganó Jesse Owens. La leyenda negra que corre es que Hitler no quiso saludarle, no es del todo cierto en realidad sólo saludó a un par de campeones durante las olimpiadas y felicitó al resto por escrito.

Le sigue el salto de altura femenino (ganó la húngara Ibolya Csak). Aún saltaban al estilo tijera pues el Fosbury no sería creado hasta los años 60. Un detalle es que la campeona nacional era Gretel Bergmann pero fue excluida del equipo por ser judía.

Pasamos al lanzamiento de peso masculino (ganó el alemán Hans Woellke) y los 800 metros lisos (ganó John Woodruff de EEUU). En esta última competición el presentador hace hincapié en que hay sólo un par de negros corriendo contra los "superiores" hombres blancos. El que ganó es negro.

Luego va el triple salto (ganó el japonés Naoto Tajima), el salto de longitud (ganó Jesse Owens, de nuevo), los 1500 metros lisos (ganó John Lovelock de Nueva Zelanda) y el salto de altura masculino (ganó Cornelius Johnson de EEUU). Curiosamente los hombres saltaron usando el estilo conocido como rodillo costal.

Pasamos a las 110 metros vallas (ganó Forrest Towns de EEUU), vemos las eliminatorias y la final, luego la jabalina (ganó el alemán Gerhard Stöck), los 10,000 metros (ganó el finlandés Ilmari Salminen)

La final de salto de pértiga tampoco es la real, fue rodada al día siguiente porque había muy poca luz cuando sucedió. Pero sí son los mismos atletas (ganó Earle Meadows de EEUU). Por cierto, caían sobre arena, osea el suelo.

Empieza el segundo día con los 4x100 femeninos (ganaron las de EEUU). Como anécdota las alemanas estaban dominando pero en el último relevo se les cayó el testigo. Seguimos con los 4x100 masculinos (dominaron los de EEUU gracias a Owen), los 4x400 (ganaron los británicos).

Terminamos con la maratón (ganó el japonés Kitei Son). Y la ceremonia de clausura.

Detalles varios:
- La bandera de Canadá aún tenía el diseño antiguo (fondo rojo con la bandera del reino unido ocupando una cuarta parte y un escudo en la derecha).
- España no participó, primero porque hizo boicot organizando unas olimpiadas en Barcelona que nunca sucedieron porque estalló la Guerra Civil.
- Jesse Owens fue el más llamativo pero no fue el único negro que se llevó medallas de oro.
- Aunque a Hitler eso no le molestó tanto ya que al final Alemania se impuso en el medallero global.
- Algunas competiciones apenas tienen narración o no muestran los resultados a medida que avanzan.
- Cuando se oye al público animar me ha recordado a un videojuego porque son cánticos muy específicos en los que dicen el nombre del atleta o del país.

La manera que tiene de enfocar a los atletas que participan en las pruebas individuales no es muy diferente a la usada actualmente, lo cual denota la enorme calidad de este documental.

Esta primera parte se centra en las pruebas de atletismo y aún así se dejaron algunas (como los 400 metros, los 800 y los 5000).

Llamar a esto propaganda nazi me parece ridículo. Son pruebas atléticas y poco más. Aparte que aunque el narrador está claramente con el equipo nacional (lo cual me parece normal) no por ello resta importancia al resto de competidores, sin importar su nacionalidad.

Pasemos a la segunda parte.

martes, 21 de abril de 2020

Maniac (1934)

También conocida como "Sex Maniac".

Un científico y su ayudante tratan de encontrar la manera de revivir a los muertos pero para ello necesitan cadáveres y cuando el ayudante no le provee le dice que se suicide y le resucitará, pero el ayudante mata al científico.

Algunos de los actores no recibieron crédito y no se sabe a ciencia cierta quienes son. Tampoco se sabe quien fue la doble de Maria Altura cuando sale desnuda.

La granja de gatos que aparece es real, la encontraron en la parte trasera de una casa de Los Angeles. La morgue no fue construida adrede sino que se cree que fue alquilada o simplemente encontraron una abandonada.

Teniendo en cuenta que es una de las primeras películas sonoras aún conserva unos pocos carteles con textos aclaratorios de varias enfermedades mentales con nombres como Dementia Praecox, Paresis, Paranoiac y Manic-Depressive Psychoses. También sale otro exponiendo una situación.

Parte del argumento está basado en "The Black Cat" de Edgar Allan Poe. Aunque le agregan el hecho de que el culpable tiene todo tipo de enfermedades mentales y es capaz de transformarse en cualquiera mediante maquillaje.

Cuando aplastan la cabeza de un gato y le salta un ojo usaron un gato real al que le faltaba uno. Para ello usaron uno de cristal. Se nota bastante porque de repente el gato negro pasa a ser atigrado.

La granja de gatos es... peculiar por decirlo suavemente. Básicamente un tipo los tiene encerrados en unas jaulas de gallinas y usa ratas para alimentarlos, que a su vez se alimentan de los cadáveres de los gatos cuando los mata para conseguir sus pieles. Wow.

Salen mujeres en ropa interior que dejan más bien poco a la imaginación. Aunque lo más interesante es que una de ellas usa un aparato de gimnasia que es una cinta vibradora alrededor de la cintura.

La edición deja mucho que desear. En momentos aleatorios meten imágenes de gatos haciendo cosas de gatos, por ejemplo, pero sin sentido.

En definitiva es una película interesante por el momento en que salió, esencialmente retrata a un hombre perturbado capaz de asesinar y de obligar a que otras personas se odien tanto como para querer matarse.

London After Midnight (1927)

Aquí la titulamos "La casa del horror".

Roger Balfour es hallado muerto en su casa. El profesor Edward C.Burke es el investigador encargado del caso y concluye que es un suicidio. 5 años más tarde un matrimonio ve un par de figuras extrañas en la mansión Balfour.

Es considerada la película perdida más buscada. Esto es debido a que la última copia de la que se tenía constancia fue destruida en un incendio en 1967.

De hecho lo que he visto se trata de la reconstrucción hecha en el año 2002 usando imágenes fijas y el guión original.

Se trata de una de las 10 colaboraciones de Tod Browning y Lon Chaney (profesor Edward C.Burke) y posiblemente la más exitosa de todas ellas.

Lon Chaney usaba una compleja dentadura postiza que era tan dolorosa que tan sólo podía tenerla puesta unos pocos minutos.

Viendo las imágenes me he percatado de que no sólo hizo una excelente caracterización (algo a lo que nos tiene acostumbrados el actor) sino que se mueve de una manera bastante peculiar. En algunas de las imágenes aparece encorvado.

La forma que tienen de protegerse de los vampiros es poniendo una corona de flores (relativamente pequeña) y una espada en cada entrada. No recuerdo haber visto algo así antes.

Resulta que el giro final, donde se descubre quién es Burke realmente, lo pillé nada más empezar por una frase tonta que dice. No sé si en la película original era así pero es un detalle que me ha llamado mucho la atención.

Es una forma un tanto rara de ver una película muda, no sólo hay que seguir los diálogos sino que también hay que imaginarse qué hace cada personaje a partir de una imagen fija y aunque el editor ha puesto algunos zooms e incluso un poco de vibración en un momento dado el resultado final es bastante pobre.

Pero supongo que es la única manera de hacernos una idea de cómo era el film original. Menos es nada.

Der letzte Mann (1924)

Aquí la titulamos "El último", también conocida como "The last laugh".

El director del Hotel Atlantic ve a su portero bebiendo en un momento de receso y decide reducir su cargo al encargado del baño, cosa que a él le sienta fatal pues estaba muy ilusionado en su puesto de trabajo. Esa misma noche el ex-portero se cuela en el despacho del director y roba el uniforme para poder hacer el paripé delante de sus vecinos.

Dirigida por F.W.Murnau, el autor de "Sunrise: A Song of Two Humans" (1927), "Faust: Eine deutsche Volkssage" (1926) y "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922), entre otras.

Tuvo un remake de idéntico título en 1955. Como curiosidad he de decir que antes de ver la versión que poseo creía que se trataba del remake, ha sido inesperado.

Se trata de la primera película que uso una cámara "dolly", osea que era capaz de moverse mientras rueda. Para ello usaron un carrito de bebé y una especie de raíl por el que se desplazaba.

La necesidad de crear dicha cámara surgió de una escena en la que querían seguir los movimientos de Emil Jannings (portero de hotel) cuando iba por el hotel centrándose en su cara. Aunque hacen uso de ella en más de una ocasión.

Es realmente peculiar esta película pues no tiene ni un sólo texto de diálogo. Los únicos que vemos son la carta que lee el protagonista cuando le cambian el puesto de trabajo y el que introduce el epílogo Eso hace que no sepamos los nombres de los personajes.

Por una parte comprendo la postura del director del hotel pues ha visto a uno de sus empleados (aparentemente) holgazaneando. Pero por otra creo que no tiene empatía pues se trata de un señor mayor que está descansando un momento tras haber cargado una maleta pesada. Aparte que da la impresión de sea el principal motivo de su decisión, lo cual me parece bastante exagerado teniendo en cuenta lo bien que hace su trabajo (de nuevo basándome en lo poco que llegamos a ver).

Entre las chismosas de sus vecinas riéndose de él y su familia prácticamente repudiándole el asco que siento es bastante intenso.

El final original era trágico. Tanto F.W.Murnau como el guionista Carl Mayer se sintieron ofendidos cuando los ejecutivos de la UFA les obligaron a cambiarlo y por ello remataron la historia de una manera cínica.

El tono de la película es dramático, mucho, con lo cual el final trágico hubiera quedado más acorde con las circunstancias. De hecho durante todo el tiempo no podía dejar de pensar cómo se suicidaría el protagonista.

También es cierto que el epílogo refleja el hecho de que cuando es bueno lo sigue siendo a pesar de las circunstancias. El protagonista en este caso trata con cordialidad y simpatía a aquellos que ahora trabajan para él, como son los camareros, porteros, botones y demás, de hecho su mejor amigo es el guardia de noche que le ayudó en un momento dado. Está en contraposición al director del hotel o el nuevo portero, por ejemplo.

Es una película muy interesante, me ha gustado mucho. Especialmente el hecho de que sin un sólo diálogo se entiende todo perfectamente. Eso precisamente es lo que me hace plantearme no ver el remake.

Körkarlen (1921)

Aquí la titulamos "La carreta fantasma".

Según cuenta la leyenda, la última persona en morir en Nochevieja se convierte en el conductor de un carro que se lleva a los muertos durante un año. El elegido esta vez es David Holm, un hombre que ha llevado una mala vida.

Basada en la novela homónima de Selma Lagerlöf publicada el mismo año.

La versión que he visto es la de 1999 cuando mejoraron la coloración para que fuese más fiel a la original. Usaron de base dos copias, una en blanco y negro con los títulos en inglés y otra coloreada con los títulos en sueco.

Este título lo mencioné en la entrada de "Smultronstället" (1957). Concretamente porque está dirigida, escrita y protagonizada por Victor Sjöström. También suyas son "He who gets slapped" (1924) y "Terje Vigen" (1917).

Y es que para Ingmar Bergman se trata de la película que veía cada verano y la consideraba "la película de todas las películas", además de ser una gran influencia en su obra. Charles Chaplin tenía una opinión similar.

Para preparar el papel Sjöström se disfrazó como un hombre pobre y pasó tiempo en los barrios bajos de Estocolmo.

La escena en la que David Holm trata de llegar a donde están su esposa e hijo es la que más tarde serviría de inspiración para la famosa "here's Johnny" de "The Shining" (1980). Curiosamente el director se basó en otra escena que sale en "Broken Blossoms or The Yellow Man and the Girl" (1919) de D.W. Griffith (me la apunto para verla más adelante).

Para hacer el efecto "fantasmal" el director echa mano de la doble exposición. De hecho fijándome detenidamente también lo usa para hacer algunas transiciones.

Me recuerda mucho a "Det sjunde inseglet" (1957), los temas que trata son similares y el viaje del protagonista y el hombre que lleva el carro es en cierta manera similar. También veo influencias en "The Meaning of Life" (1983).

Estaba dándole vueltas al origen de la representación de la muerte como un ser con una capucha y una guadaña y parece estar en el siglo XIV durante la época de la peste negra. Básicamente la capucha es porque los religiosos de la época eran los que oficiaban los funerales y la guadaña es porque la muerte "arranca" a los muertos de la tierra.

Me ha gustado mucho como en un momento dado un personaje narra una historia y dentro de ella otro narra otra, osea es un flashback dentro de otro flashback. Y aún así no se pierde nunca el hilo argumental.

También como la figura del carretero se queda quieto escuchando en buena parte de sus apariciones. Le da un toque siniestro y tétrico.

domingo, 19 de abril de 2020

Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages (1916)

Aquí la titulamos "Intolerancia".

Llevo tanto queriendo ver otra película de D.W.Griffith, concretamente desde que vi "The Birth of a Nation" (1915) y ha llovido desde entonces. Mucho.

Uno de los guionistas es Tod Browning, conocido por títulos como "The Unholy Three" (1925), "Dracula" (1931) y "Freaks" (1932).

Fue una película muy popular en la Unión Soviética. Sin embargo el director no vio ni un duro pues se trataban de copias piratas distribuidas sin consentimiento.

Originalmente duraba 210 minutos pero como suele suceder con las películas de esta época se han perdido algunos por el camino. Lo cual no tendría demasiado problema de no ser porque existen diferentes versiones con una duración muy diversa, desde los 123 minutos a los 197. La que estoy viendo yo dura 168 y no pienso matarme a buscar otra porque la calidad es muy buena.

Son cuatro historias diferentes situadas en distintos periodos de tiempo con diferentes personajes. Están entrelazadas porque cada una narra la misma historia situada en diferentes momentos. Los temas principales son el romance entre un hombre y una mujer, la religión, la guerra y, por supuesto, la intolerancia.

Veamos se divide en:

La época moderna (alrededor del año 1914)

Una joven se ve obligada a abandonar la casa del campo junto con su padre para irse a la gran ciudad. Allí un hombre empieza a cortejarla y al morir el padre la cosa se pone seria. Pero él es un ladrón y sus socios le inculpan cuando trata de abandonarles y termina en la cárcel. Encima una liga de la moralidad se lleva su bebé.

Es la historia más compleja y no sólo refleja los problemas a los que se enfrenta la joven sino la lucha de clases.

Además es la parte más cruel. La protagonista se ve obligada a abandonar su hogar por un capricho de una señora, a casarse con un ladrón (obligado a ello por esa misma señora) que encima termina en la cárcel. Luego le quitan el niño (la organización de la señora) y para terminar de redondearlo al marido le acusan injustamente de asesinato y lo condenan a la horca.

El renacimiento Francés (año 1572)

Un soldado mercenario se enamora de una chica llamada Ojos Marrones y como es otro quien a ella le interesa tratará de aprovechar la situación política para ir a por ella. Los hugonotes atacan al poder y los ricos católicos se temen lo peor así que deciden exterminarlos.

Esta parte es muy melodramática, la manera en la que los cristianos se ponen a decir "oooh, ahora vendrán a por nosotros, vamos a matarlos", es bastante exagerada. Aunque se ve que está basado en hechos históricos.

La época bíblica de Judea (año 27)

Se celebran las bodas de Caná y Jesús hace la transmutación del agua en vino. También evita que lapiden a una mujer por adúltera. Más tarde sale la escena de la crucifixión.

Howard Gaye (Jesucrito) se vio involucrado en un escándalo sexual con una niña de 14 años y fue deportado a Inglaterra. En la película borraron su nombre de los créditos.

Durante las escenas de las batallas algunos de los extras se lo tomaron tan en serio que acabaron haciéndose heridas reales.

"Algunas organizaciones" (me hace gracia que lo digan así) obligaron al director a volver a grabar la escena de la crucifixión porque habían demasiados judíos y pocos romanos.

La antigua Babilonia (año 539 AC)

El hermano de una joven la lleva al mercado de los matrimonios para que ser subastada. Por suerte llega el príncipe Belshazzar y le da un sello que le da libertad para hacer lo que quiera con su vida.

La fiesta de celebración en Babilonia costó unos 200.000 dólares cuando fue grabada. Hoy en día es algo irrisorio pero en su momento contribuyó a que fuese la película más cara jamás filmada (8,4 millones costó en total). Mantuvo ese récord hasta que salió "20,000 Leagues Under the Sea" (1954) que costó 9 millones.

Encima tuvo un gasto adicional y es que el director se empeño en hacer que cada cine donde la mostrasen tuviese una decoración especial y una orquesta en vivo. Posteriormente tuvo la idea de dividirla en dos partes para así poder recuperar la inversión, pero ni así.

El departamento de bomberos le dijo al director que tras la grabación el set debía ser demolido pues representaba un peligro de incendios. El problema es que no tenía dinero y lo dejaron pudrirse durante cuatro años, lo cual hizo que fuese muy barato derruirlo.

En la película dice que las murallas medían más de 90 metros. En realidad eran solo de 30 (que ya es) y tuvieron que usar muchos cables de refuerzo para que no se las llevase el viento.

Es realmente espectacular, no sabía qué esperar y resulta que es de gran altura pero también con unas decoraciones bastante impresionantes. De hecho no llega a apreciarse el material que usaron pero no importa, es un escenario realmente impresionante. Lo compararía con la Roma de "Gladiator" (2000), por no decir que es incluso mejor.

La puerta de la ciudad bien podría ser la inspiración de la del lugar donde se encuentra Jabba el hutt en "Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi" (1983), pero mucho mejor (y no lo digo por decir, está cargada de decoraciones y detalles).

Efectivamente la escena de la batalla en Babilonia es espectacular. Esta película se mea en los efectos especiales digitales. Hay hasta gente que le cortan la cabeza de un espadazo, ¡en 1916!. Estoy realmente impresionado.

Y la celebración es increíble. El escenario es gigantesco, está lleno de personas por todas partes, decoraciones enormes... y por si eso no fuese suficiente la cámara hace un movimiento que jamás creí que vería en una película tan temprana.

En resumen:

Me ha recordado un poco a "The Ten Commandments" (1923). En ella también hacen un paralelismo entre la parte bíblica y la época moderna.

Se hace bastante pesada de ver, su larga duración y el hecho de tratar tantas subtramas paralelas hace que sea demasiado densa. No tengo claro si el hecho de ir saltando de una historia a otra la hace más pesada o no, quizás dividiéndola en cuatro segmentos, cada uno tratando una de las historias, sería más fácil de ver pero entiendo que lo trata de reflejar el autor son los paralelismos entre ellas.

De hecho, pensándolo bien, la única historia relevante es la de la época moderna, las otras sólo las usa para enfatizar ciertos momentos.

viernes, 17 de abril de 2020

The Invisible Man (2020)

Aquí la titulamos "El hombre invisible".

Cecilia Kass está casada con un hombre que la maltrata y trata de controlarla y por ello huye de él en cuanto tiene ocasión. Pero al cabo de un tiempo recibe la noticia de que él se ha suicidado y le ha dejado en herencia 5 millones de dólares. Pero poco más tarde ella cree que él sigue vivo y que se dedica a putearla.

Pasemos a la última película de estreno de esta tanda con una bastante reciente. De hecho es curioso porque fue una de las primeras afectadas por el COVID-19 ya que la estrenaron bastante pronto en formato digital en vistas de que no habría gente en los cines.

Dirigida por Leigh Whannell a quien probablemente recordéis por su papel en "Saw" (2004), saló también en "Insidious" (2010) y en "Lavalantula" (2015). En la película sale un dibujo del muñeco de Saw como guiño.

Protagonizada por Elisabeth Moss (Cecilia Kass), conocida por "Mad Men". Últimamente ha dado mucho que hablar su papel en "The Handmaid's Tale", serie que no he visto y por lo tanto poco puedo comentar sobre ella, aunque me tiene bastante intrigado. El año pasado la vimos en "Us" (2019).

Planteada originalmente como una más del "Dark Universe" iba a ser protagonizada por Johnny Depp. Pero el fracaso de "The Mummy" (2017), la cual ya era un reboot de dicho universo tras el otro fracaso que tuvieron con "Dracula Untold" (2014). En fin, se trata de una historia independiente sin conexión con nada de lo anterior.

Habría que remontarse a la novela de H.G.Wells para empezar a hablar con propiedad del hombre invisible, la cual fue adaptada por primera vez en 1933 y a partir de dicha adaptación se hizo "The Invisible Man Returns" (1940), "The Invisible Woman" (1940), "Invisible Agent" (1942) y "The Invisible Man's Revenge" (1944). Seguidamente hubieron otras adaptaciones de la novela como la japonesa "Tômei ningen" (1954), la turca "Görünmeyen adam Istanbul'da" (1955) o la soviética "Chelovek-nevidimka" (1984). Y a todo ello habría que sumar una serie de títulos de diversa índole con hombres invisibles como protagonistas como "Now You See Him, Now You Don't" (1972), "Memoirs of an Invisible Man" (1992) o "Hollow Man" (2000), por decir tres.

En conclusión, es un tema que ha sido enfocado de muy diferentes maneras con mejores o peores resultados. Eso hace que me pregunte si era realmente necesario agregar otro título más.

El planteamiento es básicamente el mismo que "Sleeping with the Enemy" (1991), sólo que el acosador ahora tiene el poder de hacerse invisible.

El tío ha de ser un verdadero genio para lograr evitar que caigan gotitas de pintura cuando le echan un cubo por encima y luego lavársela en pocos segundos sin dejar rastro estando invisible.

Cuando la protagonista coge un Uber me ha matado, la verdad.

Hay ciertas cosas que se supone que son referencias a la película clásica. Yo no acabo de verlo así. Concretamente en un momento dado ella se despierta y ve un sombrero y una gabardina en una percha y más tarde en le hospital aparece un tipo con la cara vendada.

También te digo, vaya mierda de policías que ni siquiera tienen en cuenta cuando ella les cuenta que ha encontrado pruebas en casa de él y ni se molestan en ir a comprobarlo.

En fin, está bastante bien. Me han gustado mucho la parte en la que el hombre invisible ataca a la protagonista levantándola por los aires y arrojándola por encima de una mesa. Y el final es correcto, podría dar pie a una secuela si quisieran.

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