Silent Movie (1976)

Pasemos a algo más ligero.

Mel Funn viaja en su coche junto con Marty Eggs y Dom Bell para tratar de convencer a un estudio de Hollywood de que le financien su próxima película. Pero él quiere hacerla al estilo mudo y Dom no está del todo seguro. El jefe del estudio está en apuros económicos pero Mel le convence de hacerla si consigue hacer que las mayores estrellas de Hollywood salgan en ella.

El cine de Mel Brooks me encanta, he disfrutado todas y cada una de las películas suyas que he visto. Osea, las 10 de las 11 que ha dirigido pues me falta por ver "High Anxiety" (1977). Y es que la película que nos ocupa la vi hace ya un tiempo y me pareció tan peculiar y extravagante que he sido incapaz de olvidarla.

En esencia se trata de una película muda pero rodada al estilo moderno, bueno de los años 70. Y técnicamente es la primera que se hizo desde el estreno de "Modern Times" (1936). Aunque si nos ponemos tiquismiquis en realidad sí contiene una línea de diálogo, lo cual hizo que entrase en el libro Guinness.

Más concretamente la dice Marcel Marceau, cuando le ofrecen participar en la película él responde "Non!". Lo cual tiene mucha gracia cuando sabes que se trata de uno de los mimos más famosos del mundo.

Los tres protagonistas son el propio Mel Brooks (Mel Funn), Marty Feldman (Marty Eggs) y Dom DeLuise (Dom Bell). Y sí, los nombres de sus personajes son los de ellos mismos, pero cambiando los apellidos.

Creo que ya comenté en alguna de las películas mudas que en su momento era normal que los actores soltasen tacos pues no se iban a oír, pero claro con el paso del tiempo ha habido gente que ha podido leerles los labios. Hacen una referencia a este hecho cuando aparece un texto que dice "You bad boy!" pero en realidad Mel Brooks dice "You dirty son of a bitch!".

En una de las escenas cortadas veíamos a unas langostas gigantes en un restaurante eligiendo humanos para ser devorados. Por algún motivo no gustó en los pases previos.

La mujer embarazada que recogen al principio de la película es Carol Arthur, la esposa de Dom DeLuise.

Otro detalle es que no sólo la música es lo único que acompaña a la acción, también hay sonidos para enfatizar los gags cómicos. Pero en ningún momento oímos el sonido real de lo que está sucediendo.

El nombre de la compañía "Engulf & Devour" es una referencia a Gulf + Western, la cual se "tragó" a otras 8 entre 1965 y 1970, inluyendo la Paramount Pictures en 1966. El logo incluye dos manos cogiendo el mundo, lo cual recuerda mucho al famoso goatse.

Si no fuera porque se trata de una película de los años 70 malpensaría y diría que el MF de la gorra de Mel no sólo son las siglas de su nombre sino la palabra "motherfucker". Tratándose de Mel Brooks me atrevería a pensar que es capaz de algo así.

Está plagada de chistes visuales, la gran mayoría muy poco sutiles. Además de el toque "slapstick", porque no deja de ser una película muda, pero yo creo que también consigue que parezcan dibujos animados.

Destacan también algunas caras famosas que decidieron participar cobrando un sueldo ínfimo. Empezando por Burt Reynolds, pasando por James Caan, Liza Minnelli, Anne Bancroft (la esposa de Mel Brooks), Marcel Marceau y Paul Newman.

Una década antes de los "Three Amigos!" (1986) tuvimos "The (new) three flamencos". Me pregunto si fue el origen de la idea.

En el cine donde preestrenan la película hay varios carteles de "Young Frankenstein" (1975).

El proyeccionista lleva, literalmente, unas gafas de culo de botella (de Coca-Cola, más concretamente). Y hablando de dicha bebida aparece en bastantes ocasiones aunque hay una explicación que tiene que ver con Joan Crawford y Anne Bancroft.

En fin, una comedia más de Mel Brooks. No es la mejor, pero no deja de ser entretenida. En mi opinión se trata de un buen homenaje al cine mudo.

Зеркало (1974)

También conocida como "El espejo".

Estamos en 1935. Una mujer espera a su marido mientras sus dos hijos duermen cerca de ella, pero él nunca llega. Poco después se quema la casa de su vecino. El pequeño Ignat crece con su madre tras el divorcio de sus padres.

Antes que nada, a veces tengo problemas a la hora de poner un año de una película. En general me baso en su fecha de estreno, pero en este caso hay una discrepancia pues técnicamente según los soviéticos fue estrenada en 1974, pero otras fuentes dicen que fue en 1975. Lo que sí sé por seguro es que en otoño de 1974 fue aprobada por el comité de cine soviético.

Ha pasado ya bastante tiempo desde la última película que vi de Andrei Tarkovski a pesar de que recientemente vi una adaptación previa de una de sus películas más famosas, la de "Солярис" (1968). 

Una cosa que sé seguro es que es un director que no defrauda. El primer dato es que hizo 32 versiones previas antes de llegar al que consideró el corte definitivo. Su origen data de 1964, durante varios años estuvo escribiendo diferentes guiones, principalmente porque le costó mucho que lo aprobase el comité de cine soviético.

Antes de ver esta película tienes que tener claro que no es fácil de entender, no hay una trama per se ni una historia continua. Las escenas se suceden y ocurren en diferentes momentos además combina el color y el blanco y negro para dar una sensación de presente y pasado (o flashback), sin embargo también hay futuro. Fácil de explicar no es.

De hecho la primera escena que vemos es de una mujer curando la tartamudez de un chico mediante la hipnosis. Es algo que aún no he conseguido encajar con el resto de las cosas que suceden posteriormente.

Los textos de crédito iniciales empiezan y terminan con el título de la película. Esto es algo que no recuerdo haber visto antes.

Para lograr el efecto del viento creando olas en el campo al principio el director usó dos helicópteros situados de manera que no los captaran las cámaras que encendían sus rotores en el momento indicado.

Un elemento que aparece en buena parte de la película es el agua. Bien sea en forma de lluvia o cuando alguien se lava o se ducha, por ejemplo.

Como dato peculiar, los personajes españoles están intepretados por verdaderos españoles. Que también te digo lo único que muestran de España es un aficionado a los toros, música flamenca y unas calles que parecen de la época de la Guerra Civil. Por cierto, en la versión que he visto esa parte está sin subtitular cuando hablan en español.

Me ha parecido muy curiosa la parte de los globos porque vemos escrito en uno de ellos СССР y en otro URSS. Que viene a ser lo mismo en diferentes alfabetos, pero no por ello es llamativo.

La película avanza mostrando diferentes momentos sin correlación y de vez en cuando inserta vídeos de cosas dispares como videos reales de la Segunda Guerra Mundial, creo que con la intención de reforzar la idea del momento.

Aparte está salpicada por la voz de un hombre leyendo textos (o poemas, al menos los recita como tal).

Evidentemente otro elemento que aparece en buena parte de las escenas son los espejos, a veces de maneras poco sutiles como una mujer que va por la calle llevando uno roto. Aunque no acabo de entender la simbología, lo que representan. Quiero decir, son espejos y los personajes los usan en ocasiones para mirar su reflejo, pero no capto si hay un significado más profundo. Claro que igual es porque no soy de darle demasiadas vueltas a las cosas.

Lo que sí he hecho es leer un poco sobre ella y por lo visto otro elemento clave son los pájaros, los cuales aparecen en diferentes momentos. Según la explicación que he leído el que lanzan a volar al final de la película es el mismo que vimos antes estrellándose contra un cristal, personalmente no acabo de ver la relación. Pero bueno, se supone que su significado es la unión entre el hombre y la naturaleza.

De hecho recomiendo leer sobre ella, porque entenderás mejor las cosas. Personalmente la encuentro un tanto caótica y cuesta un poco ver qué quiere expresar el director con ella. Aunque quizás sea esa su intención y que cada uno busque en ella el significado que quiera entender.

Flame (1975)

También conocida como "Slade in Flame".

Dos bandas rivales terminan siendo arrestadas tras unos altercados. Lo cual hace que terminen hablando y formando un grupo uniendo miembros de ambas, de ahí nace Flame. Durante una entrevista en una radio pirata son atacados con armas de fuego y eso les da mucha publicidad y ocasiona el salto a la fama. Pero efímera como ella misma los miembros terminan por discutir y tras una serie de contratiempos terminan separándose.

Normalmente la hubiera reservado para un especial sobre música, pero dado que no tengo ninguno previsto próximamente la veré ahora.

Slade es una banda británica que se formó en 1966. Son conocidos por temas como "Mama Weer All Crazee Now" y "Cum on Feel the Noize" que fueron versioneados por Twisted Sister y Quiet Riot, respectivamente. Una de sus peculiaridades es que cometían faltas de ortografía adrede en sus títulos.

Sus miembros son Noddy Holder (Stoker), Dave Hill (Barry), Jim Lea (Paul) y Don Powell (Charlie).

Esta película surgió en lo que se considera el principio del primer declive de la banda.

Todos los temas que suenan son de Slade.

Me ha gustado la bromita de una vez metido el cantante en un ataúd (desde el que canta) ponerle un candado para que no pueda salir.

Me cuesta compararla con otras películas de grupos musicales. Por decir algo, no tiene nada que ver con las de The Beatles cuyos argumentos son bastante alocados (eso cuando tienen algo de sentido).

He leído que algunos la consideran una auténtica obra maestra dentro del género de cine musical, lo cierto es que para ser una historia de ficción interpretada por una banda no está nada mal y, de hecho, me hace gracia que la banda real terminase por separarse (aunque fuera momentáneamente) poco tiempo después, supongo que en unas circunstancias muy diferentes.

En todo caso es una banda que me parece muy interesante, musicalmente hablando, en esta película aparecen algunos temas que no me importaría volver a escuchar.

Por lo que he podido entender en su día los fans esperaban algo más ligerito, quizás con un estilo más cómico o relajado, y cuando vieron esta historia tan dramática y con un final tan negativo a muchos no les gustó. Pero no es una mala película, ni mucho menos, simplemente no estaban preparados para ella.

Linda Lovelace for President (1975)

Cambiemos drásticamente de estilo.

Un commité ha de elegir al nuevo candidato a presidente de los EEUU, pero les cuesta ponerse de acuerdo. De repente a una chica se le ocurre proponer a Linda Lovelace. Pero ella primero ha de acudir a su tío Sam para ver qué opina del tema, y tras su aprobación emprende una campaña por todo el país.

Si te preguntas quién es Linda Lovelace (ella misma) quizás esta no sea la mejor película para conocerla, es más quizás deberías empezar por "Lovelace" (2013). Pero bueno, en resumidas cuentas, fue la protagonista de la infame película pornográfica "Deep Throat" (1972), tras la cual salió en "Deep Throat Part II" (1974) y en esta comedia. También ha aparecido en una serie de cortometrajes pornográficos, los cuales perdí hace unos años antes de poder incluir una entrada sobre ellos en el blog, por desgracia.

Acabo de descubrir que algunos afirman que salió también en "Sexual Ecstasy of the Macumba" (1974), en el póster aparece su nombre, pero no lo tengo del todo claro. Sí que sé que en "The Confessions of Linda Lovelace" (1977) usaron una doble a la que nunca le enfocan la cara y de relleno pusieron algunas escenas de "Deep Throat" (1972). Y tanto en "Linda Lovelace Meets Miss Jones" (1975) como en "Exotic French Fantasies" (1974) usaron imágenes de archivo.

Pero bueno, he decidido introducir su presencia en el blog con su título más suave, ya que está calificado como R (o erótico).

La película arranca con la frase "esta película está hecha con la intención de ofender a todo el mundo, independientemente de la raza, la creencia o el color.". Lo cual me parece una forma perfecta de dejar las cosas claras desde bien pronto.

Vemos a Linda desnuda llevando sólo un casco con cuatro estrellas y una cartuchera con dos pistolas plateadas mientras está situada frente a una bandera enorme de EEUU con una marcha militar sonando de fondo, osea está parodiando a "Patton" (1970), curiosamente la vi no hace demasiado.

Desde luego cumplen con lo que prometen. Empieza con una voz en off mientras vemos una serie de imágenes de "gente corriendo para llegar a un lugar", pero de lo más dispares (negros en una canoa, pioneros en sus carretas y cosas así), pero lo bueno viene un poco más tarde cuando aparece un tipo del KKK que se levanta la capucha y vemos que es un negro, luego salen un "indio de sudamérica" realizando el sacrificio de una virgen mientras la gente le aplaude, una tienda de campaña donde se suicida la gente por diversión y un oso fumando (que termina provocando un incendio)... dicho de otra manera está cargadísima de chistes visuales ofensivos incluso para la época en la que fue grabada.

Me ha hecho gracia uno sutil, sale un cartel que pone AA (alcohólicos anónimos) y vemos a unos borrachos, al lado otro que pone AAA (asociación americana del automóvil) con unos mecánicos y luego uno que pone AMA (sería algo así como que te vas de un hospital en contra de lo que te dicen los médicos) y vemos a dos médicos oscultándose el uno al otro.

Me recuerda a dos cosas principalmente, el estilo de humor de "Airplane!" (1980) (pero mucho más caótico) y el de Bennie Hill. Además el principio se parece a la película "Gimme Shelter" (1970) de los Rolling Stones.

Hacen uso de un humo negro para indicar que aún no tienen candidato a la presidencia, como cuando en la iglesia eligen a un nuevo Papa. Luego aparece un mensajero portando una antorcha a modo olímpico, pero en realidad parece un porro enorme.

Salen un montón de carteles con paridas como "Liberad a los periquitos", "Comité para que volvamos a Vietnam", "Partido Nazi Americano", svástika incluida, "bombardeemos Uruguay"...

Tras ser elegida candidata aparece Linda Lovelace rodeada de gente que no para de hacerle preguntas, todas referidas al sexo, a las cuales da respuestas con toques cómicos.

Llevan al límite el "chiste" de que los del sur de EEUU se casan entre parientes. Quizás demasiado.

Pero vamos, eso no es nada comparado con el grupo que va con la protagonista. El nazi, el cura, el tipo que va regalando dulces a los niños, el chino y sus mil estereotipos, el negro con una peluca de afro... y todos tienen su momento.

He leído a alguno clasificarla como "la peor película que ha visto jamás". No es para tanto, de hecho no es excesivamente diferente de otras películas paródicas de los años 70. De hecho lo único que veo diferente es que al incluir a una actriz famosa por hacer porno como protagonista hace que sea más fácil encajar escenas de sexo (no explícitas).

Personalmente me ha hecho gracia a ratos, también es porque hay mil millones de paridas y a la fuerza alguna termina por hacerte gracia. Pero en general no me ha parecido tan mal. Es un poco lo que podrías esperarte.

Barry Lyndon (1975)

Y otro título relevante más.

Barry Lyndon ha crecido en la casa de su tío y allí se enamoró de su prima Nora y por ello decide batirse en duelo con el primer pretendiente que tiene, un capitán. Tras ello huye a Dublín para que no le apresen. Sin embargo tras perder todas sus posesiones en un atraco se ve obligado a ingresar en el ejército. Allí se encuentra con un tipo que conocía al que le disparó y le cuenta que no sólo no murió sino que se casó con su prima.

Es la única película de Stanley Kubrick (de sus más conocidas) que nunca he llegado a ver, así que habrá que solucionarlo. Tras ella me quedarán sólo sus tres primeros trabajos, titulados "The Killing" (1956), "Killer's Kiss" (1955) y "Fear and Desire" (1953), pero eso será para más adelante.

Muchos planos tratan de emular pinturas del siglo XVIII, especialmente de Thomas Gainsborough.

Usaron una cámara que tiene el récord de mayor apertura para poder rodar las escenas iluminadas con velas (las cuales eran especiales, se consumían muy rápido pero hacían más luz de lo normal). De hecho hay un mito sobre esta película según el cual no usaron luz artificial en ninguna escena, pero es falso.

Hay más leyendas, como por ejemplo la de que sólo usaron ropa echa en la época en la que transcurre la historia. Lo cierto es que sí compraron algunas ropas antiguas pero también fabricaron otras para que se pareciesen más a las que se ven en los cuadros que mencioné antes.

O que aunque originalmente tenía en mente rodar una película sobre Napoleón, el hecho de que "Waterloo" (1970) fuese un fracaso no le condicionó para abandonar dicha idea. La verdad es que me hubiera gustado ver una versión de la vida de Napoleón plasmada por Kubrick para poder compararla con la de Abel Gance.

Lo que sí es cierto es que Kubrick hizo repitir a los actores algunas escenas decenas de veces, como era su costumbre, para encontrar diferentes matices.

Está dividida en dos partes más un epílogo, debido a su larga duración.

La película arranca con una escena de un duelo a muerte con pistolas y por algún motivo nunca los había asociado a los del salvaje oeste.

Lo siguiente que vemos es al protagonista mostrándonos el dicho popular "cuanto más primo más me arrimo".

En la escena de la pelea vemos como el protagonista finta y se mueve muy bien. El actor no tuvo que entrenar pues había practicado boxeo previamente.

El primero entrentamiento armado resulta un tanto estúpido. Los soldados ingleses marchan hacia sus rivales quienes no cesan de dispararles.

Tiene un intermedio a la hora y 40 minutos, poco más o menos. Tras ello pasamos a la segunda parte.

Un detalle peculiar es que no nos cuentan toda la historia porque hay partes en las que no se saben a ciencia cierta qué sucedió. Me hace gracia en cierta manera, debido a ello no sabemos cómo terminó el protagonista aunque nos dan una vaga idea.

Es una película que si conoces un poco más sobre los detalles de su grabación creo que la disfrutas más. He visto varios detalles que han sido repetidos en títulos posteriores y por ello no me ha sorprendido en exceso lo que es la trama en sí, pero visualmente hablando se nota que han cuidado mucho los detalles, en varios momentos parece que estemos viendo cuadros que han cobrado vida, es fascinante.

Además Kubrick echa mano en varias ocasiones de un recurso que hace que parezca un cuadro, el de empezar encuadrando un detalle y poco a poco ir alejando la cámara mientras los personajes apenas se mueven.

Definitivamente me tengo que animar a ver el resto de sus títulos, por mera curiosidad.

Chinatown (1974)

Otro clásico más.

Jake J. Gittes es un investigador privado. Ha recibido el encargo de averiguar si el esposo de una mujer está viéndose con otra pero en mitad de la investigación aparece la verdadera esposa, cosa que le trastoca bastante, más aún cuando aparece el cadáver del esposo.

Dirigida por Roman Polanski. Hace un pequeño papel como "el hombre con un cuchillo", me acabo de dar cuenta que tien gracia decirlo así porque no es demasiado alto.

El reparto está encabezado por Jack Nicholson (J.J. Gittes), es considerado como su mejor papel, en mi opinión encaja perfectamente en él, pero no creo que haya que desmerece el resto que ha interpretado. Faye Dunaway (Evelyn Mulwray), poco después saldría en "Network" (1976), su película más destacable. John Huston (Noah Cross), al año siguiente rodaría "The Man Who Would Be King" (1975). John Hillerman (Yelburton), conocido por "Magnum, P.I.". James Hong (el mayordomo), conocido por "Big Trouble in Little China" (1986). Y Burt Young (Curly), conocido por la saga "Rocky" (1976).

La escena en la que Nicholson abofetea repetidamente a Dunaway tuvo que ser repetida en varias ocasiones, finalmente ella, cansada, le dijo que le golpease realmente, cosa que hizo. Él se sintió culpable por ello, pero es la toma que dejaron en la película.

Originalmente el guión tenía las frases de la voz en off del protagonista pero Polanski las eliminó para que la audiencia descubriese cada pista a medida que lo hiciera el detective.

La Chinatown original de Los Angeles estuvo desde el año 1933 a 1936 cuando fue demolida. En 1938 crearon una nueva, a unos pocos bloques de distancia. Con lo cual hubo un espacio de tiempo en el que no existía, se supone que es cuando transcurre la película, pero eso no tiene demasiado sentido viendo su final.

No tiene una secuela per se, pero sí hubo una segunda película basada en el mismo personaje titulada "The Two Jakes" (1990), dirigida por Jack Nicholson, y había pensada una tercera cuya historia terminó siendo parte de "Who Framed Roger Rabbit" (1988).

De hecho la escena con la que arranca es una de las que homenajean en la película del conejo, concretamente cuando se pone a mirar las fotos de Jessica haciendo manitas.

Pero pero pero... ¿qué es ese final? no me esperaba para nada. Menuda brutalidad. No voy a contar nada porque recomiendo mucho que la veáis.

Por cierto, es cierto que Jack Nicholson aparece en todas las escenas de la película.

Entraría dentro del género detectivesco y no se deja ninguno de los tópicos, salvo como mencioné antes lo de la voz en off. Y personalmente lo agradezco, la eché de menos pero eso hace que te inmersas más en lo que va sucediendo y trates de encontrar las pistas. Dicho lo cual hay un par de cosas que parece que el protagonista se las saque de la manga, como lo de la residencia de ancianos, pero bueno.

Es una de esas películas que no sabía muy bien por donde iban a ir los tiros y lo cierto es que si lees sobre los temas que hablan (como lo de la presa que se rompió y mató a 400 personas) resulta fascinante.

Ultimo tango a Parigi (1972)

Otra película polémica.

Jeanne es una joven que busca alquilar un piso en París. En el primero que visita se encuentra con Paul y acaban practicando el sexo. Desde entonces usan el piso para encontrarse, aunque sin intercambiar sus nombres. Él huye de su tristeza tras haber perdido a su esposa, ella tiene pareja y están grabando un documental sobre la infancia de ella.

Dirigida por Bernardo Bertolucci. De él he visto "Novecento" (1976), "The Last Emperor" (1987) y "Little Buddha" (1993). Era lógico que lo siguiente fuese uno de sus títulos más conocidos.

Protagonizada por Marlon Brando (Paul) y Maria Schneider (Jeanne). Según ambos al rodarla "se sintieron violados por el director" y por ello no volvieron a dirigirle la palabra. Claro que años más tarde Brando dijo en su autobiografía que Bertolucci fue uno de los mejores directores con los que había trabajado.

Y en realidad tiene bastante sentido (al menos por parte de la actriz) que le acusasen de conducta poco decorosa pues la escena en la que Paul usa mantequilla para lubricar a Jeanne fue improvisada por Brando y luego defendida por el director aludiendo que quería captar la reacción real de ella como mujer y no la del personaje. Ella posteriormente confesó que las lágrimas fueron reales, lo cual cobra mucho más sentido si tenemos en cuenta que era virgen cuando rodó la película. Tuvo que ser una experiencia traumante.

Brando ponía cintas con frases escritas en el cuerpo de la actriz por su dislexia, aparte que se le olvidaban. Además improvisó bastante porque no le gustaban algunas de las cosas que decía su personaje originalmente.

Marlon Brando desmintió que se negase a mostrar su desnudo frontal porque "su pene se había encogido como una nuez en el plató".

Fue prohibida en Chile durante 30 años y en Italia hasta 1987. En España también fue prohibida, eso hizo que la ciudad de Perpiñán fuera invadida por curiosos españoles que querían verla (fue bastante sonado en su momento).

La versión original duraba más de 4 horas, la que voy a ver yo dura 2.

La famosa escena de la mantequilla no me ha parecido nada del otro mundo, aunque en parte es porque mientras veía esta película no podía dejar de pensar en lo mucho que se parece a "9½ Weeks" (1986).

Sin embargo sí hay una parte que me ha resultado la mar de peculiar, cuando él le dice "quiero que te folles un cerdo y que te vomite y te lo tragues" y ella dice "sí, sí" mientras le mete los dedos por el culo a él.

En esencia es un encuentro sexual que sucede casualmente y que se convierte en algo habitual entre ambos, independientemente de lo que les sucede en su vida. Es su escape, su manera de desconectar y de estar alejados de todos y de todo. Su secreto, su forma de vivir una fantasía y llevarla hasta puntos que jamás harían con otra persona.

Entiendo hasta un cierto punto que causase polémica en su momento, pero creo que han habido directores posteriormente que han ido bastante más allá. Sin pensar demasiado me viene a la mente Lars von Trier.

The Last House on the Left (1972)

Aquí la titulamos "La última casa a la izquierda".

Mari Collingwood es una chica muy popular que tiene sólo 17 años.ella y su amiga Phyllis Stone van a un concierto. Antes de entrar deciden comprar algo de hierba pero el tipo que se la quiere vender las lleva a su casa y allí caen en manos de un grupo de delincuentes recién fugados de la cárcel. Al día siguiente las meten en su coche y se las llevan pero se quedan tirados y las llevan a un bosque cercano.

Una de las primeras cosas que he descubierto es que se trata de un remake de "The Virgin Spring" (1960), de Ingmar Bergman. Así que me la apunto para ver más adelante.

El debut en la silla de director de Wes Craven. Cuando fue a que la valorasen la MPAA le quiso poner una calificación X, así que quitó parte del metraje y volvió y de nuevo le pusieron una X. Así que cogió, volver a poner el metraje original y fue a un amigo suyo que formaba parte del comité y le puso una R, que era lo que él quería.

Además fue una colaboración son Sean S.Cunningham, quien aún no era conocido.

Curiosamente originalmente fue planteada como una película pornográfica y de hecho los actores estaban dispuestos a ello, pero luego el director cambió de idea cuando un actor le convenció. En aquella época Craven se dedicaba únicamente a la edición de películas pornográficas y poco tiempo después dirigió una titulada "The Fireworks Woman" (1975).

Era habitual que en los cines cortasen escenas, así que Craven terminó estableciendo una oficina especial dedicada a restaurar las copias.

Cuando fue estrenada en vídeo agregaron un texto al final en el que decían que habría una secuela dirigida por Danny Steinmann, pero nunca la hicieron.

Del reparto destaca el nombre de Martin Kove (oficial de policía), salió en "The Karate Kid" (1984) y "Death Race 2000" (1975). Las dos actrices que interpretan a las protagonistas hicieron películas porno poco después.

Lo primero que me llama la atención al verla es la manera tan casual con la que se toman cosas como las violaciones y asesinatos al oír hablar de ello por la radio o al leer el periódico. De hecho describen a uno de los tipos como un violador de niñas como si fuera lo más normal.

Sabiendo que originalmente era una porno se nota bastante que algunas escenas eran el preludio de sexo. Un gran ejemplo es la parte de los padres preparando la tarta de cumpleaños.

No queda muy claro si Phyllis se mea realmente o si fue un efecto especial porque hay dos versiones de la historia. Personalmente apostaría por la de los efectos especiales.

Hay que ponerse en situación para entender por qué causó tanta polémica en su día. Hay un par de escenas bastante fuertes en las que llegamos a ver como le sacan las tripas a una de las chicas o la manera en la que asesinan salvajemente.

De todo lo que sucede lo más absurdo es la inutilidad de la pareja de policías. Exagerada es poco decir.

Además está grabada de una manera muy cruda, con algunas posiciones de cámara un tanto peculiares.

Tras verla tengo claro que fue la inspiración principal de "Day of the Woman" (1978) y con la parte de la motosierra también me viene a la mente la saga "The Evil Dead" (1981). Tiene también cierto aroma a John Waters.

Pero bueno, fue solo un paso más en las películas slasher/gore que empezaron a aparecer pocos años más tarde, uno de los más importantes sin duda.

Ben (1972)

Nada que ver con Kenobi.

La policía encuentra el cadáver de Willard en su ático, pero no ven ninguna rata. Esto es porque Ben las tiene controladas mientras observa lo que sucede. Pero se ve obligada a actuar cuando un policía encuentra uno de sus escondrijos y entonces el inspector jefe ordena que fumiguen la casa. Ellas escapan y van a la casa de un niño llamado Danny.

En cierta manera me quedé con ganas de echarle un ojo cuando vi "Willard" (1971), la primera parte, pero lo dejé estar en su momento y sólo la dejé apuntada para más adelante. Me alegro de haber dado con ella, además he dado con una edición sin censura.

Empecemos por el significativo detalle de que el tema musical lo puso Michael Jackson. De hecho fue un éxito en su momento.

En la primera película usaron unas 500 ratas entrenadas, en esta 4000. Tenían intención de hacer una tercera película con 10.000 ratas, pero nunca llegó a suceder.

La historia es completamente nueva, a diferencia de la primera parte que estaba basada en una novela.

Durante los créditos de inicio vemos el final de la primera película, pero no oímos el sonido original sino una canción. En dichas imágenes vemos como Ben y sus ratas matan a Willard.

Muestran varias veces escenas de personas mirando con miedo hacia los diferentes lugares en los que van sucediendo los asesinatos de las ratas. Es un poco el sentimiento que quieren transmitir a los espectadores. Y si las ratas te provocan alguna aversión creo que lo lograrán si la ves.

No sabría asegurar con certeza qué escenas fueron cortadas pero tengo la impresión de que una fue la de las ratas colándose en un supermercado para comer.

El trabajo policial es constante pero no parece ser eficaz, de hecho tengo la impresión de que no capturan una sola rata a pesar de todo el veneno y trampas que ponen en el vecindario.

Danny tiene un póster que pone Tomorrowland en su habitación. No sabía que le gustase tanto la música electrónica. Porque dudo mucho que sea por Disneyland, no tendría ningún sentido.

Es una película que ha sido influencia de títulos posteriores, no me cabe la menor duda. Aquello del niño que se hace amigo del "bicho" y que se preocupa más por él que por el resto de personas. También lo de que es débil, o está enfermo, y por ello se refugia en su mundo sin apenas tener contacto con los demás.

Me ha gustado. Ahora me queda por ver el remake de la primera película, pero eso lo dejo para más adelante.

Wake In Fright (1971)

También conocida como "Outback". Aquí la titulamos "Despertar en el infierno".

Estamos en Tiboonda. John Grant es el profesor del colegio se dispone a viajar a Sidney para visitar a su novia durante 6 semanas. Primero toma un tren a un pueblo llamado Bundanyabba donde ha de pasar una noche antes de continuar.

Durante muchos años estuvo perdida debido a que las dos compañías productoras se disolvieron tras el fracaso que supuso su estreno. En 1999 la CBS compró lo que habían dejado pero hasta el 2002 no dieron con una copia parcial de la película cuando estaba a punto de ser destruida. En el 2004 encontraron una íntegra (con algunos de los negativos originales) que es la que restauraron digitalmente.

Aparte en el 2017 hicieron un remake en forma de miniserie para televisión titulado "Wake in fright".

Dirigida por Ted Kotcheff. Es el mismo que ha dirigido tanto "First Blood" (1982) como "Weekend at Bernie's" (1989), cosa que me rompe un poco la mente.

El actor Chips Rafferty (Jock Crawford) exigió que le pusieran pintas de cerveza real en las escenas del bar. Llegó a beberse unas 30 por día.

Según que versión veas tiene un mensaje de advertencia ligeramente diferente. En la australiana decía que las escenas de caza de los canguros son reales y que fueron grabadas por unos profesionales. En la estadounidense incluían el detalle de que no fueron grabadas adrede para la película.

Los billetes falsos estaban tan bien hechos que dos extras intentaron pagar con ellos pero terminaron arrestados.

Al principio Charlie, el barman, menciona a Ned Kelly, de quien ya he visto una película. Concretamente "The Story of the Kelly Gang" (1906).

En las películas australianas una de las cosas que siempre me gusta ver son los paisajes y esta no es una excepción. Vemos amplias zonas de terreno despejadas.

Alguien se ha molestado en contar cuantas veces vemos a alguien bebiendo cerveza o whiskey. Son 107 en total.

El "ritual" de bajar las luces y quedarse en silencio en un momento dado en los bares australianos se sigue haciendo hoy en día. Es para recordar a los caídos.

Donald Pleasence (Doc Tydon) hace su primera aparición a los 24 minutos. Es un actor conocido por la saga "Halloween" (1978), ha salido en "You Only Live Twice" (1967), "The Great Escape" (1963) y "Nosferatu a Venezia" (1988).

La constante en esta película es que todos hacen beber cerveza al protagonista.

En la parte de la caza nocturna de canguros vemos bastantes detalles interesantes. Como las "peleas" con los animales una vez están heridos. O como el protagonista pasa definitivamente a formar parte del grupo (o del pueblo).

Es un lugar en el que uno podría esta viviendo eternamente a base de beber cerveza, cazar canguros y acostarse con alguna de las mujeres de forma casual, sin compromisos. Sin embargo el protagonista prefiere volver a su rutina.

Había leído que es una película demasiado realista, yo en cambio lo veo como algo utópico. Por ejemplo no tiene sentido que dispongan de tanto dinero como para poder pagar la cantidad de cerveza que llegan a beber sin pegar un palo al agua.