Going in Style (2017)

Aquí la titulamos "Un golpe con estilo".

Tres jubilados han perdido sus pensiones cuando la empresa para la que trabajaban trasladó su negocio a Vietnam así que deciden robar el banco que gestiona dicha transacción, el mismo que han usado durante décadas, y recuperar lo que les corresponde.

Se trata del remake de "Going in Style" (1979).

Dirigida por Zach Braff, quien además hace un cameo poniendo la voz del anestesiólogo de Al. Es famoso por protagonizar la serie "Scrubs".

El trío principal son Michael Caine (Joe Harding), Alan Arkin (Albert Garner) y Morgan Freeman (Willie Davis). Es la séptima vez en la que Caine y Freeman trabajan juntos.

Del reparto destacan Ann-Margret (Annie Santori), salió en "Tommy" (1975). Matt Dillon (Agente del FBI Arlen Hamer), hace poco le vimos en "The House That Jack Built" (2018). Joey King (Brooklyn Harding), salió en la serie "Fargo". Christopher Lloyd (Milton Kupchak) famoso por "Back to the Future" (1985). Kenan Thompson (Keith Schonfeld), conocido por el "Saturday Night Live".

Kenan hace un papel muy a su medida. De hecho yo creo que simplemente se dedica a hacer de sí mismo.

La película que miran antes del robo es "Dog Day Afternoon" (1975).

Entre los coches que salen cuando están eligiendo el que usarán en el robo hay un Mini Cooper (en referencia a "The Italian Job" (1969)) y una furgoneta que pone "Mistery Machine" de "Scooby Doo, Where Are You!". También salen un Capri MkI de 1970, un Chevrolet Camaro de 1969 y un Ford Mustang de 1968.

Es una película que carece de sorpresas en cuanto al argumento. Lo más interesante, en mi opinión, son algunas de las actuaciones como por ejemplo la de Christopher Lloyd y su alzheimer.

Pero bueno, tampoco se le puede pedir demasiado. Es entretenida y tiene algún que otro momento simpático como cuando Alan Arkin habla de su vida sexual con el agente del FBI.

The Time Machine (2002)

Aquí la titulamos "La máquina del tiempo".

Estamos en 1898 en Nueva York. Emma, la prometida del profesor Alexander, es asesinada durante un atraco. Durante cuatro años él vive obsesionado por recuperarla y termina construyendo una máquina del tiempo.

El director Simon Wells es el bisnieto de H.G.Wells, autor de la novela original.

Protagonizada por Guy Pearce (Alexander Hartdegen), conocido por "Memento" (2000) y "L.A. Confidential" (1997). Mark Addy (David Philby), salió en "A Knight's Tale" (2001) y "The Full Monty" (1997). Jeremy Iron (el Über-Morlock), conocido por "Lolita". Orlando Jones (Vox), salió en "Evolution" (2001).

Jeremy Irons hizo de H.G. Wells en "From Time to Time" (1992).

Fue una de las películas afectadas por el ataque a las Torres Gemelas. Iba a ser estrenada en Diciembre del 2001 pero la retrasaron hasta Marzo del 2002 por la escena en la que una lluvia de meteoritos destruye Nueva York.

Las fechas que aparecen en la película son, por orden, el 18 de Enero de 1899, el 3 de Febrero de 1903, el 24 de Mayo de 2030, el 26 de Agosto del 2037, Julio del 802.701, el año 635.427.810 y el 10 de Febrero de 1903.

Aunque adapta una novela hace un guiño a la versión que hicieron en 1960 con la escena en la que vemos la evolución de la ropa a lo largo del siglo XX en los maniquíes. De ella reaparece el actor Alan Young quien interpretó a Filby, aquí hace de florista.

En dicha versión el protagonista se llama George (de hecho es H.G. Wells) y aquí Alexander. Puede parecer una incoherencia pero no realmente. Para empezar están situadas en ciudades diferentes (la primera Londres, esta Nueva York) y, aparte, en la novela original el protagonista no tenía nombre, se refieren a él como "el viajero del tiempo".

La principal crítica que recibió en su momento es el diseño de los Morlocks. Están inspirados en la cabeza gigante que salía al final de la versión de 1960.

El final lo cambiaron, originalmente querían que cuando Alexander viaja al futuro se viera el crecimiento de una nueva civilización porque los Eloi conseguían acabar con los Morlock.

Personalmente es una película que me gusta, quizás no sea la mejor interpretación de la novela original pero Guy Pearce hace muy buen papel y las partes con Orlando Jones me siguen pareciendo geniales.

History of the World: Part I (1981)

Aquí la titulamos "La loca historia del mundo".

La historia del mundo partiendo de la época de los cavernícolas, pasando por los romanos, los vikingos, la inquisición y la revolución francesa.

Dirigida, escrita, producida y protagonizada por Mel Brooks (Moises, Comicus, Torquemada, Jacques, Rey Luis XVI). Es la película en la que hace más papeles. Aparte también compuso un par de canciones.

En el resto del reparto tenemos nombres como Dom DeLuise (Emperador Nero), conocido por "The Cannonball Run" (1981). Madeline Kahn (Emperadora Nympho), salió en "Young Frankenstein" (1974). Gregory Hines (Josephus), salió en "The Cotton Club" (1984), fue su debut en el cine. Aparte tenemos los cameos de Hugh Hefner (Emprendedor), John Hurt (Jesús) y Bea Arthur (Dependienta de la oficina del paro).

Orson Welles puso su voz para el narrador. Fue su última vez narrando una película y le pagaron 25.000 dólares por ello por un error de Mel Brooks quien le propuso 5.000 dólares diarios y le adelantó 5 pagas, Welles hizo todo el trabajo en uno.

Richard Pryor era el elegido para hacer de Josephus pero justo antes de empezar el rodaje sufrió el incidente en el que se prendió fuego estando drogado.

La aparición de Hugh Hefner no es casual, en la escena de las vírgenes vestales las chicas que aparecen son conejitas Playboy.

El uso de "Así habló Zarathustra" de Strauss en la primera escena imita "2001: An odyssey in space" (1968).

Es bastante obvio que lo de Moises y sus tablas es una referencia a "The Ten Commandments" (1956), Mel Brooks incluso viste igual que Charlton Heston.

La escena de Moisés fue improvisada rápidamente reusando las cuevas de los cavernícolas. La idea original era saltarse la parte de la biblia pero Mel Brooks se percató de que sería un gran gag y lo hizo.

Las 3 tablas de los mandamientos están escritas en hebreo y lo que pone es real. Osea se puede leer "No matarás, no robarás, no mentirás...". En la tabla que se le cae a Moisés y se rompe ponía "No embarazarás, no reirás, no comprarás, no romperás".

En VO cuando le preguntan a Josephus de donde proviene él dice que es de la calle 125ª. Es la considerada calle principal del barrio de Harlem. En la versión doblada dice "De Harlem, 5ª avenida", imagino que es la única manera de hacer que tenga sentido aquí.

La parte en la que un siervo de la corte susurra "recuerda que eres mortal" está basada en hechos reales.

Tras la comprobación de los eunucos Josephus sale corriendo, se gira momentáneamente y parece que se le vea la polla empalmada. En realidad se trata del aparato que usaron para simular su erección.

En un momento dado Josephus se cruza con un hombre ciego llamado Edipo y le dice "Hey, motherfucker". Es una referencia bastante sutil, Edipo tras matar a su padre se casó con su madre y posteriormente se sacó los ojos. Eso la versión doblada no está traducido.

Aunque quizás se pierdan algunos chistes en la traducción se ganan otros juegos de palabras geniales. Personalmente uno de mis favoritos el del "papirus pal porrus".

A pesar de llamarse "la historia el mundo" en inglés de repente aparece Moisés en las afueras de Roma y separa las aguas el Mar Rojo. Es sólo la primera muestra de cómo pasan de todo en esta película.

La canción "Road to Judea" es una parodia del tema de "Road to Morocco" (1942).

En la escena de la inquisición, las bailarinas en el agua (bueno, las monjas) parodian un número de "Million Dollar Mermaid" (1952).

Mel Brooks estaba preocupado por el número musical de la inquisición sin embargo tras unos pases previos descubrió que era uno de los que mas gracia hacía al público y decidió dejarlo. Personalmente opino que es una de las canciones más pegadizas y todo el numerito es genial.

El ajedrez humano que aparece en la época de Luis XVI es una referencia a "The Three Musketeers" (1973).

En la escena del funeral vikingo el barco que aparece está sacado de la película "The Vikings" (1958).

Aunque al final vemos un pequeño adelanto de la segunda parte nunca llegó a suceder. Es otro chiste más. Aunque he de decir que ya hicieron algo así en "Attack of the killer tomatoes" (1978).

Personalmente la recordaba muy bien, principalmente porque la he visto multitud de veces. Es una de esas películas que me hubiera encantado que la hubieran continuado, incluso ignorando las escenas post-créditos, porque Mel Brooks estaba muy ocurrente.

The Odd Couple (1968)

Aquí la titulamos "La extraña pareja".

Felix Ungar alquila una habitación de hotel con intención de suicidarse pero al ir a abrir la ventana para saltar le da un tirón en la espalda y decide ir a ver a su amigo Oscar. Al final Oscar decide acogerle en su casa.

Basada en la obra de teatro de Neil Simon estrenada en 1965 con un total de 966 pases. La película fue el mayor éxito de la Paramount desde "The Ten Commandments" (1956).

Curiosamente no se hicieron varias series basadas en el mismo argumento y el remake alemán "Ein seltsames Paar" (2004). Además tuvo una secuela titulada "The Odd Couple II" (1998) donde repitieron los protagonistas.

Antes de ésta película Jack Lemmon (Felix Ungar) había salido en títulos como "Irma la Douce" (1963) y "The Apartment" (1960). Por su parte Walter Matthau (Oscar Madison) había salido en "Charade" (1963) y había hecho mucha televisión.

La segunda de las 10 veces en las coincidieron los actores Jack Lemmon y Walter Matthau en una película.

Walter Matthau ya había interpretado a Oscar en la obra de teatro y le preguntó al director si podría ser Felix en la película para que así fuese un reto interpretativo. El director le dijo que "fuese a ser un actor en la obra de cualquier otro. Por favor sé Oscar en la mía" y aceptó.

Estoy viéndola en versión doblada al castellano (porque me da pereza buscar otra) y me he dado cuenta de que han traducido literalmente algunas de las expresiones que usan en VO como "estar en traje de Eva" o "agua que pasa bajo el puente". Suenan un tanto raro aunque se puede intuir bien qué significan incluso sin conocerlas.

La genial frase: "evité que te suicidaras y ahora quiero asesinarte".

La mejor parte de la película es cuando se dejan de hablar. Al menos es la que más me ha hecho reír.

Es una gran comedia con unos personajes difíciles de olvidar. Personalmente me ha divertido volver a verla, de hecho me ha gustado redescubrir la música de inicio la cual ha sido reusada en múltiples ocasiones posteriormente. Y la relación entre los dos actores protagonistas es similar a las de otras películas donde trabajaron juntos pero sus perfiles son muy característicos.

III (2015)

Un poco de terror ruso.

Dos hermanas acaban de perder a su madre debido a una enfermedad. Poco tiempo más tarde una de ellas, Mirra, enferma también y en el pueblo donde habitan deciden dejar morir a los enfermos, pero Aya, la otra hermana, no quiere abandonarla y se van a vivir a la iglesia local. Allí el cura le explicará como hacer un ritual que quizás pueda curar a Mirra.

Lo que hace el aburrimiento, buscando películas de forma aleatoria en Netflix di con ella. Decidí verla para poder practicar un poco el ruso y lo cierto es que he entendido más de lo que anticipaba.

La historia en sí es un tanto extraña. Empieza con un tipo en un hospital que parece que lo secuestren y de repente se despierta en medio de un bosque. No tengo ni idea de qué significa ni qué conexión tiene con el resto de cosas que suceden.

Personalmente opino que la peor parte es el apartado visual. Por algún motivo usan unos filtros de imagen de poca monta (tipo los del Instagram) que empobrecen la imagen la mayor parte de las veces.

Pero luego hay escenas como la del "zombie" que sale de un árbol que están muy bien hechas. Otra muy buena es cuando las chicas se tienen que afeitar la cabeza para realizar el ritual, es sencillo pero funciona visualmente.

Personalmente me gusta la idea de usar un reparto minimalista y cómo van desarrollando la historia y los personajes.

Me ha recordado un poco a "The Cell" (2000), básicamente es la misma idea de meterse en la cabeza de otra persona para sanarla.

Sin embargo me hubiera gustado ver más desarrolladas algunas de las subtramas, cuentan cosas que parecen muy interesantes pero se quedan un poco en el aire.

Visualmente es bastante atractiva (a pesar de los filtros), la historia está bien (especialmente la parte final), pero creo que se queda corta en algunas partes. No es lo peor que he visto este año, tampoco lo mejor.

La cité des enfants perdus (1995)

Aquí la titulamos "La ciudad de los niños perdidos".

Los niños de una ciudad están siendo secuestrados por un científico llamado Krank para robarles sus sueños y nadie parece poder hacer nada al respecto. Pero One decide pasar a la acción cuando se llevan a su hermanito y además cuenta con la ayuda de Miga, una huérfana que se encuentra en la calle.

Dirigida por Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet. Curiosamente vi su primera película, "Delicatessen" (1991), y me llamó muchísimo la atención, tanto que cuando me enteré de que iban a sacar ésta estuve atento para verla y resultó algo tan diferente que me encantó. Posteriormente hicieron "Alien: Resurrection" (1997), aunque Caro sólo se involucró en el departamento artístico.

Protagonizada por Ron Perlman (One), conocido por títulos como "Hellboy" (2004) o "Der Name der Rose" (1986). Judith Vittet (Miga), fue su segunda película y dejó de la interpretación dos años más tarde. Dominique Pinon (El hombre de la escafandra/Los clones), un habitual del cine de Caro y Jeunet.

Para lograr el color peculiar que tiene la película los actores se maquillaban la cara de color blanco y luego la imagen era retocada en post-producción para alcanzar el tono de piel normal.

"El pulpo" son dos gemelas unidas por una pierna. Las actrices no lo estaban realmente, usaron una tercera pierna ortopédica para lograr dicho efecto, el problema es que no podían andar con ella así que en ningún momento se las ve moviéndose cuando muestran su cuerpo entero.

Ron Perlman no hablaba francés, se aprendió sus frases de memoria. Posteriormente declaró que en su opinión su francés era muy malo.

A Perlman le mordió el perro atado a la polea. A Vittet le mordió el ratón con el imán atado a la cola.

La estética Steampunk está omnipresente tanto en la guarida de los villanos como en los aparatos que usan. Me acabo de percatar de que está influenciada por "Brazil" (1985).

La parte que más me impresionó en su día es la de la pulga amaestrada que inyecta la fórmula que vuelve locos a los "cíclopes". Es una de las pocas veces en las que un efecto digital me sigue pareciendo bien hecho.

Otra cosa de la que me acabo de dar cuenta es que el flashback del origen de los clones guarda algunas similitudes con la película "Alien: Resurrection" (1997).

Los tatuadores en teoría son chinos (la decoración y las letras de la vitrina así lo indican), sin embargo hablan en vietnamita.

Para Perlman la escena más difícil de rodar fue la que golpea sin piedad a Miga.

Una de las mejores escenas es la de la cadena de hechos que suceden desde que Miga suelta una lágrima hasta que un barco choca con el muelle.

Tampoco es que parezca demasiado necesario un mapa para evitar las minas gigantescas que flotan en el mar.

Otro de los efectos especiales más impresionantes es el de el envejecimiento / rejuvenecimiento en el mundo de los sueños.

Es una película que no te deja indiferente, desde luego. Además tengo la impresión de que se lo pasaron en grande grabándola. Personalmente me encanta la estética, la manera en la que reúne elementos de diferentes géneros sin terminar por decantarse por ninguno en particular y la manera tan brillante de filmar algunas de las escenas.

House of the Long Shadows (1983)

Aquí la titulamos "La casa de las sombras alargadas".

Un escritor apuesta con su editor que puede escribir una novela en 24 horas. El amigo le invita a ir a una mansión en Gales llamada "Bllyddpaetwr Manor" para poder estar tranquilo. Pero al llegar allí no para de aparecer gente en dicho lugar y no están muy claras sus intenciones.

Basada en la obra de teatro "Seven keys to baldpate" de George M.Cohan, estrenada en 1913 con un total de 320 pases. Fue una de siete adaptaciones que tuvo (aunque son todas anteriores a 1950).

Ésta es una de esas películas que descubrí gracias a una recomendación de un amigo y que me volvió loco la primera vez que la vi. Y aún así recientemente descubrí cosas sobre ella que la subieron aún más en mi escala personal de películas favoritas, que ya es.

Dirigida por Pete Walker, fue su última película. Suyas son también "School for Sex" (1969), "Man of Violence" (1971) y "House of Mortal Sin" (1976).

En el reparto destacan los nombres de Vincent Price (Lionel Grisbane), Christopher Lee (Corrigan), Peter Cushing (Sebastian Grisbane) y John Carradine (Lord Elijah Grisbane).

Es la 24ª y última película en la que trabajaron juntos Christopher Lee y Peter Cushing. Además de ser la única en la que coincidieron con John Carradine y Vincent Price.

Los actores de renombre van apareciendo a cuentagotas a medida que avanza la historia. Me imagino que es para que cada uno tenga su presentación y su pequeño momento, aunque también para no prevalecer sobre los demás poniéndose a un mismo nivel. Y funciona, cuando por fin están juntos ninguno de ellos está por encima.

Me recuerda muchísimo a "The Old Dark House" (1963). La tormenta al llegar a la mansión, el coche estropeado, el agua para lavarse cambiada por ácido, la propia mansión, la familia un tanto peculiar... Aunque cambiando la comedia por terror.

Es una película que le da un nuevo sentido al término "casa encantada", los giros argumentales del final son la mejor parte pero no por ello desmerece el resto.

Kárate a muerte en Torremolinos (2003)

Hora de algo con acento castellano.

En las costas de Torremolinos se encuentra Jocántaro, un monstruo mitad pulpo mitad centollo. El Dr.Malvedades hace un sacrificio en su localización para iniciar el ritual que le devolverá a la vida, empezando por sus sirvientes.

Recuerdo que cuando salió apenas le presté atención, tardé unos  años en verla y la verdad es que me lo pasé en grande. La definiría como una producción Troma al estilo español.

Empezando por el título, un claro homenaje al título que le pusimos aquí a la película de Bruce Lee "Tang shan da xiong" (1971), osea "Kárate muerte en Bangkok".

Destacan las apariciones de Jesús Franco (Miyagi) y de Lina Romay (voz de Cristina). Hay una pequeña referencia a ellos con la aparición de un tal Dr.Orloff.

Y es que es una película que no se debe tomar para nada en serio. Con una calidad cercana a una producción casera se trata de un homenaje a toda una serie de géneros con los que crecimos.

La BSO es genial. Es de las que no me canso de escuchar. Y más concretamente las canciones de estilo surf rock son lo mejor.

La primera chica que secuestran, cuando está atada en la silla con sangre en la cara parece un homenaje a "The Texas Chain Saw Massacre" (1973).

Chuck Lee es también un homenaje a Chuck Norris y a Bruce Lee.

Es una película hecha para fans de lo cutre. Tiene escenas de acción al más puro estilo karateka, surferos católicos, zombies, monstruos... no se puede pedir más.

Jodorowsky's Dune (2013)

Como comenté en la entrada de "Dune" (1984) Alejandro Jodorowsky es quien empezó el proyecto de adaptar el libro "Dune" y se pasó 5 años sin llegar a ninguna parte. Éste documental trata sobre el periplo conocido como "la mayor película de ciencia ficción nunca filmada".

El documental empieza con el director hablando en español e inglés. Lo primero que comenta es que su intención era hacer una película en la que mostrar a la gente que tomaba LSD en los años 70 los efectos de dicha droga.  Él quería que la película fuese como la llegada de un dios.

Seguidamente hablan algunos que se involucraron en el proyecto (principalmente el productor Michel Seydoux) y uno que dice ser la única persona que ha sido espectador de la película porque una noche Alejandro le mostró los storyboards (un libro enorme) mientras le explicaba qué sucedía en cada escena.

Pasamos a repasar la filmografía de Jodorowsky. Empezando por "Fando y Lis" (1968) que causó una revolución en el cine mexicano, luego el éxito de "El Topo" (1970) que le generó ingresos suficientes como para poder rodar "La montaña sagrada" (1973) en la que hizo lo que le vino en gana y también fue un gran éxito lo cual hizo aumentar la ambición del director.

En 1974 se propuso filmar "Dune", con total libertad. Lo primero fue contactar con el artista Jean Giraud (aka Moebius) quien realizaría los storyboards, más de 3000 dibujos, y empezó el rodaje.

Seguidamente pasamos a un recorrido por dichos storyboards. La película empieza con un viaje muy muy largo de la cámara a través del espacio.

Douglas Trumbull era el elegido para los efectos especiales, era el artista número del momento tras haber hecho "2001: A Space Odyssey" (1968) pero tras conocerle no acabó de convencerle al director su manera de ser. Tras ver "Dark Star" (1974) eligió a Dan O'Bannon.

El grupo que iba a componer la BSO tenía que ser Pink Floyd quienes parecieron muy interesados en realizar un disco conceptual.

El primer actor elegido para hacer de Leto Atreides fue David Carradine.

La siguiente escena de la película es sobre Leto y su esposa, él está castrado con lo cual no puede tener hijos pero ella toma una gota de su sangre, se la mete en la vagina y queda embarazada de Paul. Paul iba a ser interpretado por Brontis, el hijo de Jodorowsky, quien había aparecido en "El Topo" (1970).

Chris Foss fue el elegido para diseñar las naves tras ver su trabajo en varias portadas de libros de ciencia ficción.

Salvador Dalí iba a interpretar a Shaddam IV, el Emperador del universo conocido. Su musa, Amanda Lear, sería la Princesa Irulan. Dalí pidió todo tipo de excentricidades, aunque la más notable fue su sueldo, 100.000 dólares la hora. Al final le convencieron que fuese 100.000 dólares por minuto grabado, que en total no serían entre 3 y 5.

A través de Dalí conoció la obra de H.R.Giger, y el director vió en la persona ideal para crear el estilo visual de los Harkonnen, llegó a hacer 5 diseños diferentes de su castillo. Para la música de esa parte tenía en mente a un grupo de Francia de rock progresivo llamado Magma.

Mick Jagger sería Feyd Rautha, le costo más bien poco convencerlo, Udo Kier interpretaría al Mentat Piter de Vries y Orson Welles sería el Barón Vladimir Harkonnen, le convenció cuando le dijo que contrataría al cocinero del restaurante donde le conoció para que cocinase para él cada día de rodaje.

Para el final de la historia tenía en mente que Paul se sacrificase para así poder formar parte del colectivo y ese hecho provoca un cambio en Dune convirtiéndolo en un planeta con densa vegetación y viajando por el universo "iluminando" a los que se cruza. Es un concepto totalmente diferente al de la novela, que tuvo continuidad.

Crearon el libro que mencioné antes, que aparte de los storyboards incluía diseños de prácticamente todo, y lo distribuyeron entre las grandes productoras de Hollywood. A ninguna le interesó porque no era suficiente. De los 15 millones es faltaban 5 para terminar la producción.

Entre los pegas que les pusieron estuvo la duración, las productoras querían que fuese de hora y media, Jodorowsky se indignó ante ello, él quería 12 horas o quizás 20. Y, principalmente, lo único que no les gustaba era el directo.

Eso llevó a la cancelación del proyecto y finalmente pasó a manos de David Lynch cuando Dino De Laurentiis compró los derechos. Jodorowsky vio dicha versión y se alegró de que fuese un fracaso, aunque se dio cuenta de que fue culpa de los productores y no de Lynch.

El proyecto que jamás fue filmado resultó ser la pieza clave del cine de ciencia ficción que sucedería posteriormente. Una clara influencia en muchos de sus aspectos, las ilustraciones de su libro fueron plasmadas en diversas películas que se convietieron en piezas fundamentales del género. No creo que haya algo más ambicioso que jamás llegó a ser creado y que tuviera tanto peso en el cine.

Le jeu (2018)

Aquí la titulamos "El Juego".

Un grupo de amigos se reúne para cenar una noche en la que hay un eclipse lunar. En un momento dado una de las mujeres propone un juego en el que tienen que dejar sus móviles sobre la mesa y durante toda la cena todos han de poder acceder cada mensaje, foto o llamada que reciban.

Se trata del remake francés de la italiana "Perfetti sconosciuti" (2016). También se hicieron una versión española titulada "Perfectos desconocidos" (2017), la mexicana "Perfectos desconocidos" (2018), la griega "Teleioi xenoi" (2016), la turca "Cebimdeki Yabanci" (2018), la coreana "Wanbyeokhan tain" (2018), la húngara "BÚÉK" (2018), la china "Shoujikuang xiang" (2018) y la rusa "Gromkaya svyaz" (2019). Además en la india hicieron una en idioma canarés titulada "Loudspeaker" (2018). Y se ve que tienen previsto hacer más versiones en polaco, en árabe, en sueco y en alemán.

Dicho lo cual, es la primera de todas ellas que veo, aunque igual me animo a buscar la italiana por aquello que es la que lo empezó todo.

Me lo he pasado muy bien viéndola, la evolución de las situaciones de cada una de las parejas es lo mejor. En algunas se intuye que sucede algo entre ellos pero ni de lejos es lo que se descubre eventualmente.

Personalmente me ha encantado la parte en la que creen que uno es gay y cada uno da su punto de vista al respecto. Ahí es donde se muestra lo que sucedería en una situación así en la vida real, y no porque sea francesa dista mucho de lo que podría pasar en España, por ejemplo.

Como dije no he visto la original pero sí sé que el director hizo algunos cambios para que se adaptara más al público francés. Si algún día veo la original trataré de comentarlos.

En el aspecto negativo veo el final, está claro lo que quieren mostrar pero creo que hay cosas que no quedan muy claras como por ejemplo la llamada de la hija.