lunes, 5 de octubre de 2020

Amityville Island (2020)

Otra más de Amityville, y van...

Unas convictas son llevadas a la isla de Amityville. Una de ellas está poseída por un demonio que puede dejar su cuerpo y meterse en cualquiera si así lo cree conveniente.

Por el cartel podría ser una buena elección para mis especiales sobre tiburones. Sin embargo al ser una más de Amityville he decidido atacarla de manera directa. Total anticipo que será otra decepción más.

Por cierto esta vez el título original sí incluye la palabra Amityville. Claro que eso no quiere decir nada, sigue siendo un intento de aprovecharse de la fama de dicho nombre.

Los efectos especiales están hechos con un programa de edición de vídeo. Concretamente los que vienen con dicho programa. Y los sonidos que usan son para darles con la mano abierta. Al “poseído” le hacen rugir, sin más, no hace el gesto del rugido ni nada, sólo se oye como lo hace.

Me imagino que lo del tipo con la máscara roja que aparece al principio es una referencia a Edgar Allan Poe.

Alrededor de la isla hay un tiburón hecho con CGI. Está muy muy mal hecho.

Entra directamente al top de peores películas con la palabra Amityville en el título. Con eso lo digo todo.

5G Zombies (2020)

Oh sí, mierda de la buena.

Una epidemia zombie ha estallado. La red 5G de los móviles parece ser la responsable. Aunque por televisión avisan a la población que no salgan de casa algunos son demasiado estúpidos como para hacer caso.

La situación actual (que lleva desde Marzo en realidad) ha empezado a generar títulos de baja calidad, de muy baja calidad, como el que nos ocupa.

Por supuesto me refiero a la pandemia del SARS-CoV-2, también conocido como Coronavirus, que apenas ha trastocado las vidas del mundo entero. Personalmente sé lo justo y necesario sobre el tema, por no decir que no me he interesado lo más mínimo en los detalles del virus.

Sin embargo puedo decir que el 19 de Covid-19 se refiere al año 2019 y no a una “versión del virus” tal y como implican en la película (vemos el 18 y el 18.5).

La productora se llama SoCal Cinema Studios (o ScS Entertainment) y es una a tener en cuenta si queréis ver cine de mierda. Me refiero a verdaderas películas horribles.

Los zombies llevan gotitas de sangre en la cara. Y ya. No hay ningún patrón específico, ni una cantidad concreta. Se nota mucho que son unos chorritos de sangre falsa.

El arranque de la película me recuerda un poco (lejanamente de hecho) a “Dawn of the Dead” (1978).

El modelo del Samsung que provoca la epidemia es un Galaxy S7 Edge.

Me pregunto qué móvil usaron para grabarla. La calidad dista mucho de ser decente y desde luego no es 4k (como dice uno de tantos de los que salen).

La historia no hay por donde cogerla porque son una serie de vídeos de diferentes personas haciendo el subnormal durante la pandemia. Un poco lo que pasa en la realidad, pero peor. De hecho he llegado a odiar la frase “please like and subscribe”, es que ni como chiste funciona.

Al ver el título uno podría esperar la típica película de gente luchando contra zombies y corriendo de un lado para otro como pollos sin cabeza. Pero no, esto es la mayor estupidez posible con unas actuaciones horribles.

Si en tu película un personaje tiene la necesidad de explicar la situación como si estuviera dirigiéndose a un niño (o a alguien con medio cerebro), lo más probable es que estés haciendo algo mal. La cosa se pone peor si encima repites dicha explicación varias veces. La narrativa visual en ocasiones es más que suficiente.

Por cierto, todos los que hacen películas usando vídeos verticales se las pueden ir metiendo por el culo. En esta ocasión es aún peor, algunos de los vídeos son cuadrados pero con bandas negras por los cuatro lados...

Mi consejo es que ni os molestéis en buscarla. Es estúpida, no tiene ni siquiera nada de comedia o algo que se pueda interpretar como gracioso y los zombies sólo existen en el título (y en los primeros minutos pero resultan ser una pesadilla así que no sé si contarlos).

Tengo otra película similar (bueno, de la misma temática) pendiente, no creo que tarde demasiados días en verla pero si es como esta va a ser duro. Muy duro.

VFW (2019)

A ver qué es esto.

Unos veteranos de guerra se disponen a ir a un club de striptease cuando de repente entra una chica en su bar perseguida por dos tipos con intención de matarla y deciden intervenir.

Me sorprendió no haber visto este título en su momento y el otro día me crucé con él de nuevo y no pude evitar apuntármelo.

Por cierto V.F.W. son las siglas de “Veterans of Foreign Wars”, es algo que se usa en la realidad.
Aunque más concretamente se refiere a los centros dedicados a dichos veteranos para acelerar su rehabilitación, ayudar a sus viudas y huérfanos y ayudar a los impedidos.

En la película el V.F.W. 2494 es el nombre de un bar de viejos veteranos que se dedican a contar sus batallitas y al que llaman hogar.

Especialmente por su reparto que tiene nombres como Stephen Lang (Fred Parras), impaciente me tiene esperando la secuela de “Don’t Breathe” (2016). William Sadler (Walter Reed), a quien veré dentro de poco retomando su papel más conocido en “Bill & Ted Face the Music” (2020). Fred Williamson (Abe Hawkins), conocido por la trilogía “Boss Nigger” (1974) . Martin Kove (Lou Clayton), conocido por “The Karate Kid” (1984) y “Cobra Kai”. Y George Wendt (Thomas Zabrinski), conocido por “Cheers”.

Por cierto, se trata de otra película de Fangoria.

Me ha hecho mucha gracia volver a ver a George Wendt bebiendo cerveza en una barra de un bar.

Parece un lugar donde la vida humana no tiene ningún valor. En los primeros minutos matan a un par sin miramientos.

Creo que pocos actores con una cierta edad (aparente) dan el pego como tipos duros mejor que Stephen Lang hoy en día. Para que os hagáis una idea, su arma de elección es un hacha y mata más con ella que si llevase una pistola.

No son zombies pero casi. Concretamente son gente enganchada a una nueva droga que los vuelve más imbéciles de lo normal, descerebrados sería la mejor palabra para definirlos.

Podría parecer poca cosa en apariencia pero cuando vemos a los veteranos armarse y preparar todo tipo de sistemas de defensa la cosa se pone muy interesante.

El aspecto más negativo que le veo es que prácticamente toda la acción transcurre con una luz tenue (de hecho dos, una azul y una roja). Definitivamente ayuda a la hora de camuflar los efectos especiales de baja calidad (los muñecos y demás) pero le hace un flaco favor en el aspecto visual.

Tengo la impresión de que todo se solucionaría si el joven soldado saliese y le pegase un tiro (o varios) al jefe de los malos. No parece tan difícil acercarse a él y desde luego no es que vayan demasiado armados (palos y hierros, esencialmente). Desde luego a los masillas sería fácil reducirlos y los “mini jefes” no harían una mierda sin su jefe.

El gore es abundante, de hecho por un momento parecía que iban a recrear la escena del cortacésped de “Braindead” (1992). Pero como digo la sangre apenas se ve.

Me encanta como pasan de una noche cerrada a un amanecer de forma repentina. Me ha recordado a “The Return of the Living Dead” (1985).

Pero vamos, es una película genial. Me hubiese gustado más si las cosas se vieran un poco mejor, pero bueno, como tampoco espero demasiado de las películas actuales no ha sido una gran problema.

domingo, 4 de octubre de 2020

Excessive Force (1993)

Aquí la titulamos "Fuerza Excesiva".

Estamos en Chicago. Terry McCain es un policía que quiere cazar a un capo mafioso italiano llamado Sal DiMarco pero debido a un uso excesivo de la fuerza siempre consigue librarse de los cargos. El problema es que durante la última detención desaparecieron 3 millones de dólares y DiMarco quiere recuperarlos.

En el reparto tenemos a Thomas Ian Griffith (Terry McCain), conocido por "Vampires" (1998). Lance Henriksen (Devlin), conocido por "Aliens" (1986) y "Millenium". James Earl Jones (Jake), la voz original de Darth Vader. Tony Todd (Frankie Hawkins), conocido por "Candyman" (1992). Burt Young (Sal DiMarco), conocido por "Rocky" (1976).

En casa de Dylan, el compañero de McCain, vemos un póster de "Jailhouse Rock" (1957).

Es una película que juega un poco con los giros argumentales pero no me atrevería a decir que sean sorprendentes. De hecho salvo uno de ellos el resto son cosas que casi esperas que sucedan.

Juega con muchos topicazos de películas policíacas/de acción y por ello me cuesta encontrar algo destacable. Y es que salvo que tiene un reparto bastante sorprendente no hay mucho más que decir.

Bueno, sí, que hicieron una secuela la cual tiene pinta de no tener nada que ver. Se titula "Excessive Force II: Force on Force" (1995).

No es mala per se, pero tampoco es nada del otro mundo. Está bien ver al protagonista pegar patadas a diestro y siniestro y tiene alguna muerte que está bien, pero poco más.

Балканский рубеж (2019)

El título se traduce como "Frontera balcánica".

Un grupo de mercenarios rusos reciben la orden de capturar un aeropuerto durante el conflicto de los Balcanes de los años 90. La idea es que lo mantengan hasta la llegada del ejército ruso, pero unos contrabandistas albano-kosovares lo han ocupado.

Me encanta explorar el cine ruso, es tan denso. Aunque he de decir que el moderno es bastante decepcionante. Sigue las tendencias del cine estadounidense y su calidad deja mucho que desear.

Veamos, la situación: durante un bombardeo un hombre lleva a un hospital su esposa quien está a punto de parir, nada más llegar una bomba cae sobre el lugar y él queda en suelo más o menos ileso, entra en el hospital y se encuentra a su esposa muerta y el bebé llorando en el suelo. En menos de 10 segundos la esposa a subido a un primer piso, entrado en una habitación, se ha sentado en una silla de ginecólogo y ha dado a luz, para luego morir por la explosión. Tiene que ser un récord.

Hay ratos en los que hablan en serbio y me fastidia porque como mi ruso aún no tiene bastante nivel trato de escuchar todo lo que dicen y de repente no entiendo ni una palabra.

Qué rabia me da cuando en una situación en la que consiguen someter a un grupo de hijos de puta (tras matar a unos cuantos de ellos) dejan vivos al resto. Poco me costaría a mí rematar la faena. Es que ni siquiera cogen sus armas, les dejan vivos así sin más y se van. Vamos, lo escribí sin saber qué iba a suceder después, pero digamos que es lo peor que podrían haber hecho.

Me gusta como la historia ocurre paralelamente entre varios grupos de personajes y al final confluyen todos.

En la película plasman como no solo fue un conflicto territorial sino también religioso.

En unas pocas ocasiones nos ponen imágenes reales, sacadas de noticiaros, para que entendamos mejor en qué momento del conflicto nos encontramos.

Manda cojones que se queden sin balas teniendo un almacén lleno de armas.

Está cargada de momentos épicos y heroicos. De hecho veo una clara influencia del cine estadounidense en algunas escenas, aunque supongo que tampoco hay demasiadas maneras de retratar al típico soldado heroico.

Eso sí, el final es lo más precioso que he visto en mucho tiempo. Quedan cuatro balas, son cuatro rusos y sólo se les ocurre una cosa que hacer. Por supuesto es algo que no verás en ninguna película de Hollywood. Y, por supuesto, explican que la historia no es que el ejército estadounidense dejarse que el ruso fuese el libertador, sino ese pequeño grupo de soldados que le echó un par de cojones. Me encanta.

viernes, 2 de octubre de 2020

Verotika (2019)

Una película escrita y dirigida por Glenn Danzig, el cantante del grupo Danzig. Esa fue la única razón por la que me sentí interesado en cuanto la anunciaron. Las historias están sacadas de los comics que escribió el propio Danzig.

La mayoría de las actrices que aparecen son estrellas porno. Sus actuaciones bien lo demuestran.

El logo de la película es del mismo estilo que el de “The Thing” (1982). Bueno, mejor dicho, que el de “The Thing from another world” (1951), que es el que inspiró el de la película de Carpenter.

Es una película de segmentos, cada uno está introducido por una tal Morella. Muy al estilo “Tales from the Crypt”.

The Albino Spider of Dajette

Dajette es una mujer tiene ojos en los pezones. Al llorar una de sus lágrimas cae sobre una araña albina que se convierte en un ser humanoide de 6 brazos con ansias de asesinar.

En esta parte salen algunos actores hablando con acento francés (porque se ve que la acción tiene cabo en Francia). En realidad son todos estadounidenses, para lograr el acento lo entrenaron. Al principio no es nada especial, pero llega a hacerse pesado.

Recordemos que es una película que apenas tiene un año. Salen escenas hechas en 3d de una calidad pésima.

Al principio pensaba que el problema eran las actuaciones pero empiezo a pensar que el guión es bastante malo también. Hay algunas líneas de diálogo que parecen escritas por un niño.

La película porno que va a ver la protagonista en un momento dado se titula “Les nue sans visage”, lo cual está conectado con el siguiente segmento.

Change of Face

Una asesina en serie que se dedica a arrancar las caras de sus víctima anda suelta. Se autodenomina “the face collector” y las usa para ponérselas sobre la suya y así esconder unas cicatrices.

La inspiración de este segmento es la película “Les yeux sans visage” (1960). Aunque viéndola diría más bien que es “The Texas Chain Saw Massacre” (1973).

En esta parte al menos escuchamos una canción de Danzig. Ya empezaba a pensar que se había olvidado de poner BSO. Aunque la pone a un volumen superior al del audio normal y, de hecho, se nota mucho cuando una habla y tienen que bajarle el volumen a la música porque sino no se entendería nada de lo que dice, luego lo vuelven a subir.

Drukija Contessa of Blood

Estamos en la época medieval. Una condesa llamada Drukija se dedica a llevar jóvenes vírgenes a su castillo. Las usa para asesinarlas y bañarse en su sangre para poder mantenerse joven y bella.

Este segmento está claramente inspirado en la historia de Elizabeth Bathory.

En el centro de la corona de la condesa Drukija está el logo del grupo Danzig.

No sé cada cuánto se da un baño pero en el que vemos usa a dos chicas. Con la sangre de la primera ha llenado el baño y a la segunda la traen a mitad y le cortan el cuello rociando a la Condesa con su sangre (al más puro estilo película japonesa de samurais). Aunque lo realmente peculiar es que la víctima no se inmuta en ningún momento.

Una cosa que me pregunto es si la condesa se daba un baño de agua después de los de sangre. Porque mientras está fresca no hay problema pero en cuanto se reseca tiene que ser un engorro de quitar.

Al principio vemos a una madre entregar a su hija a la Condesa no sólo de buen grado sino alegrándose porque irá a vivir a su castillo.

Es, de largo, el peor de los tres segmentos. No sólo cada escena está alargada innecesariamente sino que la historia (por llamarla de alguna manera) es estúpida.

Se ve que cuando le arrancas el corazón a alguien sigue vivo un ratito más. Algo me dice que esta gente no ve vídeos de mexicanos y brasileños locos. Personalmente creo que hay maneras más eficientes de sacarle la sangre de una persona que las que se ven aquí.

Esta película es realmente dura de ver. Todas las historias son de mujeres asesinas que matan otras mujeres. Aún no he encontrado la parte "erótica" de todo ello. Personalmente aconsejo evitarla.

Demon Wind (1990)

Aquí la titulamos "Viento del infierno".

Cory y sus amigos deciden pasar el fin de semana en la casa maldita en medio del campo en la que murieron sus abuelos porque el señorito oye unas voces que le piden que vaya allí. Al llegar se encuentran con varios esqueletos que él identifica con familiares suyos.

Las dos dagas que encuentra Cory en un cajón en realidad iban a ser siete. Por la apariencia parecen las "Dagas de Meggido" de "The Omen" (1976).

Se ve que la niebla que aparece es real. Me imagino que se refiere a la que se ven en las montañas cuando no enfocan a los actores porque la que se mueve ha de ser falsa o estaban muy bien coordinados.

En un momento dado empiezan a aparecer un montón de demonios y dos se lían a tiros con ellos al más puro estilo película de zombies.

Me recuerda bastante a "The Evil Dead" (1981).

Algunos efectos especiales consisten en dibujos sobre la imagen. Está claro que en aquel momento no disponían de efectos digitales y que es un recurso barato que puede funcionar bien (en plan rayos y demás) pero llegan a abusar de ello.

Es una película con mucho látex y muchos demonios, aunque las muertes casi todas son por disparo de escopeta y salvo la de la vaca en la pared no hay ninguna que me haya marcado especialmente. Además algunos de los ataques los dejan fuera de cámara (como cuando van los dos pringaos solos).

Está bien, no es nada espectacular ni tiene grandes momentos pero se puede ver y para pasar un rato entretenido a mí me vale.

jueves, 1 de octubre de 2020

The Nest (1987)

Aquí la titulamos "El nido".

La pequeña isla de North Port sufre una invasión de cucarachas. El sheriff no sabe muy bien qué hacer y llaman a una científica experta para que les ayuden. Todo parece ser causa de INTEC, una compañía local, y el alcade está implicado en el asunto.

Basada en la novela de Eli Cantor.

Usaron unas 2000 cucarachas que provenían de la calle.

El estudio que usaron para grabar la película estuvo plagado de cucarachas durante años.

El sonido que hacen las cucarachas está claramente basado en el de las hormigas de "Them!" (1954).

El mejor personaje es el chatarrero, un viejales parlanchín que aparece en el principio de la película.

Reusan dos escenas de "Humanoids from the Deep" (1980). Concretamente la de la furgoneta que cae del puente y explota y la de la casa de Homer que también explota.

Tuvo una especie de remake titulado "They Nest" (2000). Y "Mimic" (1997) viene a tener el mismo argumento.

Tiene algún momento que resulta cómico como cuando suena "La cucaracha" y el gore en algunas partes está bastante bien. Pero es muy mala, en líneas generales.

The Jesus Rolls (2019)

Me espero lo peor.

Jesus Quintana acaba de salir de Sing Sing y lo primero que hace es robar un coche e ir a visitar a su madre. Pero el dueño le encuentra y él y su amigo huyen junto con Marie, una chica que acompañaba al tipo, que casualmente es amiga de Jesus.

En plena época de secuelas sin fin y remakes de prácticamente todo en realidad no me sorprendió la aparición de un spin off de “The Big Lebowsky” (1998). Encima se ve que es un remake de “Les valseuses” (1974), o mejor dicho está basada en la misma novela.

Obviamente está protagonizada por John Turturrro (Jesus Quintana) quien la dirige y escribe. Destacan también Audrey Tautou (Marie), conocida por “The Da Vinci Code” (2006) y “Le fabuleux estin d’Amelie Poulain” (2001). Y Jon Hamm (Paul Dominique), conocido por “Mad Men”.

Atentos a la breve aparición de Christopher Walken (Alcaide), últimamente hace un poco de todo, por ejemplo salió en “Peter Pan Live!” (2014) y en “The Jungle Book” (2016). Y a la de Susan Sarandon (Jean).

Aunque le personaje fue creado por los hermanos Cohen la manera de comportarse y de ser, en esencia, fue cosa de John Turturro. Aparte los Cohen le dieron permiso para usarlo en esta película.

Tiene puntos cómicos que me han hecho mucha gracia. Y Jesus se comporta exactamente como uno puede esperar aunque no abusa del personaje, de hecho lo expande.

La escena en la que se bañan me recuerda un poco a Borat.

Marie no puede tener orgasmos aunque a practicado muchísimo el sexo ya que le da igual follarse a un hombre con tal de que la cosa no vaya a más. El número de relaciones que suelta es cercano a 400.

El coche que inicia todo el lío es un Plymouth Road Runner de 1973. Tal y como dicen en la película repetidas veces, todo un clásico.

Aunque hablan de sus grandes partidas de bolos cuando estuvo en prisión y en un momento dado le vemos jugar a ellos las conexiones con la otra película son inexistentes.

Personalmente me ha gustado mucho, creo que se la valorado injustamente. Tiene algunos momentos dramáticos pero también mucha comedia que los compensa sobradamente. Y el final es genial. Por cierto, la BSO es de los Gipsy Kings y le pega muchísimo al personaje (aunque el actor no sea capaz de cantar una sola frase).

The Sound of Music (1965)

Entrada 4700

Esta vez me ha pillado totalmente de improviso. De hecho creía que quedaban aún un par y había mirado el número que no era.

Sobre la página no hay novedades, al menos aún no. Estoy gestando una serie de tops similares a los que hice cuando llegué a las mil entradas aunque en otras categorías y con más títulos (porque esto empieza a dar muchísimo de sí). No sé cuando lo publicaré porque lo tengo más o menos hecho pero igual se me ocurren más y cuesta mucho (pero mucho) dar con los títulos cada vez que empiezo una categoría, así que a saber.

Estos últimos meses he visto una variedad inmensa de títulos y me alegro porque estoy aprendiendo mucho sobre el cine en diferentes países.

Como no he tenido demasiado tiempo para pensar el título he elegido uno que habré visto un par de veces a lo sumo pero que recuerdo bastante bien. Como curiosidad, es el primer musical que elijo para este tipo de entradas, que siempre considero especiales. Sin más, os dejo con…

The Sound of Music (1965)

Aquí la titulamos “Sonrisas y lágrimas”, estuvo muy granado el que eligió ese título.

Estamos en Austria, en la década de 1930. Maria es una monja que no para de meterse en líos y por ello la madre superiora decide enviarla a que cuide los 7 hijos de un señor. Ella no sabe muy bien qué esperarse y al llegar a la casa descubre que viven en un orden estricto, así que decide hacer valer su alegría y su manera de ser para cambiar las cosas.

Joder, me acaba de venir de repente un recuerdo que tenía enterrado en mi memoria. Cuando iba al colegio hicimos algunas obras teatrales, una fue “Oliver” y otra fue ésta. Wow, de eso hace más de 35 años.

La diferencia esta vez es que la he visto en VO, cosa que la hace diferente, en cierta manera.

Dirigida y producida por Robert Wise. El mismo que hizo “The Day the Earth Stood Still” (1951), “The Haunting” (1963), “West Side Story” (1961), “The Andromeda Strain” (1971) y “Star Trek: The Motion Picture” (1979). Casi nada.

Protagonizada por Julie Andrews (Maria), su papel más famoso junto con el de “Mary Poppins” (1964). Christopher Plummer (Capitán Georg Von Trapp), recientemente ha hecho “Knives Out” (2019) que pretendo ver en unos días.

Plummer acabo hastiado del carácter alegre y feliz de Andrews durante el rodaje. Aunque no por ello dejaron de ser buenos amigos.

Los actores que interpretaron a los niños apenas han hecho cine posteriormente. Salvo las excepciones de Angela Cartwright (Brigitta) quien tuvo un papel de peso en la serie “Lost in Space”, la de Nicholas Hammond (Friederich), quien ha hecho mucha televisión y algunos papeles menores, y la de Heather Menzies-Urich (Louisa), que salió en “Captain America” (1979) y “Piranha” (1978).

Más concretamente los hijos son: Liesl (16 años), Friedrich (14 años), Louisa  (13 años), Kurt (11 años), Brigitta (10 años), Marta (7 años) y Gretl (5 años). Sus nombres en la vida real eran: Rupert, Agathe, Maria, Werner, Hedwig, Johanna y Martina.

Los niños crecieron mucho durante el rodaje, lo cual hizo que tuvieran que usar alzas y trucos de cámara para que no se notase. Además a Debbie Turner (Marta) se le cayeron varios dientes de leche y tuvieron que ir poniéndole dientes falsos. Y Kym Karath (Gretl) había engordado tanto que tuvieron que buscarle una doble para que Christopher Plummer pudiera cargar con ella en las escenas finales (no se nota que no es ella).

La familia Von Trapp existió en la vida real y la historia que narran en la película está basada en lo que les sucedió, con muchas licencias artísticas. De hecho la verdadera Maria aparece durante la canción “I have confidence”, es la mujer mayor que aparece de fondo cuando Marie pasa por debajo del arco de ladrillos.

Christopher Plummer no tenía apenas información del Capitán Von Trapp así que se fue a las montañas de Salzburgo con un intérprete para hablar con uno de sus sobrinos. Lo único que le dijo es que era el hombre más aburrido que había conocido.

En la vida real los Von Trapp abandonaron Austria en tren hacia Italia, no caminando por las montañas hacia Suiza como muestran en la película. Al día siguiente Hitler ordenó el cierre de las fronteras austríacas y su casa fue tomada por Heinrich Himmler. Lo realmente erróneo es que las montañas por las que se van llevan a Alemania, la frontera con Suiza y la de Austria están en la otra punta del país.

En su momento los austríacos acogieron de buen gusto el conocido “Anschluss” (cerramiento), de hecho se critica severamente a la película precisamente por tratar de cambiar ese dato. Aunque viéndola he de decir que no tengo la sensación de que haya un sentimiento generalizado en contra, sólo por parte de los protagonistas.

Fue la película que salvó a la 20th Century Fox tras el fracaso de “Cleopatra” (1963). De hecho se mantuvo la primera durante 5 años en el ranking de ventas en cuanto salió en vídeo. En Corea del Sur fue tal el éxito que tuvo al ser estrenada que en algunos cines hacían 4 o 5 pases diarios y algunos decidieron cortar las canciones para poder hacer más.

Curiosamente no fue un éxito en Alemania ni en Austria donde además fue severamente censurada, especialmente las partes de los nazis. De hecho no es una película demasiado conocida allí debido en parte al éxito de “Die Trapp-Familie” (1956) y su secuela “Die Trapp-Familie in Amerika” (1958).

Cuando Maria va corriendo por el campo hacia la casa de los Von Trapp durante la canción “I have confidence” la vemos tropezarse. No estaba previsto, a Robert Wise le gustó tanto como quedaba que decidió dejarlo.

Se la considera la película que inició la nunsplotation que apareció en los años 60 y 70, principalmente en Europa.

El detalle de “los austríacos que son muy austríacos” versus los que quieren ser alemanes. Está claro que habla de antes de la llegada de Hitler a Austria y, en esencia, anexionarla a Alemania y como algunos se iban posicionando a su favor o en contra.

Aunque no se trata de una película de temática navideña la canción “My favourite things” ha pasado a formar parte de las típicas que suenan en dicha época. La explicación está en que Julie Andrews la interpretó cuatro años antes en “The Garry Moore Show” durante un especial navideño.

Cuando Maria decide coger las cortinas para hacer trajes para los niños es una referencia a “Gone with the Wind” (1939).

Me he percatado de algo interesante. En las escenas exteriores se nota bastante más, de hecho creo que es cuando sucede. En cuanto sale un edificio de fondo o algo con una línea recta la imagen tiene una forma ovalada. De hecho en algunas escenas parece que la cámara esté ligeramente ladeada, pero creo que en realidad está recta sólo que da esa extraña sensación.

He leído algunas críticas cebándose con la canción “Do-Re-Mi” y, sinceramente me cuesta un montón entender la razón. Básicamente dicen que lo de “La, a note to follow So…" es la peor. Lo cierto es que no dice “So” sino “saw”, en referencia a la anterior frase (“Sew, a needle pulling thread”), pero como ambas palabras suenan prácticamente iguales en inglés algunos las confunden. Pero aún así no acabo de ver el problema, sólo dice que es la nota que va tras Sol (So en la canción), no es excesivamente imaginativo pero tampoco es incorrecto.

Aunque tiene algunos errores en cuanto a lo que sucedió realmente también algunos detalles interesantes como que los coches llevan el volante en la parte derecha. Lo cual es correcto pues en Austria hasta 1938 conducían por la derecha (de hecho el cambio lo ordenó Hitler cuando tomó el poder del país).

La razón por la que una de las hermanas coge a Gretl en brazos al caer al agua es que la pequeña actriz no sabía nadar.

Tras esa escena el padre envía a los niños a sus habitaciones para que se sequen y se cambien. Entonces él se queda conversando con Maria, pero no es algo que dure demasiado, quizás un par de minutos, y de repente oyen cantar a los niños, entran en la casa y les ven, con otra ropa, repeinados y cantando para la Baronesa. Se debieron cambiar a la velocidad del relámpago.

Por cierto, ahí se produce la primera canción en la que interviene el personaje interpretado por Christopher Plummer, sin embargo no es su voz la que escuchamos sino la de Bill Lee quien le dobló. Además Plummer aprendió a tocar la guitarra (pero también le doblaron cuando la toca).

Las marionetas en la canción “The Lonely Goatherd” no están manejadas por los niños y Maria, obviamente. De hecho fueron Bil Baird y Cora Baird (aparecen en los créditos de inicio). Son marionetas llenas de detalles muy currados.

Me acabo de dar cuenta que el baile que hacen el capitán y Maria cuando suena en vals durante la fiesta es el que parodiaron en “Top Secret!“ (1984) en la fiesta de la embajada.

Herr Zeller, el señor con bigote que (claramente) está de parte de los nazis, parece inspirado en Arthur Seyß-Inquart, conocido como el Judas austríaco, quien básicamente fue nombrado canciller y facilitó la entrada de los nazis en el país. Terminó ahorcado durante los juicios de Nuremberg.

Es una película de casi 3 horas de duración y como era normal en aquella época tiene un intermedio (de un par de minutos). Concretamente sucede a la hora y 40 minutos.

Una vez regresa Maria al monasterio vemos a una chica incorporarse a él, lleva un vestido verde y un sombrero. Es el mismo vestido que lleva Maria cuando regresa con los Von Trapp.

Me acabo de dar cuenta de que la razón por la que algunas de las canciones se quedan en tu memoria la primera vez que la ves es debido a que las repiten en la segunda mitad, ligeramente cambiadas.

En resumen, una gran película. Siempre he dicho que no soy muy fan de los musicales pero este es diferente, con una gran historia y cargado de momentos inolvidables. Además que las dichosas canciones son pegadizas, no paraba de tararearlas mientras la miraba.

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