The Lawnmower Man (1992)

Aquí la titulamos "El cortador de césped".

Virtual Space Industries es una empresa que ha creado un entorno de realidad virtual para entrenar soldados en el campo de batalla. De momento está en fase experimental con chimpancés. Pero su mejor simio escapa y se ven obligados a matarlo. Eso hace que Lawrence Angelo, el encargado del proyecto, se vea obligado a tomarse un descanso, pero seguirá trabajando en la tecnología. Y decide usar a Jobe Smith, un hombre que trabaja cortando su césped para experimentar.

Quizás no sea la mejor adaptación de un relato de Stephen King, pero sí es una de las más recordadas. Y es que se trata una de las primeras películas sobre los mundos virtuales cibernéticos y las realidades virtuales tal y como las entendemos hoy en día.

Pese a que los gráficos no eran lo mejor del mundo en su momento funcionaron muy bien.

En realidad no adapta del todo la historia corta de King, simplemente cogieron un guion que ya tenían con el título "Cyber God" y le pusieron el otro. A King no le hizo ninguna gracia, intentó demandarlos para que quitasen su nombre del material promocional pero no le dieron la razón (vete a saber por qué) pero le pagaron diez mil dólares.

No sé hasta qué punto influyó el hecho de poner el nombre del autor en la promoción, pero yo en su momento la vi como una más sin saber que estaba implicado (en mayor o menor medida).

En el reparto tenemos nombres como Jeff Fahey (Jobe Smith), Pierce Brosnan (Lawrence Angelo), Geoffrey Lewis (Terry McKeen) y Dean Norris (Director).

Existe una versión del director que agrega 39 minutos de metraje, no es la que he visto así que no sabría decir qué agrega. De hecho he visto la que se estrenó en cines con las marcas de cambio de rollo incluidas.

En el doblaje español le ponen una "vocecilla" al entorno virtual. El problema es que traducen mal algunas cosas.

Queda muy "realista" que al principio el protagonista vaya cambiando canales de televisión y sean todo noticias sobre guerras. De madrugada. Claro.

Creo que en ningún momento lo establecen pero Jobe es claramente autista.

Otra de las cosas que jamás comprenderé del mundo es lo de tener un césped para dedicarse a cuidarlo, perdiendo una cantidad  tiempo y dinero bastante importante. No sirve ninguna necesidad más allá de la estética.

Por cierto Austin O'Brien (Peter Parkette) al año siguiente protagonizó "Last Action Hero" (1993).

Me acabo de percatar que Jabe tiene un poco de Randall Flag, de "The Stand" (1994), que será una de mis siguientes entradas.

No queda muy claro cómo consigue Jobe entrar a una instalación militar "secreta" con una chica sin más, pero podemos intuir que uso su más que sobrada inteligencia para hacerlo.

Igual el efecto del cura quemándose podrían haberlo hecho sin usar efectos digitales.

El policía le cuenta todo tipo de detalles de lo que ha sucedido en la noche anterior al protagonista pero no le hace ni una sola pregunta sobre donde estaba o si vio algo, que no pudo porque acaba de llegar de fuera pero eso no queda establecido en ningún momento.

Cuando Jobe intenta meterse en la mente de Lawrence me recuerda a una escena de "Village of the Damned" (1995).

Cuando va por ahí matando gente recuerda un poco a "Carrie" (1976).

No tiene sentido que una máquina así no tenga un simple enchufe que se pueda desconectar en caso necesario.

Los relojes digitales de las bombas hacen "tick, tick". Claro.

El final queda abierto, nos dan a entender que Jobe ha conseguido sobrevivir y que es un ser de luz ahora. Lo cual dio pie a la secuela, que será mi siguiente entrada.

En general es una película que se ve muy oscura en casi todas sus escenas, cuya mayor "fuerza" son las escenas enteramente digitales y que busca expandir los conceptos de realidad virtual y la interacción digital con el mundo real. Aunque todo ello estaba aún empezando cuando salió.

Single White Female (1992)

Aquí la titulamos "Mujer blanca busca".

Allison Jones es una chica a la que le pone los cuernos su pareja encima no le van demasiado bien las cosas en su negocio de software. Por ello decide compartir su piso y de todas las candidatas la que mejor se lleva con ella se llama Hedra Carlson. Pronto se instala con ella, pero Sam, su ex, no para de insistir en que quiere hablar con ella y un día se presenta en su casa y terminan haciendo las paces.

Así a priori puedo decir que fue una película que tuvo bastante impacto en su momento pero que yo tardé bastantes años en ver, sin motivo alguno en realidad. Dicho lo cual, la recuerdo vagamente.

En el reparto tenemos a Bridget Fonda (Allison Jones), Jennifer Jason Leigh (Hedra Carlson), Stephen Tobolowsky (Mitchell Myerson) y Frances Bay (vecina mayor).

Tuvo una secuela titulada "Single White Female 2: The Psycho" (2005). No tengo intención de buscarla en estos momentos.

Resulta que las dos niñas que aparecen nada más empezar la película son gemelas en la vida real. Más concretamente son Tiffany y Krystle Mataras. Aparecieron también en "Kindergarten Cop" (1990) y en "Problem Child 2" (1991).

Vemos a Bridget Fonda desnuda de espaldas y brevemente muestra los pechos en una de las primeras escenas. Posteriormente vemos que Jennifer Jason Leigh tampoco tiene demasiados problemas a la hora de ir sin ropa por la casa.

Es una de las primeras películas donde se normaliza que una chica tenga como amigo y confidente a un homosexual.

Cuando Hedra trae al perro se quedan mirando "Fire Down Below" (1957) en televisión hasta quedarse dormidas.

Voy a decir algo que me parece penoso de esta película y es que no se oye una puta mierda cuando hablan. Es algo que pasa en muchos títulos de hecho y es realmente molesto.

Como toda buena psicópata que se precie una de las primeras cosas que le vemos hacer a Hedra es matar a un perro, a un cachorro mejor dicho.

Una cosa que jamás entenderé es la obsesión de cierta parte de la población con la ropa.

En realidad ninguna de las dos actrices tenía el pelo rojo, durante toda la película usaron pelucas.

Otra película donde algunos no están muertos realmente y se recuperan justo a tiempo.

No puedo decir que sea una gran película, está bien y poco más. Tiene momentos de tensión, alguna que otra cosa inesperada y una parte que es quizás por lo que es más conocida en la que la inquilina va vestida y peinada como la protagonista y cuesta un poco diferenciarlas, especialmente si están de espaldas.

Death Becomes Her (1992)

Aquí la titulamos "La muerte os sienta tan bien".

Estamos en 1978. Madeline Ashton fracasa en su nuevo espectáculo de Broadway. Sin embargo acaba quitándole el hombre a su vieja amiga Helen Sharp casándose con él. Siete años más tarde (1985) Helen ha engordado y vive rodeada de gatos y la terminan echando de su casa y encerrándola en un centro psiquiátrico. Siete años más tarde (1992) Madeline y Ernest son invitados por Helen a la presentación de su nuevo libro y es una mujer nueva.

Dirigida por Robert Zemeckis. Originalmente la creó como una secuela de "Tales from the Crypt" (1972). Algunos fans la consideran un episodio extendido de la serie.

Un reparto de lujo con nombres como Meryl Streep (Madeline Ashton), Bruce Willis (Ernest Menville), Goldie Hawn (Helen Sharp) e Isabella Rossellini (Lisle Von Rhuman). Atentos al cameo de Sydney Pollack como el médico de urgencias.

Y eso es quizás lo más raro, pues se trata de una comedia negra. Incluso en su momento estaban un poco fuera de lugar.

En realidad la primera versión recibió muy malas críticas en los pases previos, tuvieron que editarla severamente, incluso cortaron un personaje (que aparece en los trailers), y le dieron un ritmo mucho más trepidante.

En realidad la gente es una maleducada cuando se van del espectáculo en el arranque de la película, aparte que hacen comentarios en plan que Madeline está demasiado mayor para el papel, pero la realidad es que no es una gran actriz pero tampoco es TAN mala como para levantarse e irse a mitad.

Las escenas del centro psiquiátrico son básicamente idénticas a las de "One Flew Over the Cuckoo's Nest" (1975).

Cuesta un poco verlo pero cuando aparece Helen delgada y con el vestido rojo por primera vez lleva uno de los pines de Lisla Von Rhuman.

Isabella Rossellini se "ofende" cuando Madeline le dice que parece tener 38 años, la actriz tenía 39 en esos momentos (su personaje 71).

La frase "I want to be alone" se refiere a Greta Garbo. La dice en varias de sus películas y acabó convirtiéndose en su "firma" personal.

La primera película en usar un programa para crear piel humana realista.

Para el rejuvenecimiento del pecho de Meryl Streep intentaron usar un sujetador que se inflaba, sin embargo no quedaba bien. Al final optaron porque la persona que la vestía le moviera los pechos sin que se le viera.

La escena en la que Helen le explica a Ernest como acabarán con Madeline era uno de los finales alternativos. Poco más o menos.

Es en esa parte cuando podemos ver brevemente un tarro de cristal que contiene un cerebro con la etiqueta "abnormal", una referencia a "Young Frankenstein" (1974).

Crearon una cabeza animatrónica para cuando Madeline se encara a Ernest, no quedaba demasiado bien y al final decidieron usar CGI y la hicieron caminar hacia atrás.

El médico de urgencias toma una pastilla sublingual de nitroglicerina para el corazón y poco después le vemos muriendo de un ataque al corazón.

Las tres monjas "flotadoras" que salen de la morgue fueron a identificar el cadáver de un cura, el cual vemos poco después, eso salía en una escena cortada.

Cuando le pintan las piernas a Meryl Streep en realidad son las de Donna Baltron.

Descubrimos que Helen bebió la poción el 26 de Octubre de 1985. Es la fecha en la que Marty McFly hizo el primer salto temporal en "Back to the Future" (1985).

El efecto de la cabeza "colgando" lo consiguieron con un croma, para ello simplemente le pusieron una "pantalla" azul en la cabeza a Meryl Streep.

Durante la escena de la pelea Meryl Streep le dejó una marca en la mejilla a Goldie Hawn cuando la golpeó con la pala accidentalmente.

Isabella Rossellini no aparece desnuda al salir de la piscina, usaron el cuerpo de Catherine Bell. En "Blue Velvet" (1986) sí era ella.

Cuando intenta que Ernest se tome la poción dice "¡Siempre viva!" en español. No tengo muy clara la razón.

Aunque técnicamente son zombies nunca usan esa palabra.

La última parte transcurre en el año 2029.

El final original era que Ernest fingía su propia muerte y se iba a Europa con Toni (el personaje que cortaron) para empezar una nueva vida juntos. Años más tarde Madeline y Helen, están en Suiza con sus cuerpos cada vez más decrépitos cuando ven a una pareja de avanzada edad y sienten envidia por lo bien que están, cuando de repente se dan cuenta de que eran Ernest y Toni, entonces intentan ir tras ellos pero terminan atropelladas y hechas pedazos.

No es una película para todo el mundo, porque es bastante macabra y oscura. Quizás hubiera sido un gran episodio de una serie tipo la de la cripta, tiene el mismo tono de humor e ironía. Pero no deja de ser un título que marca, de los que no sueles olvidarte.

Con el paso de los años se han planteado hacer una secuela, un reboot e incluso un musical. No me he molestado en buscar esto último, pero de lo otro no ha habido nada de nada.

Hudson Hawk (1991)

Uf, hace mucho tiempo desde la última vez que la vi.

Da Vinci creó una máquina para convertir el plomo en bronce, pero resultó ser algo mucho mejor que podía crear oro. Y pronto se da cuenta de lo peligrosa que podría ser. En la actualidad un ladrón llamado Eddie "Hudson Hawk" acaba de salir de prisión y un mafioso le obliga a cometer un robo.

En el reparto tenemos a Bruce Willis (Eddie "Hudson Hawk"), Andie MacDowell (Anna Baragli), James Coburn (George Kaplan), Sandra Bernhard (Minerva Mayflower), Don Harvey (Snickers) y David Caruso (Kit Kat). Me llama también la atención el nombre de Frank Stallone (Cesar Mario), el hermano de Sylvester.

Es la única película en la que Bruce Willis participó como co-guionista también. Dice que tomó ideas de películas como "To Catch a Thief" (1955) y "Topkapi" (1964).

Fue un fracaso en taquilla. En mi opinión es porque intentaron venderla como una película de acción, como las otras que hizo Bruce Willis en esa época, y es más bien cómica.

El arranque de la película es en italiano (bueno, la voz en off es en inglés) pero también sueltan alguna palabra suelta como "gold".

En realidad Da Vinci nunca experimentó con la alquimia ni intentó construir una máquina que crease oro a partir de otros metales. Aunque trataron de hacerla de una manera bastante ajustada a como la hubiera hecho él mismo.

Cuando Hawk habla por primera vez con Cesar Mario le dice "son instrucciones que incluso tu hermano podría entender", es una referencia a su hermano en la vida real.

Aunque tensan la cuerda para atravesar de un edificio a otro (mientras pegan gritos, todo hay que decirlo) al llegar al otro lado vemos que está claramente floja.

Por cierto, durante el robo cantan para tener sincronizarse. Es lo más interesante de la película, lo que la hace diferente (de hecho años más tarde vimos como lo copiaban en otros títulos). Sin embargo me he fijado que lo hacen cuando están bastante cerca de los guardias.

Ya es curioso que justo acabe de ver una película de mafiosos y aquí aparezcan otros haciendo de las suyas. Como por ejemplo matar a un tipo en vez de pagarle.

En una casa de subastas no permitirían que alguien cogiese un objeto sin ponerse guantes.

El nombre de George Kaplan proviene de "North by Northwest" (1959).

Un cardenal del vaticano jamás diría la palabra "schmuck".

Por cierto, nadie reacciona cuando un tipo dispara su pistola en un bar abarrotado ni cuando el protagonista lanza a un hombretón a una cabina telefónica en una plaza llena de gente en Roma.

No acabo de comprender por qué en la caja en la que se mete el protagonista para entrar al Vaticano ponen pegatinas de "ALTO". Me imagino que querían poner frágil.

¿Quién coño pone espaguetis dentro de un termo? Es algo que jamás haría un italiano.

En el museo de Roma aparece un cartel que dice "Cappella Sistina. Stanze di Raffaello. Cassette Guide. English, Italiano, Français, Espagñol, Deutsch". ¿Tan difícil es poner "Español"?.

Ya es curioso que ese mismo año saliese "El robobo de la jojoya" (1991) donde sale una escena de robo similar.

Entre las muchas referencias al cine/televisión/cultura popular que hace el protagonista está la frase "Here's looking at you, kid", de "Casablanca" (1942).

El cloruro de etilo que le inyectan al protagonista no es un sedante, es un calmante.

No tienen ningún problema en matar gente, da igual si son inocentes o culpables.

No tiene ninguna lógica que dejen vivir al protagonista en la parte final, tampoco que sea él quien reconstruya el cristal.

La parte en la que salen volando con el aparato volador de da Vinci me recuerda a un episodio de "Star Trek: Voyager".

El chiste recurrente es que el protagonista no logra tomarse su café capuccino, hasta la última escena.

Más que cómica son unos dibujos animados. Ese es el problema que tiene, definitivamente. Sin embargo una vez tienes claro el tono resulta entretenida. Si juegas con el hecho de que todo es un absurdo los fallos no lo son tanto. O sí, ¿qué sé yo?.

Goodfellas (1990)

Aquí la titulamos "Uno de los nuestros".

Estamos en Nueva York, en 1955. Henry Hill siempre ha querido ser un gángster, y lo consiguó trabajando para Paul Cicero y pronto se convirtió en uno más de ellos. En 1963 se movían miles de dólares en mercancías por el aeropuerto y ellos se dedicaban a robar tanto como podían.

Dirigida por Martin Scorsese, uno de sus títulos más celebrados.

Lo cual tiene sentido con un reparto cargado de nombres potentes como Robert De Niro (James Conway), Ray Liotta (Henry Hill), Joe Pesci (Tommy DeVito) y Paul Sorvino (Paul Cicero). Además en el último tercio de película aparece Samuel L. Jackson (Stacks Edwards), y he de decir que no me lo esperaba para nada. Curiosamente ese mismo año salió en "The Exorcist III" (1990).

Basada en la novela "Wiseguy: Life in a Mafia Family" de Nicholas Pileggi, la cual trató de adaptar la vida de Henry Hill. Según su opinión Joe Pesci hace una interpretación magnífica de Tommy DeSimone, el único pero es que la persona real era muy musculosa.

De Niro insistió que debían usar dinero real y al final le facilitaron 5.000 dólares, los cuales eran contados meticulosamente tras terminar cada toma.

Algunos mafiosos reales aparecen en la película. Usaron números falsos de la seguridad social.

Hubo mucha improvisación, de hecho el director conocía algunas de las cosas que iban a decir los actores y no avisaba al resto para que sus reacciones fueran reales.

Eventualmente llegamos a la escena con la que arranca la película y lo curioso es que no sabemos quién es la víctima porque está bastante deteriorado cuando lo vemos. Aunque cuando llega el momento en el que le atacan se nota bastante.

Normalizan todo tipo de comportamientos antisociales como los robos, los asesinatos o tener una amante a la que ven con frecuencia, incluso si están casados. De todo me llama la atención el tema asesinatos, antes de matar a alguien de otra banda tienen que tener una buena razón para hacerlo, si no son ellos a los que matan. Lo cual tiene sentido.

Un detalle que me ha gustado es que después de matar o atacar a alguien lo primero que hacen es pasar el arma a otra persona, de esa manera consiguen echarle la culpa a otro en caso necesario.

Por supuesto no podía faltar el momento en el que se meten en el mundo del narcotráfico, teniendo en cuenta que son los años 70 no puedo evitar pensar que es una referencia a la trilogía de "The Godfather" (1972).

Qué brutos son, matándose entre ellos para que no les cojan por un robo. Pero vamos, la muerte que casi he anticipado es la más obvia.

Me llama la atención la cantidad de escenas que hay en las que aparecen comiendo. De hecho su estancia en la cárcel es principalmente ellos cocinando.

El tipo con el que hablan cuando Karen y Henry deciden acogerse a la protección de testigos, es el mismo que en la vida real hizo lo mismo con la pareja real.

Jimmy es el más paranoico, y al final tenía razón cuando quiso eliminar a Karen y a Henry porque son los que le meten en prisión (donde murió en la vida real por un cáncer).

En el juicio Ray Liotta rompe la cuarta pared. Y justo antes de empezar los créditos finales también.

Luego vemos un texto que dice que aún está en protección de testigos, en realidad poco después de salir la película decidió dar la cara.

Me parece peculiar que usen la versión de "My Way" de Sid Vicious para terminar la película. Aunque en cierta manera le pega.

Sinceramente no creo que la haya visto anteriormente, si lo he hecho no la recuerdo. Pero no importa, tras ver las otras películas de temas mafiosos que ha hecho Scorsese siento como que he cerrado un ciclo, que todo tiene más sentido ahora.

La versión que he visto es la normal, que dura casi 2 horas y media, sin embargo no se me ha hecho pesada. Pero no por ello me ha costado menos de ver, está siendo duro esto.

Awakenings (1990)

Aquí la titulamos "Despertares".

Leonard es un chaval con una condición degenerativa. En 1969 un médico llamado Malcolm Sayer llega al hospital Bainbridge para trabajar como neurólogo, pero él creía que sería un trabajo de investigación y no de tratar pacientes. Pronto descubre un patrón y se da cuenta de que todos sufrieron encefalitis años atrás.

Una cosa antes de empezar, me he percatado de que muchos de los títulos de esta tanda rondan las dos horas (o más), y es que esto no estaba pensado para verlo del tirón si no como una posibilidad a la hora de hacer algún especial en un número redondo. Pero necesito ver títulos normales durante una temporada, porque los estrenos me da a mi que me van a dar más dolores de cabeza que otra cosa y las selecciones tienen demasiada variedad en cuanto a la calidad, vamos que alguna hay que será realmente mala. Dicho lo cual, no tengo ni idea de qué veré cuando termine con estas, pero aún queda una treintena larga así que tampoco me preocupa.

En todo caos lo que quería hacer notar es que a ratos me cuesta animarme a ver una película larga, independientemente de lo buena que sea o lo mucho que me guste.

Un reparto encabezado por Robert De Niro (Leonard Lowe) y Robin Williams (Dr. Malcolm Sayer). Con John Heard (Dr. Kaufman), Max von Sydow (Dr. Peter Ingham) y Peter Stormare (Neurochemist). Aparece también Vin Diesel (Hospital Orderly) en su primer papel, aunque no recibió crédito por ello. Aviso que cuesta un poco reconocerle porque tiene pelo.

Los dos actores protagonistas pasaron un tiempo en el hospital del Dr. Oliver Sacks visitando pacientes con la misma enfermedad para entenderla mucho mejor.

Se cumple la norma de que si Robin Williams lleva barba su papel es dramático.

Definitivamente es uno de los mejores papeles interpretados por Robert De Niro, no estaba demasiado atento y me ha costado un poco darme cuenta de que era él en sus primeras apariciones, es fascinante.

El químico que dice "que los doctores hagan el daño" y el doctor que dice "que los químicos hagan el daño", para que ninguno tenga que experimentar con una droga.

Supongo que es inevitable encontrar ciertos paralelismos con "One Flew Over the Cuckoo's Nest" (1975), algunos más obvios pero también hay algunas sutilezas. Como alguno de los personajes en momentos puntuales. También veo algunas similitudes con la parte del centro psiquiátrico de la serie "House".

La historia tiene un final bastante duro, de hecho la respuesta a qué les curó y qué les volvió a enfermar queda sin resolver. Quizás eso sea lo más realista de la película, los avances médicos cuestan encontrarse, mucho, y es todo tan casual que como mucho pueden poner la investigación en el camino correcto.

En todo caso es una gran película, una de las mejores de los dramas que hizo Robin Williams. Y, como dije antes, De Niro interpreta increíblemente la enfermedad en sus diferentes etapas.

Field of Dreams (1989)

Aquí la titulamos "El Campo de sueños".

Ray Kinsella es un granjero de Iowa que empieza a escuchar una voz que le aconseja construir un campo de béisbol en sus campos. Tras contárselo a su esposa ella cree que está loco pero le da todo su apoyo incondicional. Lo construyen pero durante semanas no pasa nada. Cuando la situación económica empieza a ser insostenible aparece un jugador de béisbol en el campo, es Shoeless Joe Jackson.

Hace poco comenté la que quizás sea la mejor película de hockey sobre hielo, no me atrevería a decir lo mismo de esta pero desde luego es una de las más nombradas cuando se habla de títulos sobre béisbol.

Y por eso no sorprende demasiado ver en ella a actores como Kevin Costner (Ray Kinsella), James Earl Jones (Terence Mann), Ray Liotta (Shoeless Joe Jackson) o Burt Lancaster (Dr. 'Moonlight' Graham).

Fue la última película que fue estrenada en cines para Burt Lancaster quien falleció en 1994. Tras ella salió en unas pocas mini-series y en una película para televisión.

Ben Affleck y Matt Damon también aparecen, están entre los 3000 extras en la escena del parque Fenway.

La familia que era dueña de la granja donde transcurre la acción mantuvo el campo de béisbol e incluso abrió una pequeña tienda de recuerdos, aunque gratuitos. En google maps se puede ver.

Uno de los misterios de la película es saber quien puso su voz para "la voz". Han habido muchas especulaciones, el director nunca ha querido revelarlo y los actores en realidad no lo saben a ciencia cierta. Sin embargo tanto en el DVD como en el Bluray hay un menú secreto que revela que es el propio director Phil Alden Robinson. Pero ha sido confirmado que no es él, de hecho él puso la voz en un principio para poder usarla durante el rodaje pero luego la regrabaron. La respuesta más aceptada es que es la de Ray Liotta, lo cual además tendría sentido dentro de la trama.

Yo no lo considero un error pero cuando tiene la primera visión del campo está junto a la casa, sin embargo lo construye en otro sitio. Lo que yo entiendo es que "la voz" le está respondiendo a qué debe construir, no el donde.

Como suele suceder en las producciones de Hollywood, el tiempo no acompañó al rodaje. Más concretamente justo en la zona donde hicieron el campo de béisbol se declaró una sequía lo cual no sólo fue problemático con el maíz (el cual sobrealimentaron y creció tanto que Costner tuvo que grabar subido en una caja para que se le pudiera ver) sino que el césped que trajeron se marchitó rápidamente y tuvieron que pintarlo de verde.

Los 8 de los Sox a los que hacen referencia en esta película son los que protagonizaron el conocido como "escándalo de los Medias Negras". Eran del equipo Chicago White Sox y fueron expulsados de por vida del béisbol en 1919 por perder la serie final adrede, para poder beneficiarse en las apuestas. Sus nombres son Eddie Cicotte, Claude Preston Lefty Williams, Chick Gandil (un cabecilla), Fred McMullin, Charles August Swede Risberg (otro cabecilla), Oscar Emil Happy Felsch, Buck Weaver y Shoeless Joe Jackson.

Tal y como lo explican en la trama, Shoeless Joe Jackson no participó del engaño, jugó como siempre, pero aún así fue uno de los condenados. A Buck Weaver le sucedió lo mismo.

Todo tiene sentido eventualmente, incluso que Terence Mann se una a Ray.

Cuando van al pueblo donde vive Doc en el cine local están echando "The Godfather" (1972).

Qué cansino el cuñado, en cada una de sus apariciones me han entrado ganas de darle de bofetadas. Pero pesadísimo con que vendan sus tierras cuando Ray nunca ha querido hacerlo.

El último plano es real, juntaron a un montón de vehículos y para dar la sensación de movimiento iban alternando las luces largas y las cortas.

Aunque es una película valorada muy bien generalmente también tiene sus detractoras quienes la tildan de estar sobrevalorada. Claro que prácticamente cualquier título con Kevin Costner es criticado porque sí de manera injusta, así que tampoco le daría demasiada importancia.

Lo cierto es que en mi opinión sigue siendo un gran título al que me cuesta verle defectos, porque como dije antes todo acaba cuadrando.

Willow (1988)

Quizás he esperado demasiado para volver a verla.

Por temor a que se cumpla una profecía la poderosa reina Bavmorda manda que capturen a todas las embarazadas y maten a sus bebés cuando nazcan. Según dicha profecía un recién nacido será la causa de su caída. Pero una matrona decide llevarse a escondidas a la que podría ser la elegida. La reina envía a sus perros de caza tras ella y se ve obligada a abandonarla flotando en un río. Los hijos de Willow la encuentran y él cuando la ve decide mandarla río abajo pero su esposa la acoge en su casa.

Dirigida por Ron Howard. Con George Lucas como co-guionista, fue idea suya, empezó a escribirla en 1972 y la tituló "Munchkins".

En el reparto destacan los nombres de Val Kilmer (Madmartigan), Warwick Davis (Willow Ufgood) y Tony Cox (guerrero Vohnkar).

Según Warwick Davis fue la película con más actores enanos en su momento. Se calcula que salen entre 225 y 240. Concretamente él tenía 17 años cuando la rodó.

No se sabe a ciencia cierta si Peter Dinklage aparece en ella, se cree que es uno que lleva barba que aparece de fondo cuando Willow hace el numerito con el cerdito.

Los perros malvados son rottweilers con máscaras y trajes.

Había intención de hacer secuelas pero al no conseguir una gran recaudación de taquilla se decidió editarlas como libros. El problema fue que tuvo que luchar con títulos como "Crocodile Dundee II" (1988), "Big" (1988) y "Rambo III" (1988), no fue un fracaso para nada. Sin embargo en el 2022 sacaron una serie de televisión titulada "Willow" que se supone que cubre más de la historia.

Fue la primera película que usó el efecto de "morphing" de ILM.

Utilizaron dos tipos de bebés falsos, uno que podía moverse y otro más ligero para que pudiera llevarlo Warwick en las escenas de acción. Cuesta poco darse cuenta de en qué momentos los usan.

Veo mucho de la obra de Tolkien, sin estar basada directamente desde luego los paralelismos son obvios. De hecho estoy convencido de Peter Jackson sacó algunas ideas de esta película.

A ver, según había leído salía un "dragón de dos cabezas" y que además tenían forma fálica. Alguien no ha visto un pene en su vida. Ni tiene la imagen típica de un dragón, vaya. Es un lagartijo ciclado que lanza fuego por las bocas.

En todo caso es una película de aventuras que salió en la que quizás fue la mejor época para ese estilo. De hecho a ratos me ha recordado a las películas de Indiana Jones incluso, también tiene un cierto toque a las de Conan y cualquiera que involucre magia y seres fantásticos.

The Carpenter (1988)

También conocida como "House of fear".

Tras volver a su vida normal, Alice Jarret y su marido Martin entran a vivir a una casa enorme que necesita algunas renovaciones. Es un trabajo bastante complejo y cuando por fin se acuestan ella escucha el sonido de herramientas y va a ver qué pasa. Es un carpintero que sigue trabajando y a ella le parece bien. Al día siguiente el marido se va con su amante y ella recibe la visita de otro de los trabajadores quien trata de acostarse con ella, a pesar de que ella no le quiere allí. Por suerte el carpintero decide tomar cartas en el asunto y lo mata.

Esta película es peculiar en varios sentidos. Por una parte siempre me gustó el planteamiento de un asesino carpintero, pero por otro la recuerdo como que daba poco de sí, que no se aprovechaba demasiado ese potencial. Tendré que volver a verla para comprobarlo, pero aunque hayan pasado décadas la sensación la tengo muy clara.

La película empieza con una mujer que ha sido internada en un psiquiátrico, mientras su marido se hace cargo de todo.

En realidad me hace gracia que al violador le preocupe más que alguien siga trabajando que seguir violando a la mujer. Dicho lo cual, el carpintero le corta los brazos con una facilidad extrema y el otro no dice ni mu.

Por otra parte ella acepta de buen grado el hecho de que tiene a un asesino en serie trabajando por las noches en su casa, que en realidad es la de él.

El marido la caga pero bien, no sólo tiene de amante a una de sus estudiantes sino que la deja embarazada.

Los diferentes asesinatos están justificados pero me llama la atención que algunas de las víctimas acepten su destino con tanta facilidad.

Vale que no es un peliculón pero juega bien un poco con la ambigüedad de si el carpintero es real o un fantasma o quizás sea producto de la imaginación de Alice. Además la cantidad de muertes no es elevada pero son todas diferentes.

El mayor pero que le veo es que al final descubrimos que si "le haces daño" a la casa lo sufre él mismo, es la manera de vencerle.

Ahora entiendo mejor por qué no tuvo una secuela en su momento.

The Last Emperor (1987)

Aquí la titulamos "El último emperador".

Estamos en Manchuria en 1950, cerca de la frontera entre la URSS y China. El emperador Puyi se encuentra entre los criminales de guerra. 42 años atrás siendo un niño de tres años fue enviado a la ciudad prohibida donde fue declarado oficialmente como el nuevo emperador. Pero cuando apenas era un adolescente el pueblo se levantó y China pasó a ser una república, aunque le permitieron seguir siendo emperador dentro de la susodicha ciudad prohibida.

Antes que nada, la versión que voy a ver es la extendida que dura algo más de 3 horas y media. He de decir que he visto la versión normal muy pocas veces, de hecho apenas la recuerdo porque la última fue hace muchos años, pero siempre me ha parecido interesante. Por cierto, a la versión extendida se la califica como "del director" lo cual es erróneo, la del director es la versión que se estrenó en cines.

Dirigida por Bernardo Bertolucci. El mismo que nos trajo "Novecento" (1976) y "Ultimo tango a Parigi" (1972). No sabía que también fue el que dirigió "Little Buddha" (1993), quizás debería volver a verla también.

En el reparto tenemos a Joan Chen (Wan Jung). Peter O'Toole (Reginald Johnston). Y Victor Wong (Chen Pao Shen).

Es la primera película desde 1949 en la que el gobierno de China colaboró en la producción. No les pusieron ningún tipo de restricciones a la hora de rodarla, incluso pudieron entrar en la ciudad prohibida.

Usaron unos 19.000 extras. De los cuales 1000 estuvieron presentes en la escena de los guardias rojos en la marcha de la revolución de 1967.

Por lo que tengo entendido algunas de las cosas que muestra la película no son exactamente como sucedieron. No tengo demasiadas ganas de ponerme a detallarlas, pero la idea general está bastante bien.

La historia transcurre a dos tiempos, desde que a Puyi le nombran el nuevo emperador, hasta que le juzgan por crímenes de guerra, como uno más de los que van en contra del comunismo chino.

El emperador es un niño malcriado al que le dan manga ancha para hacer lo que le venga en gana. Y si se porta mal otro asume la culpa. Qué bonito.

Obviamente los que viven en la ciudad prohibida van en contra de cualquier avance científico o tecnológico, y hablo de cosas como una bicicleta o usar gafas.

Sé que lo dicen porque era una excusa más para hacerlos, pero los matrimonios de conveniencia suelen ser más duraderos y felices a largo plazo.

Un detalle interesante es cómo envejecen algunos personajes, pero no todos. Por ejemplo Chen Pao Shen luce igual en su primera escena y en la última, a pesar de que han pasado décadas.

Tal y como imaginé agregar casi una hora más de película la hace bastante dura de ver, pero porque son muchos detalles y personajes que van cobrando peso y luego van desapareciendo por diferentes causas, hasta que la historia llega al punto donde empieza, lo cual es casi al final.

Lo que he aprendido con esta película es que los chinos llevan siglos dominados primero por unos emperadores que hacían los que les venía en gana y luego por unos comunistas a los que se les da demasiado bien acusar a alguien de ir en contra suya y castigarles severamente por ello.

Me han gustado muchos detalles, pero principalmente el hecho de que nos muestren las atrocidades que cometió Japón en China de una manera clara. Precisamente esa parte la quitaron cuando la estrenaron en Japón, pero el público protestó y al final la dejaron.