jueves, 13 de noviembre de 2025

人間の条件 第一部純愛篇 (1959)

También conocida como "The human condition: No Greater Love".

Estamos en Manchuria, durante la guerra. Kaji es un hombre japonés que decide no casarse con Michiko, la mujer que ama, porque podría ser llamado a filas. Pero al día siguiente recibe una oferta en un pueblecito que de aceptarla le haría un exento y allí se marcha junto con Michiko.

Sinceramente, no sabía absolutamente nada de esta trilogía antes de empezar a verla y no pude predecir dos películas de tintes bélicos seguidas cuando me puse a ver la lista actual.

Según tengo entendido la trilogía completa tiene una duración de 9 horas y media. Esta primera parte dura cerca de las 3 horas y media. Esta duración hace que sea una de las obras narrativas más largas estrenadas en cines. Para que os hagáis una idea, la más larga es la película muda china "Huo shao hong lian si" (1928) de 27 horas de duración (en 16 partes), esta sería la 11ª más larga.

Está basada en la novela de 6 volúmenes de Jumpei Gomikawa. La cual era considerada demasiado larga y cargada de detalles sobre los crímenes cometidos por los japoneses en la guerra, por eso ningún estudio quiso adaptarla tal cual. Sin embargo el director Masaki Kobayashi hizo presión amenazando con dejar su estudio si se negaban a financiarla. Obviamente la hicieron.

No pudieron grabar en las localizaciones reales, sin embargo el director trató de hacerlo cuando el cielo se aproximaba lo máximo posible a como estaba allí durante la guerra.

Para entender un poco mejor el contexto, en 1931 en Manchuria una vía de ferrocarril fue dinamitada y los japoneses acusaron a los chinos, cosa que les dio la excusa perfecta para ocuparla. Era un territorio rico en hierro, carbón y soja, así que era un lugar ideal. Aunque fue condenada internacionalmente ellos trataron de hacer del territorio un estado soberano y eventualmente escaló la situación hasta lo que desencadenaría la Segunda Guerra Mundial entre Japón, China y EEUU. La historia está situada en el año 1940, tras el estallido de la guerra.

Fue en este momento cuando se llevaron a cabo los famosos experimentos de la Unidad 731 y el tráfico de opio. Obviamente, una película japonesa de finales de los 50 no mostrará las barbaridades de dichos experimentos. Pero aún así vemos prisioneros chinos pasándolo mal.

En esencia, Kaji es un humanista que trata de evitar los maltratos en los campos de trabajo (compuestos por chinos) para así mejorar la productividad, pero los japoneses que los llevan no están muy de acuerdo con sus nuevos métodos.

La escena de los 600 prisioneros saliendo de los vagones del tren es una de las más duras, delgados, casi muertos, moviéndose como zombies hacia la comida que los enfermará.

Son una panda de imbéciles. Llevan 600 personas encerradas en un tren, 12 de ellos mueren sofocados por el calor, apenas se sostienen en pie y pretenden hacerles trabajar antes de darle de comer. Y cuando Kaji se queja le dicen que es un "antimilitar".

Matan a un perro para demostrar que las vallas están electrificadas. Esa no me la esperaba.

Una de las grandes escenas es la llegada de las 30 prostitutas la cual culmina en la primera fuga de 11 prisioneros.

Es una película realmente larga sin embargo no se me ha hecho pesada, quizás porque la historia te atrapa.

El intermedio sucede a la hora y 45 minutos. Tras ponerse la pantalla en negro, mientras suena una canción de fondo, vuelven a aparecer los créditos de inicio, en su totalidad, luego sale el logo de la productora. Son unos 4 minutos poco más o menos.

La segunda mitad empieza con la noticia de la segunda fuga, de 18 hombres esta vez.

Hay varias escenas con personajes borrachos, y cada una tiene un sentido ligeramente diferente. Por ejemplo el primero lleva bebiendo varios días porque está a punto de ir al frente. Otro aparece borracho en casa del protagonista porque estuvo reunido con su jefe, es una costumbre japonesa. También vemos a unos cuantos bailando y cantando, celebrando que les han dado una recompensa por el trabajo bien hecho.

La película termina con el militar al mando torturando al protagonista y finalmente siendo llamado a unirse al ejército. Y encima se les escapan 30 prisioneros más.

El drama se mantiene desde el primer momento, el protagonista va sufriendo revés tras revés y cuando finalmente se entera de la última fuga se lo toma como una victoria personal. A esos 30 no podrán asesinarles.

Imagino que la secuela será el servicio militar del protagonista alejado de su esposa... habrá que verlo, en la próxima entrada, como siempre.

domingo, 9 de noviembre de 2025

Zwartboek (2006)

También conocida como "Black Book".

Ellis y Rachel son dos amigas se reencuentran en Israel cuando una viajaba con su marido, un cura canadiense llamado George. En Holanda, en 1944, Rachel está oculta en una casa con una familia numerosa cristiana cuando una bomba la destruye por completo.

Dirigida y co-escrita por Paul Verhoeven. Se trata de una de sus películas mejores valoradas, tendré que comprobarlo. Fue la primera película que hizo en su nativa Holanda tras su periplo en Hollywood.

Es la película holandesa más cara hecha hasta ese momento con un presupuesto de 16 millones de euros. Aún así estuvo a punto de ser cancelada en el 2004 cuando las compañías que habían prometido el dinero no lo pagaron a tiempo. Tuvieron que esperar hasta el 2005 para recibirlo.

Para variar una manera de evitar a los nazis que es plausible. Se hacen pasar por un oficial de la gestapo y un acompañante (un policía) que transportan prisioneros judíos en un furgón.

De igual manera me parece del todo plausible que caigan en una trampa y sean ejecutados inmediatamente, sin ni siquiera darles un aviso.

En todo caso tras ser la única superviviente Rachel se cambia el nombre a Ellis.

La protagonista lo da todo por la causa incluso se tinta el pelo de la entrepierna para que encaje con su color de cabello.

Porque siendo una película europea no hay problemas a la hora de mostrar desnudos integrales, femeninos o masculinos.

Me hace gracia que digan que "debe estar llegando el final de la guerra" cuando ven a dos nazis discutiendo una orden de ejecución. En mi opinión es una manera más de mostrar la existencia de nazis "buenos" y "malos", quizás demasiado obvia.

El principal problema de todo esto es que la resistencia está completamente desorganizada y carente de prácticamente todo. Dependen de unos envíos que son interceptados inmediatamente. Y prefieren salvar a los ciudadanos holandeses antes que a uno judíos.

Dicho lo cual, la masacre de los de la resistencia es una auténtica salvajada. No me la esperaba tan así.

Y su reacción es tan predecible... pero bueno, eso no me molesta. Sí, en cambio, que la protagonista tarde tantísimo en darse cuenta de que el abogado es el traidor. Para mí lo fue desde el primer minuto, es el único que sabía todo y que tenía contacto con los nazis.

La ejecución del nazi es de las menos satisfactorias que recuerdo.

La cantidad de giritos es... inmensurable.

El final cuesta un poco de entender sin el contexto adecuado. Estamos en el año 1948, en Israel, cosa que dejaron clara al principio de la película. Sin embargo lo que no cuentan es que es la guerra entre el pueblo árabe y el estado Israel, el cual acababa de ser fundado. Por eso se escuchan disparos y están en un kibutz.

Olvidaos del resto de películas de Verhoeven, esto es un drama bélico de tomo y lomo. Con una buena dosis de realismo y personajes que no acaban de definirse ni como buenos ni como malos, cosa que descubrimos especialmente en la parte final.

Es interesante, desde luego. Me hubiera gustado no tener que buscar información para entender el final, pero bueno, dado que es bastante larga supongo que tampoco hacía falta más.

lunes, 3 de noviembre de 2025

Pulse (1988)

Aquí la titulamos "Corriente mortal".

Todo un vecindario sale a la calle al escuchar ruidos extraños provenientes de una de las casas. La policía también acude allí. Parece que un hombre se ha vuelto loco. Al día siguiente David va a vivir con su padre en la casa de enfrente.

Un reparto encabezado por Cliff De Young (Bill), recordado por "Shock Treatment" (1981). Roxanne Hart (Ellen), salió en "Highlander" (1986). Los hermanos Joey Lawrence (David) y Matthew Lawrence (Stevie), de "Blossom". Y Tim Russ (Policía), conocido por "Star Trek: Voyager".

Bill está mirando "Starman" (1984).

La habitación que le han preparado al chaval es para mearse. Le han puesto una cama-coche de carreras y han pintado frente a ella una carretera con sus señales y todo.

Me hace gracia que el técnico diga que la televisión tiene suficientes chips como para viajar al espacio. Si viera una de las modernas alucinaría.

En esencia un "ente maligno" se desplaza por la corriente eléctrica, entra en una casa, empieza a causar el caos hasta el punto de matar a sus ocupantes y encima el resto de la gente creen que están locos.

Es una película que pasó sin pena ni gloria en su momento, con razón. Recuerda a "Shocker" (1989) pero sin dar una explicación al origen de lo que sea que "posee" la red eléctrica y sin grandes escenas.

En fin, pasemos a la siguiente.

La revanche des mortes vivantes (1987)

También conocida como "The Revenge Of The Living Dead Girls".

Un camionero ayuda a una chica que ha tenido un tirón en la pierna, pero no se da cuenta de que alguien le ha estado siguiendo y en un descuido contamina la leche que transporta. Tres chicas jóvenes que beben dicha leche mueren y son enterradas. Días más tarde un hombre tira unos desechos químicos en una pared del cementerio, que les devuelve la vida a las chicas.

Existen varias versiones. La censurada de 74 minutos de duración, la "horror version" de 77 minutos, y la uncut, lanzada en el 2019, de 82 minutos. Esta última es la que voy a ver.

Se ve que en esa versión las escenas extra son las de contenido erótico y están en alemán, mientras que el resto son en francés.

No queda muy claro cuánto tiempo pasan enterradas pero al revivir tienen un aspecto decrépito. Lo cual podría atribuirse perfectamente a los compuestos químicos, claro.

La primera media hora de película es el planteamiento inicial, la "explicación" del origen de los compuestos químicos, la muerte de las chicas y su posterior resurrección.

No acabo de entender cómo el tipo que se dedica a verter los bidones en el cementerio se deja uno tirado, ligando todo a la fábrica química y, eventualmente, siendo descubierto.

Lo mejor son las muertes de las "zombies". La primera es bastante rápida, la segunda incluye un pene arrancado de un bocado, la tercera es un ahogamiento en una piscina, pero bastante elaborado, la cuarta es una prostituta a la que desnudan y le clavan una espada en el coño.

Aunque la escena cumbre es la de la mujer que se pone de parto cuando está duchándose.

Siendo una película francesa no tienen el más mínimo problema a la hora de mostrar desnudos femeninos (o chicas en ropa interior transparente), más o menos justificados en la trama.

No creo que llamarlas "zombies" sea correcto. Se mueven normalmente y son capaces de pensar, claramente. Por ejemplo las vemos conduciendo un coche o dejando un mensaje escrito.

El problema que le veía es que las "zombies" saben "mágicamente" quiénes son los culpables y se los van cargando uno a uno. Al final queda todo perfectamente explicado.

Así que, no hay muchos puntos negativos. Quizás alguna actuación o escenas que saben a poco.

En definitiva, es una manera muy europea de encarar la temática zombie. Con un trasfondo y un desarrollo que va más allá de lo mágico y lo químico.

sábado, 1 de noviembre de 2025

Once Upon a Time in America (1984)

Aquí la titulamos "Érase una vez en América".

Noodles es un gángster de la época de la prohibición que logró huir cuando trataron de asesinarlo. 35 años más tarde regresa a Nueva York para confrontar a sus fantasmas del pasado.

Está basada en la novela del gangster Harry Grey "The Hoods", que es semi autobiográfica, publicada en 1953. También tiene elementos de las novelas "Martin Eden" de Jack London y "The Great Gatsby" de F. Scott Fitzgerald.

Dirigida por Sergio Leone. De su filmografía como director ya sólo me faltarán por ver "The King of Ads" (1991), "Giù la testa" (1971) y "Sodom and Gomorrah" (1962), aunque de esta última no recibió crédito y en realidad la primera es una recopilación de anuncios de televisión europeos. Así que podría decirse que me falta sólo una.

En todo caso esta fue la última película que dirigió y la considera su obra más personal.

Un reparto de lujo con Robert De Niro (David Aaronson "Noodles"), James Woods (Maximilian Bercovicz "Max"), Treat Williams (Jimmy Conway O'Donnell), Burt Young (Joe Minaldi), Joe Pesci (Frankie Minaldi), William Forsythe (Philip Stein "Cockeye") y James Hayden (Patrick Goldberg "Patsy"). Entre otros.

Fue el debut en el cine de Jennifer Connelly (Deborah de niña). Tenía 11 años. Gracias a este papel fue elegida para salir en "Phenomena" (1985).

La BSO corre a cargo de Ennio Morricone, cómo no, quien la compuso antes de empezar la grabación. Durante el rodaje Leone la ponía para ayudar a ponerse en situación a los actores.

Antes que nada, juraría que no he visto esta película antes y la versión que poseo es la que dura 4 horas y 11 minutos. Osea, la extendida y restaurada en el 2012. Existen dos versiones más, la estrenada en cines en EEUU dura 2 horas y 19 minutos y la que es la más conocida que dura 3 horas y 49 minutos.

Originalmente la idea del director era que fueran dos películas de 3 horas cada una. El metraje original duraba cerca de 10 horas. Los productores le hicieron recortar hasta la versión más normal de asi 4 horas.

Referencias a otras películas de gángsters:
- La visita a la casa de la infancia del protagonista es de "Dead End" (1937).
- La nostalgia de su juventud es de "High Sierra" (1941).
- Dos amigos de la infancia crecen para convertirse en dos personas diferentes y uno recuerda los viejos tiempos, como en "Angels with Dirty Faces" (1938).
- El paso del tiempo hace que cambie la política, como en "Bullets or Ballots" (1936).
- El gangster, Max, se va volviendo más paranoico, como en "White Heat" (1949).
- La maleta en la estación de "Cry of the City" (1948) y "The Killing" (1956).
- La inscripción "Your men will fall by the sword" de "Little Caesar" (1931).
- La relación entre Noodles y Deborah se asemeja al romance de "The Roaring Twenties" (1939).
- Las escenas del teatro chino son un tributo a "The Lady from Shanghai" (1947).
- La llegada del protagonista a la casa del senador Bailey es similar a "The Big Heat" (1953).

Me encanta el detalle de que el tipo se llame "Noodles" y el chino al principio lo llame así, pero sin saber que es su nombre da la impresión de que le esté ofreciendo "fideos". Hasta pasados casi 15 minutos no descubrimos que en realidad es su apodo.

Es larga, sí, pero no me lo ha parecido debido a que es casi episódica pues va dando saltos temporales hacia delante y hacia atrás a diferentes épocas. Lo cual algunos consideran que es una inconsistencia narrativa, pero en mi opinión se trata de ir rellenando los huecos a medida que avanza la película.

La parte de los niños está bien, cruel y dura, dándonos una explicación a cómo empezó todo y el significado del maletín misterioso.

Mientras la voy viendo he podido llegar a imaginarme qué partes cortaron y, sinceramente, creo que fue un gran error, es una historia que merece ser disfrutada plano a plano, escena a escena. No sobra nada.

La BSO es magnífica, cómo no, era lo que esperaba. Pero aún así me ha sorprendido la inclusión de una canción de The Beatles, en versión casi minimalista. Y el hecho de que una canción es tocada por uno de los chicos, convirtiéndola en su "tema".

La escena del cementerio es una de las extendidas, se nota mucho por el cambio de calidad y el desgastado color de imagen. Es donde aparece Louise Fletcher (Directora del cementerio Riverdale). Tiene una "continuación" en una escena donde un coche explota.

Otra de las escenas extendidas sucede después de la comprobación de penes por parte de Carol y su propuesta de hacer un trío primero y dobles parejas después. De nuevo se nota por el cambio notable de calidad de imagen. Es una escena donde hablan de los nazis, sin nombrarlos.

Había visto mencionar un par de veces la escena de la violación y pensé que sería la de la joyería, la cual no es para tanto. Pero no, sucede más tarde y es un poco incómoda de ver, por decirlo suavemente. Entiendo que haya gente a la que le marcó cuando la vieron.

Tras esa escena tenemos otra de las extendidas. Eve en un bar se fija en Noodles, borracho. Él se acuesta con ella llamándola Deborah. Al día siguiente Deborah está en un bar y eso enlaza con la escena del tren. Creo que es una escena peculiar pues agrega una capa más al personaje de Noodles.

El intermedio en la versión que he visto sucede a las 3 horas, lo cual deja una hora de película después. Es un poco raro.

Justo después del intermedio tenemos otra escena eliminada, es Deborah en una representación teatral.

Otra más sucede poco después, entre Max y el político, el que fue líder sindical. Sucede justo antes de la reunión con Noodles durante la fiesta.

Lo que más me fascina de esta película es la gran elección que hicieron para las versiones niños, son claramente identificables con los adultos. Y no sólo hablo físicamente, su manera de moverse, las gesticulaciones... es impresionante.

Según James Woods, no se sabe a ciencia cierta si Max murió en el camión de basura.

Leone dijo que el final podría interpretarse como que todo fue el sueño de un fumador de opio. Supongo que se refiere concretamente a todo lo que sucede después de que Noodles entre en el teatro chino.

Me la he tomado con cierta calma a la hora de verla y es que quería saborearla debidamente. Y ha sido todo un acierto, es una gran película que merece la pena verla en su versión más completa.

viernes, 24 de octubre de 2025

Bloodbath at the House of Death (1984)

El título llamativo es.

Estamos en 1975. Un grupo de encapuchados asesina a 18 residentes de un hotel. Años más tarde un grupo de científicos van a investigar el lugar porque hay extrañas emisiones de radiación.

Sólo conozco a Vincent Price (Sinister Man) del reparto. Y algo me dice que no será uno de sus títulos más memorables.

Los asesinatos del principio me recuerdan un poco a los de "The Amityville Horror" (1979).

Me encanta el policía que lleva una cabeza cortada en una redecilla. Y el que recoge los restos con una escobilla y un recogedor.

Son sólo un pequeño ejemplo del tipo de humor al que nos enfrentamos, es una parodia de las típicas películas de mansiones "embrujadas" y de asesinos en serie.

Sigue el mismo argumento de "The Haunting" (1963), también se asemeja al de "The Entity" (1982) y "The Legend of Hell House" (1973).

La pareja que entra el bar y la reacción de la gente es de "An American Werewolf in London" (1981).

De todas las muertes la mejor es la decapitación de la madre con un abridor automático de latas. Encima esa escena es toda una referencia a "Carrie" (1976).

Vemos a Price quemando la cara de una figura de cera, en referencia a "House of Wax" (1953) y "The Abominable Dr. Phibes" (1971).

Utilizan la palabra "fork" para decir "fuck" de una manera sutil. Me meo.

También imitan la música de "Jaws" (1975) en un momento dado para crear tensión... y resulta ser uno de los científicos practicando con el cello.

Antes de "Scary Movie 2" (2001) tenemos una parodia en la que un fantasma practica el sexo con una de las chicas. Y es una escena bastante parecida. Además de ser una referencia a "The Invisible Man" (1933). Y termina imitando una de "The Shining" (1980).

Los encapuchados están "rezando" mientras caminan por el bosque, guiados por el "hombre siniestro, cuando de repente se ponen a cantar la canción "Daisy Bell (Bicycle Built for Two)", de 1892. Lo realmente peculiar es que se hizo popular gracias a internet por ser la primera canción "cantada" por un ordenador, de una manera bastante perturbadora.

Durante la cena parodian la escena de "Alien" (1979).

Hacen "copias" de los científicos a lo "Invasion of the Body Snatchers" (1956).

Matan a uno cuando responde al teléfono, me recuerda a "A Nightmare on Elm Street" (1984), lo cual es peculiar pues salieron el mismo año.

La escena sangrienta en el baño es una referencia a "The Tingler" (1959).

A una le cortan la cabeza con un sable de luz de "Star Wars" (1977).

Sé que es una comedia paródica, pero su calidad es digna de admiración, especialmente la cantidad de paridas que meten siendo más o menos coherente.

La rubia pasa follándose al fantasma por segunda vez por delante de la Luna. Una referencia a "E.T. the Extra-Terrestrial" (1982).

Y finalmente la casa sale volando hacia el espacio, a lo "The Rocky Horror Picture Show" (1975).

Brutal, me parece increíble lo poco conocida que es y lo mal valorada que está. Es una parodia genial.

jueves, 23 de octubre de 2025

The Return (1980)

Sigamos.

Dos niños son testigos de la llegada de un OVNI, un rayo de luz misterioso les rodea durante unos segundos antes de que desaparezca en el cielo. Años más tarde vuelven a juntarse en el mismo lugar, justo cuando están sucediendo una serie de misteriosas muertes entre el ganado bovino de la zona.

Recuerdo que la elegí, entre otras cosas, por su reparto. Destacan los nombres de Cybill Shepherd (Jennifer), Martin Landau (Niles Buchanan), Raymond Burr (Dr. Kramer) y Vincent Schiavelli (Prospector).

Sigue un poco los topicazos de los alienígenas que asesinan vacas sin explicar muy bien para qué. De hecho sólo vemos que el alien lleva una especie de vara brillante con la que penetra el cuerpo de los animales (en realidad primero le vemos asesinar a un tipo bastante imbécil, cosa que me ha parecido totalmente merecida).

Luego tenemos al hijo de un ganadero que se cree intocable, pero al protagonista le da igual su opinión. Cosa que demuestra pegando un tiro a la radio del coche del chaval. Es entonces cuando, según él, descubrimos que le costó 700 dólares. Lo cual no hay por donde coger, es una radio regulera tirando a mala, dudo muchísimo que valiera tanto. Claro que con lo tontaco que es no me extrañaría que le hubieran timado.

Los actores no lo hacen del todo mal, es la historia que aún con vacas muertas y un alienígena asesino suelto consiguen que sea insípida.

El chico y la chica acaban pasando la noche juntos. Predecible.

La parte más o menos interesante sucede pasada una hora larga de película, cuando el sheriff encuentra el escondite del alien.

Igual me he perdido algo pero de la nada salen dos agentes, creo que federales, que la tienen tomada con el protagonista (os recuerdo que es un policía), y no tengo ni la más remota idea de por qué. De hecho ni siquiera se molestan en hablar con él y así descubrir al verdadero culpable de todo, con quien acababa de pelearse.

Me hace especial gracia un plano que aparece dos veces en la película de un coche subiendo a duras penas una carreterucha que está en una colina.

El arma que usa el tipo es una vara luminosa, sin más. A veces cambia su color, y la sostiene de tal manera que parece un sable láser de dos filos, pero en miniatura.

Ah, y el tipo resulta que no es un alienígena, es un humano "elegido".

El final es... espacial.

En fin, una película difícil de clasificar. Tiene romance, intriga, ciencia ficción, pero en concreto no se define como nada de eso.

martes, 21 de octubre de 2025

Elvis (1979)

Hora de un docudrama.

Estamos en 1969 en Las Vegas, Nevada. Elvis llega para su reaparición pública tras 9 años alejado de los escenarios. Pero antes vemos cómo llegó hasta ese punto de su vida.

Dirigida por John Carpenter. Una de la poquísimas cosas que no he visto de él. Es más, creo que después de esta sólo me faltará por ver "The Ward" (2010), aunque hay unos cuantos títulos suyos que no están aún en el blog. Ya llegaremos a ellos.

En el reparto tenemos a Kurt Russell (Elvis Presley), Shelley Winters (Gladys Presley) y Ed Begley Jr. (D J Fontana) como los nombres más reconocibles, aunque hay alguna cara más que os sonará, sin duda.

Según contó el director, pegaron las orejas de Russell a su cabeza porque sobresalían demasiado.

Priscilla Presley recibió medio millón de dólares para que revisase si el guion era preciso.

Algunos de los trajes que lleva Russell son los mismos, y no copias, que llevó Elvis en su momento.

Kurt Russell retomó el personaje en "Forrest Gump" (1994) e hizo de un imitador de Elvis en "3000 Miles to Graceland" (2001).

Las canciones no se hacen esperar, de niño le vemos cantar junto a sus vecinos negros, en el instituto toca una frente a la puerta al salir, sólo para unos pocos compañeros de clase. Y poco después canta una para una especie de presentación de talentos, enfrente de los alumnos.

Es todo tan ridículo. Les echan de la casa donde acaban de ponerse a vivir porque, ojo, están ganando demasiado dinero con sus trabajos. Lo cual no es ni de lejos la verdad.

Hablemos de Kurt Russell. No tenía muy claro por qué le eligió Carpenter para este papel, no se conocían antes del rodaje. Resulta que hay momentos en los que es idéntico. Pero no es el quien canta y toca, lo cual, por desgracia, se nota mucho.

Una verdad universal es que no importa lo talentoso que seas, si la persona que te valora es incapaz de verlo, no tendrás éxito. Por eso no hay que dejar de intentarlo.

Más o menos a mitad película adquiere Graceland, la mansión donde viviría con su familia.

Según la película, Bonnie, su primera novia (con quien quería casarse), le dejó por otro cuando empezó a hacer conciertos. Tuvo un encuentro breve con Natalie Wood que la prensa calificó de romance (en la vida real fue la madre quien se interpuso tras estar un par de días juntos). Y tras la muerte de su madre conoció a Priscilla Ann Beaulieu.

En la vida real su primer romance fue Dixie Locke. Luego salió con unas cuantas chicas hasta que conoció a la actriz Debra Paget, entonces es cuando también estuvo con Natalie Wood (brevemente). Aunque Anita Wood fue su relación más consistente hasta que se enroló en el ejército, momento en el que conoció a Priscilla. Y finalmente, cuando se separaron, estuvo con Linda Thompson y con Ginger Alden. También tuvo devaneos con las actrices Ann Margret, Debra Walley y Cybill Shepherd, con la compositora Carol Connors y con la cantante Nancy Sinatra.

Y lo realmente curioso del tema es que la mujer que más quería, por lo que veo, era su madre.

Por cierto, Priscilla tenía 14 años cuando conoció a Elvis, por eso la lleva al colegio.

No conozco a demasiado las canciones de Elvis, salvo las más populares claro está, y me sorprende descubrir que tantas tuvieran temática religiosa.

Carpenter se toma algunas licencias creativas, pero en líneas generales sigue bastante bien la historia de Elvis, en mi opinión. No podría compararla con el resto de títulos a su haber porque esto se acerca más a un documental, y en ese sentido creo que ha hecho un gran trabajo.

Estamos hablando de una película que está cerca de las tres horas de duración y que ha conseguido engancharme hasta el final. Es de las que puedo decir que no hay "relleno", aunque existe una versión de dos horas, no me he molestado en buscar qué cortaron.

Si no conoces nada de Elvis es un buen punto de partida.

lunes, 20 de octubre de 2025

Interno di un convento (1978)

También conocida como "Behind Convent Walls".

Estamos en un convento de monjas, donde los hombres tienen prohibida la entrada. Entre ellas está la hermana Clara, la más inocente que está allí por pura devoción, sobrina de la madre superiora.

Lo primero que llama la atención es ver monjas maquilladas. Muy maquilladas.

Luego vemos una escena donde las monjas se divierten tocando música y bailando, en la que de repente aparece una enseñando sus bragas transparentes haciendo aerobic en el suelo, mientras se ríe. Y cuando aparece la madre superiora dos salen de un confesionario mientras se visten.

Es un toque lésbico sutil que casi pasa desapercibido.

Después vemos a un hombre follándose a una de ellas, a quienes pilla la madre superiora. Su castigo es confesar sus pecados, mostrar arrepentimiento, cortarse el pelo y quemarlo delante de todas.

La siguiente escena memorable es la de una que hace yoga desnuda mientras reza. No las conozco aún, pero creo que es la misma que enseñaba las bragas anteriormente.

Una coge un trozo de cristal roto y un palo y lo pule para hacerse un consolador. Estando desnuda, claro.

Posteriormente lo usa para masturbarse. En esa escena usaron una doble en vez de a Olivia Pascal, según dijo el director Walerian Borowczyk. Es explícita.

Por lo visto pierde la virginidad con el palo, pues al terminar vemos que está manchado de sangre. Y justo le pilla la madre superiora, qué bueno.

Hay otra que toca el violín desnuda.

Más o menos a mitad aparece una monja muy embarazada, también desnuda.

La madre superiora se pasa la película revisando las habitaciones de las novicias para encontrar cosas "ilegales" como unas cartas subidas de tono o unos dibujos.

Hay algunas escenas más de desnudos, algunas me han parecido bastante gratuitas. Salvo la de la masturbación no hay ninguna otra de carácter explícito. No sé si considerarlas eróticas, son cortas y un poco metidas con calzador.

La historia termina con unas cuantas monjas muertas. Precioso de ver. Una película mal equilibrada, en mi opinión, deberían haberse decidido entre el drama y el erotismo. Se queda a medio camino de ambas temáticas, sin ser ninguna de ellas.

viernes, 17 de octubre de 2025

Dog Day Afternoon (1975)

Aquí la titulamos "Tarde de perros".

Es el 22 de agosto de 1972. Tres hombres entran a un banco en la hora de cierre para atracarlo. Uno de ellos, Stevie, se pone realmente nervioso y se va nada más sacan las armas. Los otros continúan el atraco pero las cosas se tuercen cuando aparece la policía.

Dirigida por Sidney Lumet. Suyas son "12 Angry Men" (1957), "Murder on the Orient Express" (1974) y "Serpico" (1973), por decir tres.

Protagonizada por Al Pacino (Sonny). Otra de las pocas películas que hizo John Cazale (Sal). Con esto termino de ver todas sus apariciones en largometrajes, ya sólo me quedará el corto "The American Way" (1962) para completar su filmografía.

Atentos a la aparición de un joven Lance Henriksen (Murphy) en la parte final, es el conductor de la limusina.

Pacino aceptó hacer el papel cuando el director se lo ofreció a Dustin Hoffman, su "rival". En realidad Pacino se encontraba agotado y deprimido tras terminar el rodaje de "The Godfather Part II" (1974) y no se sentía con fuerzas para hacer un papel tan exigente. Pero al ver quien lo haría cambió de opinión.

Al Pacino dormía solo dos horas cada noche, comía poco y a veces tomaba duchas frías. Todo para enfatizar el aspecto desaliñado y cansado del personaje, pero también muy despierto. Eso hizo que a mitad rodaje colapsara y tuviera que ser hospitalizado.

Buena parte de los diálogos fueron improvisados durante los ensayos y luego incorporados al guion que usaron durante el rodaje. Eso incluye los gritos de "Attica! Attica!".

Basada en un robo que sucedió realmente, aunque el director decidió no mirar ninguno de los vídeos o imágenes de lo sucedido.

Sólo usaron las fuentes de luz que habían de manera natural, como los fluorescentes del banco, las farolas de la calle, los faros de los coches o las luces de emergencia.

Hay cosas sobre lo que sucedió en la realidad que no sé hasta qué punto son ciertas, pero bueno, por lo visto el transexual, pareja del protagonista, terminó haciéndose una operación de cambio de sexo y murió pocos años después por el SIDA. El dinero para pagar la operación no fue el que robaron sino el que obtuvieron al vender los derechos para hacer la película.

Lo primero interesante es que Sonny sabe dónde están las alarmas y hace que las cajera se alejen de ellas, también que hay una llave de la caja fuerte que activa un aviso, y él lo sabe, porque ha trajado en un banco. Lo mismo con las cajas, sabe que si sacan todos los billetes se activa la alarma.

A pesar de tener esa información y de usarla eficientemente la policía no tarda en aparecer.

Lo segundo es que una de las cajeras le encara y, básicamente, le insulta por no tener un plan. En esencia le dice que su idea era entrar, coger el dinero e irse, sin pensar en las posibles complicaciones. Lo cual creo que es muy acertado, por la manera en la que improvisa y crea un fuego con los registros, lo cual podría ser la razón por la que llegó la policía.

Lo tercero es el diálogo profético de Cazale sobre que el tabaco mata a los débiles. Porque fue lo que le provocó el cáncer que acabó con su vida pocos años después.

El FBI actúa de una manera similar a como hemos visto en películas posteriores. Apagando las luces del lugar y el aire acondicionado, para que las condiciones sean las peores posibles y así los atracadores sean más propensos a cometer errores que los detengan.

Las interacciones con el gay y con su esposa son tan diferentes. Y, definitivamente, no me esperaba la aparición de la madre en la parte final para echarle la bronca.

Veo claras influencias en títulos como "Heat" (1995), "The Dark Knight" (2008), "Die Hard" (1988) y prácticamente cualquier película con rehenes, un atraco a un banco o un avión de huida que hayan salido posteriormente.

Gran película, sin duda. Tensa, difícil, dura y muy realista. Especialmente por parte de Pacino y Cazale.

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