Terje Vigen (1917)

También conocida como "A man was there".

A principios del siglo XIX Terje Vigen tuvo una hija. Los ingleses bloquearon las rutas de comercio acuáticas así que los pobres empezaron a morirse de hambre y los ricos cada vez tenían menos. Sin embargo él no podía dejar de pensar en el mar y decide salir con una pequeña barca.

Basada en un poema de Henrik Ibsen publicado en 1862. De hecho los textos que acompañan a la acción están sacados de dicho poema, mayormente.

Volvemos al cine de Victor Sjöström. Es la segunda película que veo suya tras la magnífica "Korkarlen" (1921). Aunque también apareció como actor en "Smultronstället" (1957). En esta ocasión es co-guionista y protagonista además de director.

La versión que he visto es la restaurada en el año 2005.

Los suecos no parecen querer plantar cara a barco solitario inglés, aunque probablemente en aquellos momentos no tuvieran nada a su altura. Pero aún así me da la impresión de que se rinden demasiado fácilmente. Aparte que tal y como vemos en la película mandan una barca con unos pocos hombres para intentar detener al protagonista, de haber ido unos cuantos podrían haberlos sometido fácilmente y quieras que no es una manera de al menos combatir.

El viaje entre su pueblo y la ciudad donde compra avituallamientos está a cuatro días de distancia.

El bloqueo naval inglés de 1809 fue a Noruega, no a Suecia puesto que eran aliados. La historia es una ficción situada en Suecia basada en historias de marineros, y más concretamente de un noruego que viajó en barca hasta Dinamarca.

Pero vamos, al final es lo de siempre. Los pobres son los que más sufren por culpa de unos imbéciles que quieren guerrear por los motivos más estúpidos posibles.

Es fascinante como se parece a la película danesa que vi antes que esta. En ambas el protagonista pierde a su mujer (aquí también a su hijo) por culpa de un tercero y pasados unos años se reencuentra con el tipo y decide cobrarse venganza. Aunque con un desenlace bastante diferente.

Me ha gustado, porque tiene escenas realmente buenas en el mar y porque narra una parte de la historia desde el punto de vista de los que sufrieron más. Pero también porque el final tiene poco que ver con lo que anticipa.

Klovnen (1917)

El título se traduce como "El Payaso".

Joe el payaso está saliendo con Daisy, la hija del director del circo. De casualidad un crítico teatral ve el numerito de Joe y se interesa por él. Así que se lo lleva junto con Daisy para que trabaje en un teatrillo. Pero una vez allí ella empieza a tontear con un conde y Joe les descubre.

Lo primero interesante es que al principio vemos auténticos números de circo, muy bien grabados además. Y, sí, algunos son algo más sencillos que los que se hacen hoy en día, pero no por ello dejaban de asombrar al público.

Un detalle importante es que Joe sale sin maquillaje. Lleva un traje notorio y un sombrerito, pero poco más.

En su primer número Joe toca un banjo mandolina. Y he aquí la curiosidad, desde hace unos meses estoy interesado en comprarme una mandolina, por eso he podido identificarlo fácilmente. No deja de ser un instrumento peculiar.

El segundo instrumento que toca es un arpa/guitarra. Es un instrumento bastante raro y difícil de tocar. Además el cuerpo es realmente raro porque es de una mandolina sin caja de resonancia para la parte del arpa.

Me ha gustado especialmente la escena en la que el protagonista descubre la infidelidad porque usan un espejo pero no es visible hasta el momento clave.

Ella está toda triste cuando tiene que irse de la casa de Joe pero en cuanto llega a la del conde se la ve muy alegre. Aunque le dura poco porque el conde es un pendenciero.

Me encanta como exageran los gestos, es muy teatral. Aunque dado que no podemos oír su voz es lo normal.

Una tragedia de tomo y lomo, aunque no podía esperar nada menos de una película con ese título. Me ha gustado como la narrativa se centra en los momentos clave de la historia, sin rellenos innecesarios y la parte en la que el protagonista tiene flashbacks sobre sus momentos vividos más felices.

Verdens Undergang (1916)

También conocida como "The End of the World".

Dina decide irse de casa por la manera en la que le trata su padre. Había quedado con un hombre llamado Frank Stoll, quien años más tarde se hace rico gracias a la bolsa. Su primo, una astrónomo famoso, acaba de descubrir un nuevo cometa que se aproxima a la Tierra.

La primera peculiaridad es que tiene una presentación doble de los personajes. Primero salen todos listados y luego salen uno a uno con el nombre del actor y su personaje antes de que les veamos. Aún así es algo que dura un par de minutos.

El primer cuarto de hora en realidad no cuenta nada. Es sólo que Dina se va con Stoll y ya. La parte interesante empieza tras eso. De hecho a partir de ese momento aparece el cometa sutilmente en el cielo en algunas escenas.

Y digo yo, si ya en 1916 una pequeña noticia como que el mundo podría llegar a su fin hace que la bolsa se vaya al carajo, ¿por qué seguimos usando dicho sistema?.

Por supuesto no falta el que dice que el cometa es un castigo divino. Siempre tiene que haber uno.

Es interesante ver cómo sólo se preocupan por mostrarnos un pueblecito danés y una ciudad, cuando se trata de un problema que afectará a todo el mundo. De hecho calculan que caerá en la zona norte de Europa.

Un momento, esto es "Armageddon" (1998). El pueblecito danés resulta ser minero, hay una relación de amor prohibido, sólo unos pocos saben que va a caer un meteorito y deciden guardar el secreto…

Claro que la diferencia es que aquí el tal Stoll decide usar la información privilegiada que le da su primo para hacerse rico en la bolsa. Que también te digo, en vistas del desastre que se avecina hay que ser muy miserable.

Me encanta la dualidad del grupo de mineros rezando cuando se aproxima el meteorito y los ricos festejando a lo grande.

La parte final muestra la destrucción causada por el meteorito y he de decir que se han esmerado bastante con lo detalles.

Definitivamente una película que no pasó desapercibida, o al menos da la impresión de que fue una influencia en ciertos aspectos en títulos posteriores.

The Call Of The Cumberlands (1916)

Hora de una estadounidense, para variar. Y es que en esta selección de películas mudas lo que prima es la variedad de países, lo cual me encanta.

Estamos en las montañas de Kentucky. El pacto entre los South y los Hollman está a punto de romperse tras 2 años de paz cuando uno de los Hollman dispara a uno de los South aprovechando la oscuridad de la noche. En medio de esta disputa se encuentra un pintor que ha sufrido un pequeño accidente y los South le curan.

Basada en la novela homónima de Charles Neville Buck.

Me encanta como plasman la manera de hablar tan mal de los montañeros. Cosas como el "ye" o "haint". Casi me parece estar escuchándoles.

Ya he visto unas cuantas películas de montañeros, algunas bastante actuales, y os puedo decir que siguen viviendo exactamente igual que hace 100 años (o puede que 200), con alguna ligera mejora tecnológica quizás, pero nada que no pueda considerarse básico en todo hogar de EEUU.

Lo frase más peculiar se la dice Samson a Sally. En esencia es "las mujeres no tienen que aprender", refiriéndose a que no han de estudiar. Pero lo realmente interesante es que ella estudia por su cuenta cuando él se marcha a Nueva York a aprender a pintar.

No sabía muy bien cómo iban a enfocar la historia con el arranque tan violento que tiene. Sin embargo viene a ser la típica trama de un hombre que ha vivido sin recibir ningún tipo de educación y que de repente tiene la oportunidad de convertirse en uno más de la alta sociedad en Nueva York, cosa que logra pasado bastante tiempo. Pero al final sus raíces le reclaman su puesto en el "clan" y se ve obligado a regresar.

He de decir que incluso la parte en la que está en Nueva York me ha sorprendido porque parecía que iba a ser una historia típica de amor y no es exactamente así.

El tiroteo final es una auténtica salvajada. Durante toda la película hay un cierto regustillo a western, esa escena es el mejor ejemplo, aunque sabe a poco.

Pero es que no es un western, es un drama y como tal funciona a la perfección. La historia no es excesivamente compleja aunque vemos diferentes facetas del protagonista.

De Voortrekkers (1916)

El título se traduce como "Los pioneros". También conocida como "Winning a continent".

Estamos en 1838. Piet Retief es un granjero que quiere comprar unas tierras en la zona norte a los nativos zulús para establecer una república holandesa libre. Junto a él va un grupo numeroso de familias. Pero a algunos no les parece bien que les enseñen a los zulús a comerciar porque les fastidiarían su "negocio".

He tratado de encontrar las primeras muestras de cine en África y no ha sido nada fácil. De hecho es más que probable que me haya dejado alguna porque la información está muy desperdigada y cuesta bastante hacerse una idea global.

En el norte de África las primeras muestras de cine son unos cortometrajes producidos en Egipto en 1896. La primera película sería "Les Cinq gentlemen maudits" (1919) de Túnez.

En la zona centro tenemos una película grabada en Camerún titulada "Haut-Commissariat de la République au Cameroun" (1919), pero tengo la impresión de que fue una producción extranjera. Según he podido comprobar en unos pocos países las primeras producciones son de la década de 1920 (y no fueron demasiadas) y en otros hasta los 60/70 no empezaron a hacer sus propias películas. Es más, he leído que los 60 es considerada la década donde empezó el cine en África.

Y en la zona sur grabaron unos documentales en Botsuana en 1906, el primer cortometraje fue "The Great Kimberley Diamond Robbery" (1911) de Sudáfrica y la primera película es la que nos ocupa.

Dicho lo cual, puede ser considerada como la primera película africana.

Me recuerda un poco a "Westward the women" (1951) ya que pasan por varias dificultades durante su viaje. Y lo hacen de una manera similar con carromatos tirados por bueyes y caballos. La ligera diferencia es que no tienen demasiadas contemplaciones a la hora de hacer sufrir a los animales cruzando un río.

El aspecto de los zulús es prácticamente idéntico al actual. Su comportamiento es difícil de definir. Por ejemplo en un momento dado el rey ordena que asesinen a un bebé, hijo suyo.

Por desgracia la versión que he visto no tenía demasiada calidad y las partes donde aparecen documentos o cartas escritas a mano eran ilegibles, aunque no se pierde demasiada información.

Por algún motivo tenía la impresión de que las películas de principios del siglo XX retrataban a los nativos como salvajes despiadados que atacaban sin más al hombre blanco invasor. Sin embargo aquí está claro que son coaccionados por otros hombres blancos para atacar y matar salvajemente, bajo la amenaza de que pueden morir.

Y por más que leo, parece ser que en realidad la idea provino del rey zulú, así que no comprendo muy bien por qué le exculpan. Y de hecho la historia es un pelín más complicada. Retief llegó a un pre-acuerdo con el rey según el cual debía recuperar unas cabezas de ganado de una tribu rival, tras hacerlo y después de firmar un pacto el rey cogió presos a Retief y sus hombres y luego los ejecutó y dejó sus cadáveres con las tripas abiertas para que se los comieran las bestias salvajes. Después atacó al resto de Boers.

En todo caso es un título que narra una parte de la historia menos conocida de África y aunque no sé hasta qué punto es cierto lo que narra, al menos nos pone en contexto. Eso unido a lo que decía al principio la hace lo suficientemente interesante.

Friends - The Reunion (2021)

No creo que haga una entrada sobre la serie "Friends" porque sería volver a ver las 10 temporadas, osea sus casi 240 episodios, y no es algo que me apetezca hacer ahora mismo, ni tampoco en un futuro cercano, porque sería la mejor manera de analizarla, según mi opinión.

Por ese motivo he decidido hacer esta entrada usando como excusa la reunión de sus 6 protagonistas que ha sido emitida recientemente en una cadena estadounidense. Desde que terminó la emisión de la serie han intentado juntarles en múltiples ocasiones sin éxito, así que es un acontecimiento interesante.

Antes de ponerme con ella quisiera hacer una pequeña narración de cómo empecé a ver esta serie.

Y es que en 1994 cuando emitieron el primer episodio en España, si mal no recuerdo en el canal plus, yo ya estaba pendiente de ello porque en ella salía Lisa Kudrow.

Creo que debo de ser de los pocos que la conocían en aquellos momentos y lo realmente curioso del tema es que para mí el resto del reparto eran completos desconocidos. Bueno, más o menos. Y la cosa es que me gustó la serie y la seguí durante unas 9 temporadas regularmente, la 10ª la vi pasado unos años desde su emisión.

Hablemos del reparto principal:

- Lisa Kudrow (Phoebe Buffay): yo la conocía por "Mad About You" donde interpretó un personaje bastante alocado que de hecho terminó saliendo en esta serie como la hermana gemela de Phoebe, y además hubo el cameo de otros dos personajes, lo cual me rompió.

- Courtney Cox (Monica Geller): según la reunión cuando fue elegida para interpretar al personaje en realidad la querían para hacer de Rachel pero ella misma dijo que no, que sería una mejor Monica. Y el único pero que tenían con ella es que quizás fuese demasiado "famosa", lo cual era cierto pero no sólo por salir en un videoclip de Bruce Springsteen sino también en películas como "Masters of the Universe" (1987), "Cocoon: The Return" (1988) y "Ace Ventura: Pet Detective" (1994). He de decir que yo jamás la recordé por dichos papeles hasta que vi las películas años más tarde.

- Matthew Perry (Chandler Bing): En la reunión me ha extrañado verle tan mal y es que no podía hablar apenas porque poco antes del rodaje se sometió a una intervención en el dentista. Su pasado antes de la serie está compuesto por muchos episodios sueltos y películas de televisión, osea que era prácticamente un desconocido.

- Jennifer Aniston (Rachel Green): era otra actriz que podría haberme sonado porque salió en series como "Ferris Bueller" y "Herman's Head", las cuales em encantaban, pero nunca la llegué a relacionar con ellas. También salió en "Leprechaun" (1993) pero hasta hace pocos años no la vi y tuvo un papel muy pequeño en "Mac and me" (1988) que obviamente no recordaba.

- David Schwimmer (Dr.Ross Geller): para mí su personaje siempre fue la nota disonante. Era el más "adulto" de los 6 y el único que tenía una carrera profesional e incluso estaba casado desde el principio. De hecho da la impresión de que tuvieron que buscar la manera de encajarle creando relaciones previas con Chandler y Rachel. Pero bueno, de todos los actores es el que estuvo a punto de dejar su carrera justo antes de que le dijeran los creadores que estaban interesados en él porque habían creado a Ross con él en mente.

- Matt LeBlanc (Joey Tribiani): No acabo de entender como en el especial se olvidan de mencionar la serie "Top of the Heap" y su spin-off "Vinnie & Bobby" que co-protagonizó. De hecho yo sí vi algunos episodios de dichas series y años más tarde cuando me di cuenta me quede flipando. Es más, Vinnie apareció en varios episodios de "Married with Children" y también le recordé.

La reunión consigue recuperar a un montón de actores aunque a todos les dedican máximo un minuto, es una lástima porque de algunos se merecían un poco más.

Otra cosa que no me ha gustado es que dejan que el público haga preguntas pero al final se queda en sólo 1 pregunta. Tengo la impresión de que hubo muchas más pero las cortaron todas, o la tenían preparada de antemano, a saber. Hubiera preferido más preguntas y que hubieran quitado la parte de los "fans alrededor del mundo" porque da mucha grima.

La nota musical la pone Lady Gaga cantando "Smelly Cat" con Lisa Kudrow. Está bastante graciosa esa escena.

También salen un montón de famosos pero a medida que avanzaba me he percatado de una ausencia bastante notable, la de Paul Rudd, quien terminó siendo el novio de Phoebe al final. También podrían haber recuperado a Aisha Tyler, la presentadora actual de "Who's line is it anyway?", y a Giovanni Ribisi, un actor que he visto en mil y una partes tras la serie. Pero bueno, ya han hecho mucho consiguiendo que gente como Elliott Gould, Reese Witherspoon y Tom Selleck sí aparezcan.

En un momento dado hablan de celebridades que han salido en la serie y mencionan a unos pocos. Se olvidan de gente como Bruce Willis, Alec Baldwin, Gary Oldman y David Arquette, por decir algunos notables.

Otro momento interesante ha sido cuando han hecho un pase de moda con Cara Delevingne Justin Beaver y Cindy Crawford.

Creo que la pregunta que más me ha gustado, o mejor dicho la respuesta, es cuando les dicen si creen que la serie debería tener otro episodio más o una película con la situación de los personajes pasados 20 años y la respuesta es que no, que el final deja las cosas muy bien para cada uno de ellos y añadir más historia implicaría meterles en alguna complicación innecesaria. Y vamos, para mí es interesante porque no hace falta ordeñar más la vaca.

En fin, me ha gustado porque han hablado de algunas cosas internas como la casi relación entre Aniston y Schwimmer o lo jodido que estaba en aquellos momentos Perry (quien ha hablado de ello en más de una ocasión).

Жизнь за жизнь (1916)

El título se traduce "Una vida por otra".

Nata y Mesia son dos buenas amigas que han sido criadas como si fuesen hermanas. Ambas buscan un pretendiente con el que poder casarse y cuando los encuentran se casan el mismo día. Musia se casó con un príncipe derrochador llamado Vladimir y encima ella le da rienda suelta para gastar su propio dinero. Zhurov es quien se casa con Nata, aunque ella no le ama.

El subtítulo es "за каждую слезу по капле крови", que se traduce como "una gota de sangre por cada lágrima".

Está basada en la novela "Serge Panin" de Georges Ohnet. Fue su primera novela, publicada en 1881.

La película empieza listando los nombres de los personajes y los actores que los interpretan. Aparte del equipo técnico, claro.

Vemos una especie de flashback, o ensoñación, donde dos amantes se conocen en la época de los romanos.

Durante la película aparece el dicho "Любовь к деньгам есть корень зла", que se traduce como "el amor al dinero es el origen de todos los males". Y no podría resumirse mejor la historia.

Veamos, la historia es que Musia se casa con el príncipe pero él solo la quiere por su dinero. Nata está enamorada de él pero se casa con otro tipo y en cuanto tiene ocasión se besa con el príncipe. El problema es que Musia les ve.

En fin, una tragedia contada en tres actos. La historia en sí se desarrolla como uno puede imaginarse. Sin embargo creo que lo más interesante es cómo han sido grabadas algunas escenas usando diferentes planos. Hoy en día es algo tan natural que ni siquiera pensamos en ello pero en aquel momento no era una tarea fácil precisamente.

Maciste (1915)

Hora de ver a un forzudo en acción. Creo que el cartel no es el de la película, pero bueno.

Una mujer es perseguida por unos malhechores y se esconde en un cine donde ve en la gran pantalla a un forzudo llamado Maciste y queda muy impresionada. Con lo cual decide enviar una carta al actor que lo interpreta para que le ayude.

Se trata de la versión restaurada en el año 2006 en el laboratorio L'Immagine Ritrovata de Boloña. No está completa, se ha perdido parte del metraje por desgracia.

Protagonizada por Bartolomeo Pagano (Maciste), quien en 15 años interpretaría al personaje una treintena de veces, de hecho prácticamente en todas las películas en las que aparece.

En el cine que aparece en la película están echando "Cabiria" (1914). En su momento mencioné que esta era su spin-off. Por cierto, decidieron usar la superposición de imágenes con una de un cine lleno de gente y otra con la película en sí, pero no queda bien porque "tiembla". Sin embargo he de decir que queda interesante el efecto porque la imagen de la película tiene diferentes colores.

El principio de la película es una película muy meta, me encanta. No sólo vemos cómo eran los cines de la época por dentro (donde no todos estaban sentados y hablaban tranquilamente) sino los platós y las cámaras que usaban para filmar películas.

Maciste hace gala de sus músculos siempre que tiene ocasión. Eso hace que algunas escenas no tengan demasiado sentido, como cuando coge un tronco porque sí (podría ser que se haya perdido parte de la escena). Pero vamos, en las peleas me ha recordado un poco a Bud Spencer.

La mejor escena es la del bar. Descubrimos que tiene varias puertas ocultas e incluso una trampa bastante elaborada. Aunque el protagonista es capaz de adelantarse a los acontecimientos y no sólo logra evitarla sino que atrapa a los rufianes y salva a la chica. Maravilloso.

Aunque está completamente justificado pues es uno de los disfraces que usa el protagonista, en un momento dado le vemos pintarse la cara de negro para hacerse pasar por un criado en una fiesta de "ricos".

Ha sido muy interesante y viene a ser el comienzo de las aventuras de este personaje que hasta no hace tantos años aún tuvo alguna película.

La folie du Docteur Tube (1915)

Se traduce como "La locura del doctor Tube".

El doctor Tube ha logrado dar con una fórmula que le hace tener alucinaciones. Sus dos sobrinas van a visitarle y también lo ven todo distorsionado y luego ellas le echan la fórmula a sus pretendientes.

Dura 15 minutos.

Dirigida por Abel Gance. El mismo que hizo la faraónica "Napoléon vu par Abel Gance" (1927).

Entraría dentro de la categoría de cine experimental. Gance usó lentes distorsionadas para crear las alucinaciones del protagonista.

Recuerdo que la elegí porque se trata de uno de los primeros ejemplos de un personaje con un maquillaje exagerado. En este caso es el protagonista que lleva una protuberancia en la cabeza que viene a ser como la de los "Coneheads" (1993) pero la mitad de alta, más o menos.

La versión que he visto es la restaurada en el año 2011 por la cinemateca francesa.

Empieza con una introducción al estilo moderno donde pone quién la dirige, los actores y demás.

El protagonista es un payaso, en el mejor sentido de la palabra. Hace gesticulaciones con su cara muy exageradas y tonterías de todo tipo.

Viene a ser un poco como ver la película reflejada en "la casa de los espejos" de una feria.

La fórmula en sí son una especie de polvos de talco que no paran de echarse los unos a otros.

Me parece interesante que para indicar que alguien está loco el gesto que usen sea golpearse con un dedo en la frente y no en la sien.

Podría considerarse cine experimental, por aquello que usa lentes realmente raras, pero en realidad es una historia bastante simple y me parece bastante justificado el uso de dichas lentes.

Ghosts (1915)

Es lo más cercano a un cartel que he encontrado.

Helen está enamorada de un cura llamado Manders, pero sus padres no le dejan casarse con él porque es pobre y le buscan un pretendiente rico llamado Alving. Ella se casa con él y pronto descubre que tiene un affair con Johanna, una mujer casada, además que bebe mucho. Pero pasan los años y tienen un hijo llamado Oswald, aunque Alving en secreto tiene una hija con la amante llamada Regina. Años más tarde ambos hijos se enamoran sin saber que están emparentados.

Está basada en la obra de teatro "Gengangere" de Henrik Ibsen estrenada en 1882. Se trata de su primera adaptación cinematográfica, poco después tuvo otra titulada "Gespenster" (1918), de Austria.

Dirigida por George Nichols y John Emerson.

Uno de los mayores problemas a los que me enfrento con las películas de principios del siglo XX es que a veces coinciden dos títulos y hay remakes que salieron con muy pocos años de diferencia. Encima no me puedo fiar tampoco de las duraciones porque difieren mucho según versiones. Y vamos, que cuando tienen un título demasiado genérico (como es el caso que nos ocupa) no me lo ponen nada fácil. Pero al final termino por sacar suficiente información como para saber con certeza qué película es.

Me encanta el término "photoplay" para referirse a las películas que adaptan obras teatrales.

Esta vez no hay una presentación de los actores. Sigue el formato de que cuando aparece un personaje nuevo (relevante) por primera vez ponen el nombre del actor al lado.

Es un dramón de cuidado. Los personajes van muriendo paulatinamente. Pero además todo surge de una frase de un doctor según la cual Alving sólo puede traer al mundo progenie maldita (bueno, usa otras palabras obviamente) y que casarse con él es la peor idea. El problema es que el tiempo le da la razón.

Los fantasmas del título son metafóricos, se refieren a la herencia genética que hace que una persona tenga problemas físicos o mentales sólo por ser hijo de quien es.

El proceso de envejecimiento de los personajes es correcto salvo por el doctor quien mantiene el mismo aspecto pasados unos 25 años.

Por otra parte da la impresión de que las bodas a principios del siglo XX se planeaban en muy poco tiempo y que prácticamente sucedían a los poco días de proponerse. Al menos eso parece en esta película.

Por cierto, es una de esas raras veces en las que vemos arder una iglesia en una película.

Oswald acaba teniendo ataxia locomotriz, lo cual me parece fascinante. Por lo que puedo entender está asociada a la sífilis así que lo que heredó de su padre fue una infección que le acabó afectando años más tarde.

De la manera en la que empezó pensé que sería aburrida y qué va, sólo por ver al padre borracho persiguiendo a la amante por la casa ya merece la pena. Y la parte final me ha encantado, como dije es muy dramática así que no esperéis un final feliz precisamente.

Filibus (1915)

Esta me tiene un poco intrigado.

La baronesa de Troixmonde, aka Filibus, lee que han puesto una recompensa de 25.000 monedas por su captura. El detective Hardy es el encargado del caso y ella prepara un plan para inculparle a él.

Otra película que empieza con una presentación de los personajes, aunque esta vez no pone el nombre de los actores. Lo curioso de esta presentación es que nos muestran los tres "aspectos" de Filibus ya que se hace pasar por hombre, mujer o "ladrona". Lo cual ayudará a identificarla a lo largo de la película.

Me parece llamativo que esté protagonizado por una mujer. Y no es algo realmente raro en el cine mudo, de hecho alguna actriz logró tanta fama que terminó produciendo sus propias películas.

La protagonista usa un heliógrafo para comunicarse con un zepelín en pleno vuelo. En esencia usa un espejo y una persiana para que refleje o no la luz del sol.

Está muy bien aquello que nos quieran mostrar el plan de Filibus para incriminar al detective, pero creo que las escenas en las que vemos como asciende al zepelín son demasiado lentas y no es necesario repetirlas.

Por otra parte queda poco creíble que un vehículo aéreo de este estilo quede perfectamente quieto mientras desciende una especie de ascensor. De hecho diría que algo así no lo había visto hasta ahora.

Otro detalle es el uso de huellas dactilares para ayudarse con la investigación.

Ojo a la escena con pantalla partida de una conversación telefónica. Está dividida diagonalmente y queda muy bien.

Definitivamente es una película muy adelantada tecnológicamente hablando. Sale incluso una cámara en miniatura que es un poco más grande que un dado.

Es una historia que termina dando pie a una posible continuación que nunca hubo y es una lástima. La confrontación entre Filibus y el detective Hardy da para mucho, especialmente cuando hay cosas que no cuentan en esta película como son las motivaciones de la ladrona para hacer lo que hace, más allá de pasárselo bien (que me da a mí que es la razón principal).

Me ha gustado mucho, antecede a muchas películas de detectives contra sus némesis y encima "el malo" gana, no se puede pedir más.

Quo Vadis? (1913)

Seguimos con más clásicos.

Estamos en Roma, en la época de Nero. Marcus Vinicius le habla a Petronius de una mujer llamada Lygia, entonces Petronius pide ayuda a Nero para que se la entreguen y a Vinicius no le hace ninguna gracia cuando se entera pero en realidad lo ha hecho por él.

Basada en la novela "Quo Vadis: A Narrative of the Time of Nero" de Henryk Sienkiewicz publicada en 1895. Fue su segunda adaptación ya que hubo una en el año 1901.

Fue una de las primeras superproducciones con 5000 extras, decorados de lujo y una duración de 2 horas (de las cuales nos han llegado una hora y media).

Empieza con la presentación de los actores. Primero sale su nombre junto a su personaje y luego vemos una imagen suya. En total dura dos minutos.

Lo primero que me llama la atención es la cantidad de saludos con el brazo extendido que hacen. Si bien era una costumbre romana en películas posteriores los suelen hacer los soldados, al menos de una manera tan exagerada, aquí todos los personajes los hacen con bastante frecuencia.

Personalmente diría que entre todos los personajes, que no son pocos, mi favorito es Nero. Es un loco capaz de quemar la ciudad de Roma para terminar de componer un poema. ¿Cómo no me va a gustar?. De hecho el resto está tan preocupado por las relaciones personales que son incapaces de disfrutar el momento como él.

Pero bueno, aquí la historia no es esa, de hecho ni siquiera es una relación personal aunque tenga esa apariencia, sino el que un romano decida convertirse al cristianismo tras escuchar un sermón de Pedro.

No creo que sea algo hecho adrede pero durante el bautismo de Vinicius vemos una hoz y un martillo dibujada en una tela en la parte trasera.

Aparecen también carreras de cuádrigas, como en "Ben Hur" (1907), pero incluso contando con los mismos medios y grabando con una cámara estática se ven mil veces mejor por el simple hecho de estar enfocadas de frente y a cierta distancia. Más que nada porque ves como aparecen en el fondo y como se aproximan hacia el espectador y no como una sombra fugaz que cruzaba la pantalla.

Hace aparición una jauría de leones reales en la parte del circo. Está muy lograda la escena en la que se les ve comiendo restos humanos.

Y aquí eso de crucificar a los cristianos les sabe a poco, prefieren quemarlos vivos atados a unas estacas. Es precioso de ver.

La escena más importante sucede al final cuando Jesús se aparece ante Pedro y le dice la frase "quo vadis, domine?". Lo interesante de esa escena es que Jesús es semitransparente porque superpusieron dos imágenes.

El mensaje final es que el cristianismo se hizo más fuerte tras la muerte de Nero. En realidad durante toda la película he tenido la sensación de falta de rigurosidad histórica, y es que mezclan cosas de la Biblia y hechos reales. Con lo cual no me sorprende el final.

En todo caso es una película que comparativamente hablando con la versión más famosa no se deja demasiadas cosas, lo cual me ha sorprendido. Aunque más me ha sorprendido lo bien hechas que están algunas escenas.

A message from Mars (1913)

Se cree que es el primer largometraje del Reino Unido.

Ramiel es enviado a la Tierra desde Marte para encontrar al humano más egocéntrico. El elegido es un señor con bigote llamado Horace. Mientras tanto él recibe una invitación para ir a un baile con Minnie, pero la ignora y ella, molesta, le devuelve el anillo de compromiso.

De nuevo otra película que es una adaptación de una obra de teatro.

La versión que he visto comienza con una presentación de los actores. Salen sus nombres y seguidamente una escena en cámara lenta donde sólo se les ve a ellos. Dura un par de minutos todo ello.

La apariencia de los marcianos que aparecen al principio está basada en el antiguo Egipto. Vemos también filas de columnas y un edificio que se asemejan a la antigua Grecia.

Pues mira, yo entiendo muy bien a Horace. Prefiere quedarse en su casita leyendo el periódico que ir a un baile. Recibe una carta de un trabajador que le pide que haga "algo" porque está pasándolo mal, tampoco especifica nada así que comprendo que prefiera ignorarlo.

En un momento dado el marciano hace gala de sus "poderes" y los objetos de la habitación empiezan a moverse solos. Dura sólo un par de segundos pero está muy bien hecho. Además es capaz de teletransportarse.

Interesante el detalle de Horace pagando a un policía para que le encuentre un taxi. Es algo que no ha trascendido con los tiempos.

El protagonista me recuerda bastante a Scrooge. Y, de hecho, la historia tiene mucho de lo de hacerle entender que su vida basada en el egocentrismo no está bien.

También te digo que los taxistas y la tipa rica que deciden no ayudar a un pobre que está tirado en la acera muy generosos precisamente no son. Si los marcianos pretenden mejorar la vida en la Tierra cambiando a un señor no lo van a lograr.

No es excesivamente compleja, pero tampoco lo necesita. Los efectos especiales son usados en momentos puntuales y en realidad no necesitan más. Si bien el aspecto de los marcianos podría haber estado más logrado el hecho de usar civilizaciones antiguas nos indica que son avanzados a su manera y que tuvieron algún tipo de influencia en los humanos en el pasado.

Me ha gustado, en pocas palabras.